La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando fue fundada en 1752 bajo el reinado de Fernando VI. Nacida en plena Ilustración, fue una de las instituciones culturales más ambiciosas de España en el siglo XVIII. Estaba pensada para situar las artes plásticas como centro del pensamiento moderno. De esta manera se pretendía unir la práctica artística al desarrollo intelectual y cultural del país.

A lo largo de su trayectoria, la Academia ha acompañado las grandes transformaciones del arte español. Entre sus académicos más importantes destaca Francisco de Goya, que llegó a ocupar el cargo de director de Pintura. Actualmente la Academia se mantiene como uno de los grandes referentes culturales de España, sirviendo como museo y como espacio de investigación y reflexión.

Santiago Serrano ha sido conmemorado recientemente académico de esta institución, por lo que desde Marquesa Gallery queremos hacer un recorrido por la trayectoria de este artista que pasa a formar parte de una de las instituciones culturales más relevantes del país.

Santiago Serrano durante la ceremonia.

Una trayectoria construida desde la coherencia

Santiago Serrano dispone de más de sesenta exposiciones individuales en el marco nacional e internacional. Sus obras se pueden observar en grandes colecciones e instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana o la Colección Helga de Alvear, entre otros.

Santiago Serrano, Encrucijada II, 1990

Serrano es uno de los artistas más relevantes de la generación de pintores de los años setenta que volvieron a la pintura como práctica dominante. Además, es uno de los pocos que mantiene intactos los principios éticos y estéticos del momento, entre ellos la singularidad expresiva, el inconformismo y el compromiso experimental.

Su obra se enmarca en una vertiente abstracta y conceptual, siguiendo una línea afín a artistas como Mark Rothko, Piet Mondrian, Kazimir Malévich o Barnett Newman. De esta manera se ha consolidado como uno de los artistas más relevantes del panorama español en este siglo y el pasado.

La Academia y la permanencia de la pintura

Como hemos mencionado anteriormente, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ocupa un lugar central en la historia cultural española. Durante su larga trayectoria se ha convertido en un lugar para la conservación y la reflexión, pero también un espacio donde la tradición y la contemporaneidad dialogan.

Santiago Serrano, Amarillo acrílico sobre tabla, 1970-71

La entrada de Santiago Serrano como académico es muy significativa, puesto que es una muestra de coherencia y tesón. Su modo de utilizar la pintura se presenta como un lenguaje austero pictórico que se enlaza a su vez con una riqueza narrativa en lo humano. Cabe destacar dos argumentos esenciales en la obra de Santiago, primero, su evolución del despliegue de las formas plásticas. Su obra abarca desde el formato más tradicional del lienzo hasta soportes geométricos. Segundo, su conexión con el mundo de los símbolos, los mitos, y en general la narrativa humana.

La abstracción como experiencia contemporánea

En 1968, Santiago Serrano obtuvo una beca de la Fundación Juan March que le permitió realizar una estancia clave en París, donde tomó contacto con la abstracción internacional y con la obra de Antonio Guansé. Esta experiencia supuso un punto de inflexión en su lenguaje plástico, alejándolo de la figuración inicial para orientarlo hacia una abstracción esencial, cargada de resonancias simbólicas y espirituales.

Durante los años ochenta, el lenguaje de Serrano adquirió una gran concentración formal. Los colores se apagaron, y la geometría adquirió un gran peso simbólico. El cuadro se convierte en un espacio de recogimiento visual. Incorporó formas arquitectónicas como el ábside, la cruz o el arco, que aunque elementos austeros, también están cargados de sentido. El silencio se convierte en un componente determinante en sus cuadros. Más adelante, series como Silenciarios y quimeras continuaron expandiendo esta investigación sobre el espacio y la percepción.

Serrano entiende la abstracción como un lenguaje que permite al espectador una experiencia sensorial y espiritual. La geometría aparece en su obra como respiración y equilibrio. Para Serrano, mirar implica demorarse, entrar en la obra y en el imaginario artístico del artista.

Santiago Serrano, Sin título, 1972.

Geometrías del silencio

En 2024 se realizó en Marquesa Gallery Geometrías del Silencio. Exposición que a su vez, inauguró la galería.

Mariano Navarro, quien comisarió la exposición, enfatiza el diálogo de la obra de Santiago con lo más hondo de lo existencial. Para ello, señala que es en sus títulos – por ejemplo, Silenciarios y quimeras – donde se encuentra ese primer acercamiento. El mismo Santiago Serrano afirmó: «los títulos son importantes tanto en cuanto tienen el sentido que deben tener. Un título puede definir una obra, pero no ocuparla».

Santiago Serrano, Silenciarios y Quimeras, 2023

A través de sus títulos también se puede relacionar la obra se Serrano con lo poético y la poesía, debido a la riqueza formal de las palabras, sus significados y etimologías. Para sus obras más actuales, que empezó en la pandemia de 2020, Santiago Serrano las describe como «una entrañable mirada interna hacia esa ilusión que quería dar a los demás», como «mariposas», ya que la inspiración para estas obras le vinieron de dos maneras distintas. La primera, a partir del cantante Jorge Drexler, con su canción Quimera. La segunda, a través de una secuencia analógica que define su forma de mirar: «Psiqué en griego significa alma» y, «el conocimiento del alma, y alma, en griego, es también mariposa y, a la vez, gusano, es decir, pupa, metamorfosis (…). Quimera es una forma poética de nombrar una ilusión, (…)».

Ahuecar: crear espacio para la mirada

Ahuecar: 50 años de pintura fue otra exposición realizada en Marquesa Gallery, en 2025. En esta ocasión se trató de una retrospectiva que pretendía proponer un recorrido cronológico por algunas de las etapas más representativas de la obra de Santiago Serrano. De esta manera, se quiso seguir la evolución de su pensamiento plástico a lo largo del tiempo.

Fotografía de la exposición Ahuecar: 50 años de pintura.

Ahuecar no se refiere únicamente a una acción formal, sino también a una actitud. No se trata de llenar, sino de crear espacio, de preparar el lugar para que algo pueda surgir. De sugerir. Como en su pintura, donde todo se reduce a lo esencial: plano, materia, ritmo. Nada sobra, nada distrae.

Esta retrospectiva permitió observa la consistencia en el lenguaje plástico de Santiago, él mismo lo afirma: «La pintura es lo único en mi vida en lo que he sido coherente».

La persistencia de una mirada

La incorporación de Santiago Serrano a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando reconoce la gran trayectoria artística y la relevancia de su obra en el panorama español.

La obra de Serrano se mantiene coherente desde sus principios, insistiendo en la contemplación y la importancia del espacio y el tiempo en la pintura. La singularidad expresiva y el compromiso experimental mantienen su práctica artística como relevante y refrescante.

De esta manera, desde Marquesa Gallery queríamos dedicar unas líneas a recordar la importante figura de Santiago Serrano, ahora académico de una de las instituciones artísticas más significativas de España.

“La pintura, antes que nada, es un modo de ver. Lo que vemos o cómo lo vemos está condicionado por lo que sabemos o creemos.”1
John Berger, 1972

Este verano, en su estudio de Caracenilla, mientras hablábamos de arte y de lenguaje, Santiago Serrano pronunció una palabra: ahuecar. La forma en que la dijo, y lo que significaba, nos dejó en silencio. Nos habló de cómo esa palabra comienza con una apertura —la “a”—, atraviesa un silencio —la “h”—, y se recoge en la “u”, vocal cerrada y grave. “Es casi una meditación”, dijo. Y entonces lo supimos: ese sería el título de la exposición.

Ahuecar no nombra solo una acción formal, sino también una actitud. No se trata de llenar, sino de crear espacio, de preparar el lugar para que algo pueda surgir. De sugerir. Como en su pintura, donde todo se reduce a lo esencial: plano, materia, ritmo. Nada sobra, nada distrae.

Esta exposición se ha fraguado con calma, desde el deseo de rendir homenaje a una trayectoria artística de más de cinco décadas. Cuando comenzamos a trabajar con Santiago Serrano, en el verano de 2024, fue para inaugurar Marquesa Gallery con su exposición Geometrías del silencio. Aquel primer encuentro con su obra y su manera de estar en el mundo nos marcó. Comprendimos que estábamos ante un artista mayor, no solo por edad, sino por su forma de sostener una práctica fiel a sus principios, al margen de las modas y de los circuitos más visibles del arte.

Gracias a la complicidad de mi gran amigo y artista Bernabé Gilabert, que nos puso en contacto, viajamos a conocerlo a Cuenca, sin saber que ese viaje supondría el inicio de una relación muy especial. Santiago nos abrió las puertas de su estudio y de su casa, nos mostró su obra reciente, nos habló de pintura, de espiritualidad, del tiempo. Buceamos entre sus fotografías antiguas, libretas de apuntes, bocetos, los primeros catálogos marcados por el paso de los años, mientras nos iba enseñando obras de distintas épocas con gran entusiasmo. Descubrimos no solo su trabajo, sino también su forma de entender la vida y el arte: sin estridencias, sin prisas, con una honestidad propia de quien no tiene nada que demostrar.

Como historiadora del arte y directora de esta galería, no me interesa ocupar el lugar de los críticos ni hacer una lectura definitiva sobre la obra de Santiago Serrano, sino compartir desde dónde lo hemos pensado y por qué lo consideramos necesario hoy. 

Esta exposición pretende ser una invitación. Nuestra intención es acercar la figura de Santiago Serrano a nuevos públicos y a nuevas generaciones de coleccionistas, que tal vez no hayan tenido aún la oportunidad de descubrir una obra que, sin alardes ni estrategias, ha influido de manera clara en la abstracción española de los siglos XX y XXI.
Contamos con el espacio que ofrece una galería como la nuestra —limitado, pero flexible—, y organizamos el recorrido cronológico, para que pueda percibirse no solo la evolución formal de su lenguaje, sino también la coherencia que lo atraviesa de principio a fin. Como él mismo me dijo hace poco: “la pintura es lo único en mi vida en lo que he sido coherente”. Esa frase, tan sencilla y tan reveladora, nos acompañó en todo el proceso.

Sabemos que su trayectoria merece una gran exposición retrospectiva en una institución pública que sitúe, con el alcance que corresponde, la relevancia de su aportación a la pintura española. Esta muestra, desde el contexto y la escala de una galería como la nuestra, quiere contribuir a ese reconocimiento y ofrecer una lectura cuidadosa y fiel de su recorrido artístico.

En este viaje hemos tenido el apoyo fundamental de mucha literatura sobre Santiago, especialmente la Tesis Doctoral de Óscar Muñoz Sánchez2, que ha sido una guía rigurosa para comprender aspectos menos visibles de su obra. Y, por supuesto, la generosidad de Santiago y Angy, que nos han acompañado en cada paso con afecto y sabiduría. Carlos Ayuso, con su trabajo incansable durante meses en el estudio de Santiago, ayudando en la organización de obras, el montaje y el enmarcado. Y, por supuesto, Rocío y Raúl, parte fundamental de la galería y de esta familia, que me han dejado llevar las riendas de esta exposición con total confianza, apoyándome en cada decisión y acompañándome con entusiasmo en cada paso del proceso.

Preparando esta muestra, he vuelto a un libro que me acompaña desde hace muchos años: La deshumanización del arte, de José Ortega y Gasset (1925). Un texto escrito hace justo un siglo, pero que no podría ser más actual y conecta con la propuesta que hacemos al visitante. En un periodo en el que lo inmediato parece tener siempre la última palabra, estas líneas nos invitan a recuperar la disposición sincera, la dedicación y el deseo de exploración como formas de encuentro con el arte:

“El arte ha solido ser siempre difícil y ha exigido sacrificios y esfuerzos y humildad a quien ha querido gozarlo. (…) No comprendo cómo el que va a una exposición se complace en hallar cuadros allí parecidos a los que innumerables veces ha visto ya y no exige más bien que las paredes le propongan costas intactas de continentes recién nacidos. ¿Puede el arte tener más alta misión en la vida que ésta de permitirnos una evasión virtual de lo cotidiano, de lo que ya somos y ya sabemos? Tal vez lo que vale más en el hombre es el instinto de exploración: ese afán de fuga que le lleva a escapar de sí mismo, esa oscura inquietud que le acomete de pájaro emigrante atraído por toda palpitación de horizontes. Alguien ha dicho que vivir es querer vivir más, apetito de ampliación, un descontento confuso y sin tristeza, diario descontento que es como un amor sin amado y como un dolor que sentimos en miembros que no tenemos. Procuremos excitar en las almas vecinas estos impulsos migratorios. Goethe decía que quien quiera entender al poeta debe trasladarse a la tierra del poeta. La recomendación es más aguda de lo que a primera vista parece y vale para todas las artes.”3

Creo que la obra de Santiago Serrano es precisamente eso: un continente silencioso que nos permite, aunque solo sea por un instante, salir de lo que ya conocemos. Y si algo deseamos con esta exposición es que quienes la visiten se dejen llevar por esa “oscura inquietud” de la que hablaba Ortega y Gasset, ese impulso de búsqueda que habita en el corazón mismo del arte.

Porque, como dice el propio Santiago, “La obra de arte siempre renace con la mirada. Vive en el presente. Y es el ojo del espectador —al detenerse, al contemplar— quien la completa y le da sentido.”

Mariana Rey

Septiembre 2025

1 John Berger, Modos de ver, Barcelona, Gustavo Gili, 1974, p. 15. (Ed. original: Ways of Seeing, BBC/Penguin Books, 1972)
2  Óscar Muñoz Sánchez, Santiago Serrano: Tras el velo de la imagen (pintura y obra sobre papel 1967-2013) tesis doctoral, UNED, 2014.
3 José Ortega y Gasset, La deshumanización del arte y otros ensayos de estética, Barcelona, Austral, 2015, pp. 232-234.

Una noche para recordar

El viernes 12 de septiembre vivimos en Marquesa Gallery una de esas noches que marcan la historia de nuestra galería. Inauguramos la exposición Ahuecar: 50 años de pintura, dedicada a Santiago Serrano, y lo hicimos acompañados de muchos amigos, coleccionistas, artistas y amantes del arte que quisieron compartir con nosotros este momento tan especial.

La sala se llenó de conversaciones en torno a la obra de Serrano, de reencuentros y de nuevas miradas que descubrieron por primera vez la fuerza de su pintura. Fue una inauguración cálida, cercana, con la presencia del propio artista, que pudo sentir de primera mano el interés y la admiración de todos los asistentes.

Celebrar cinco décadas de pintura

La exposición reúne una selección de obras que recorren las distintas etapas de Serrano, desde los años setenta hasta la actualidad. En el recorrido se aprecia la evolución de un lenguaje pictórico sólido, en constante diálogo, y siempre fiel a la investigación plástica y conceptual.

Para muchos de los que nos acompañaron, fue una oportunidad única de acercarse a un artista fundamental de la pintura española contemporánea, cuya obra mantiene toda su vigencia y capacidad de emocionar.

Un ambiente único en Marquesa Gallery

Quienes estuvieron en la inauguración disfrutaron de la exposición, pero también de la experiencia de compartir juntos este homenaje a medio siglo de creación. Las imágenes y el vídeo que acompañan este artículo recogen parte de esa atmósfera: el diálogo entre obras y visitantes, las palabras compartidas con el artista y la energía que se generó en la galería durante toda la tarde.

Visitar Ahuecar

La exposición puede visitarse en Marquesa Gallery (Calle Marquesa de Argüeso 38, Carabanchel, Madrid) de miércoles a viernes, de 11:00 a 19:00, y los sábados de 11:00 a 14:30. También atendemos visitas privadas con cita previa.

Os invitamos a revivir con nosotros la inauguración a través del vídeo y las fotografías, y sobre todo, a venir a la galería para experimentar en persona la fuerza de la pintura de Santiago Serrano en Ahuecar: 50 años de pintura.

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

Instagram LinkedIn

“No todos valen para la pintura; hay muchos que se engañan, y así se estrellan contra las dificultades del arte.”
Tiziano1
“Es ésta una arte que se llama pintura, que requiere fantasía y destreza de mano, hallar cosas no vistas, buscándolas bajo aspectos naturales, y sujetarlas, de modo que aquello que no es, sea”.
Cennino Cennini, Libro dell’Arte.2
“El hombre ha hecho que las estrellas hablen una lengua de imágenes que ellos no poseerán jamás”.
Santiago Serrano. Cuaderno de Apuntes

Un relato convincente de lo ocurrido en la abstracción a lo largo de los últimos cincuenta años tiene en Santiago Serrano (Villacañas, Toledo, 1942), un protagonista, valga la paradoja, tan profundo como evidente. Dicho de otro modo, no es verosímil ninguna historia de la pintura abstracta que no se ocupe con detenimiento de su larguísima trayectoria y, recorriéndola, no subraye una sucesión de etapas y momentos en los que sus obras han contribuido decisivamente a la formulación de las vías factibles para la práctica y desarrollo material de la pintura.

La lógica extensión de un texto prólogo a una exposición de galería no permite abordar semejante tarea, por otra parte ya cumplida, en muchas ocasiones certeramente en las etapas atendidas, e indiscutiblemente ayuna de la gran exposición retrospectiva que su importancia merece.

Me ceñiré, pues, a unas breves notas, parciales tanto cronológicamente como respecto a piezas concretas.

Desde las primeras obras que cabe calificar de dotadas de un sello propio, al inicio de la década de los setenta, supo independizarse y empezar a delinear un programa tan pulcro como austero, en el que conjugaba una extraordinaria  precisión formal y una dieta cromática que resultaron ideales para el establecimiento de una iconografía característica e inconfundible, en la que, al paso del tiempo, ha establecido un vademécum universal de referencias, mitologías y recursos poéticos procedentes de muy distintas culturas.

Valga un primer ejemplo, Amarillo, un óleo sobre lienzo de 1970-71, de dimensiones generosas, de un rutilante esplendor solar, tan potente de anatomía formal como rico en flujo de luz que, unos años después de realizado, describiría de este modo: “el cuadro no era una idea, sino una idea de trabajo”.3

Esa idea extendería su brazos a lo largo de la década, de manera tan rigorosa como frugal, en pinturas en las que predominan los colores oscuros – negros, grises, tierras varias–, y las formas casi inexistentes, en las que la superficie bien se compacta en un casi todo, interrumpido o sustentado en una franja más luminosa y clara, bien se parcela en fragmentos de límites difusos y algodonosos.

José María Moreno Galván, preclaro, analizaba así su trabajo: “Serrano lo pasa muy bien dividiendo y distribuyendo una superficie bidimensional en una serie de compartimentaciones modulares. Pero, en realidad en su fuero interno, él es uno de los hombres que está colaborando a crear una nueva conciencia del espacio plástico y aún del espacio habitable”.4

Seguramente, la pièce de résistance, de esa etapa sea Tríptico PROPAC, expuesto por primera vez en la galería madrileña del mismo nombre en una muestra junto a Carlos Alcolea (1949-1992) y Nacho Criado (1943-2010) en 1976, que fue definitoria, según Serrano “de lo que ocurrió en la década siguiente”, y que tendría su prolongación lógica en otra más numerosa, a la que contribuí personalmente, al año siguiente en la sala de la Caja de Ahorros del Mediterráneo, en Alicante. El tríptico, de grandes dimensiones, aparentemente de fondo monocromo, construye por medio de una pincelada reiterada y uniforme, una capa única, vibrante y, al tiempo, absorbente.

El propio artista se refería a él de un modo que resulta aplicable a otros cuadros suyos de esos momentos: “Aquí la pintura, el camuflaje, el maquillaje, se va depositando, almacenando, con economía, con orden, lenta y osmóticamente, hasta formar un estrato, un nivel, con una densidad determinada, que sumado consecutivamente a otro proceso pictórico, hará en definitiva formar una máscara. El cuadro se oculta a sí mismo, se mimetiza, se integra, se define, finge ser, aparenta. El color materia baña el cuadro, se deposita sobre él. El color no define nada, se define a sí mismo. Es materia. El color materia no evoca, no relata, especifica.”5

Al término de la década, el color se alegra en cartones de pequeño tamaño, secuenciados en franjas más o menos anchas o parcelaciones ahora bien delimitadas, en grises y también en violetas, azules y amarillos, que conjugan presencia y construcción de espacio.

Los años ochenta no le fueron especialmente fáciles, pero en su transcurso vinieron, lentamente, a fijarse nuevos propósitos de elevación espiritual. Fueron los años en que se forjaron definitivamente sus vínculos con la poesía y el ámbito de lo mítico. Disculpándome previamente por la reiteración, repetiré una vez más que para definir esa cualidad suya quizás le corresponda la Stimmung (sensación aún sin concretar) que Schiller describía en una carta a Goethe, el 18 de marzo de 1796: “El sentimiento carece en mí, al principio, de un objeto preciso y claro, el último no se forma hasta más tarde. Lo que experimento de arranque es un cierto estado de ánimo musical, al que sigue luego la idea poética”. Para Santiago Serrano lenguaje y forma están permanentemente y con fortaleza unidos y trabados.

En el último recodo de la década vivió, sin embargo, una luego extensa etapa en la que ambos elementos conocieron momentos especialmente felices y, desde el título mismo, sugerentes: Nonas, Breves, Encrucijada, Hueco y Memoria, Círculos de Ceniza, Rondó, Pan de cal, que bien sino antecedían, sí llevaban a otro modo de formulación de la idea de llevar la pintura a otros lugares, expandidos, fuera del cuadro. Su exploración de la estructura de los formatos para alcanzar el grado en que forma y símbolo sean visibles pero, a la vez, indistinguibles en su especificidad concreta, sigue informando una tendencia vigente en los artistas y, especialmente, en muchas artistas de la hora presente, cuyos resultados ofrecen frente a la de Serrano una conversación apasionante. Un juicio semejante puede emitirse cuando, digamos justo al contrario, sus pinturas se remiten a la diríamos mínima expresión plástica, asentada en una casi inapreciable riqueza de procedimientos materiales que la acercan, aunque no inevitablemente la enlazan, con otra tendencia contemporánea, el deslizamiento o escalada, cada cual puede verlo como juzgue, hacia el grado cero de la pintura.

Concluiré mencionando una serie, iniciada a finales de los noventa, las Orillas, en las que el marco del cuadro se presenta como un gran y voluminoso contenedor-ventana, dividido o por las mismas molduras que lo conforman o por barras planas pintadas en una superficie-territorio sobre el que parcialmente se extiende una curva y sensual comba de color pintado.

Tuve ocasión de presentarlas en su muestra en las Salas del Centro Cultural del Conde Duque, en 1999. “Imponen” –escribí entonces– su majestuosa y sólida presencia, acentuada por la anchura (alero de sombra) del marco, que es aquí componente vertebral de la imagen, y al que el pintor considera ‘la casa del cuadro”, para, desde la armónica partición de su superficie, desde la economía de sus medios (nada alejada de la habitual en el artista, pero que aquí se despliega hacia sus límites llevada por el vuelo del color), provocan emociones subjetivas, intensas y perdurables, privilegio del arte grande”.

Mariano Navarro
Agosto 2025

1 Carlo Ridolfi, “Vida de Tiziano”, citada en Robert Goldwater y Marco Treves, eds,
Artists on Art, John Murray, 1990. Tomado, por mi parte, de Dore Ashton, “Tiziano, un
hombre para la pintura”, El desnudo en el Museo del Prado, Galaxia Gutenberg. Círculo
de Lectores, Barcelona, 1998.
2 Cennino Cennini, Libro dell’Arte, editorial Akal, Madrid, 1988.
3 Juan Antonio Aguirre, cat. Santiago Serrano, Ministerio de Cultura, 1981.
4 José María Moreno Galván, ctálogo Santiago Serrano, Galería Grosvenor, Madrid,
1973.
5 Citado por Juan Antonio Aguirre, op. cit.4

Dirección: Calle Marquesa de Argüeso, 38 – 28019 Carabanchel (Madrid)
Duración: Viernes, 12 de septiembre de 2025 a sábado, 15 de noviembre de 2025 – Horario: miércoles-viernes 11:00 – 19:00h sábados: 11:00 – 14:30h
Artista: Santiago Serrano
Título de la Exposición: Ahuecar: 50 años de pintura
Comisario: Mariana Rey

Santiago Serrano (Villacañas, 1942) ha dedicado más de cinco décadas a construir una de las trayectorias más coherentes de la pintura española. Su obra se mueve entre la memoria y la abstracción, explorando la materia, el gesto y el tiempo como territorios plásticos donde la pintura se convierte en experiencia.

En esta exposición en Marquesa Gallery, presentamos una selección de piezas que recorren distintas etapas de su trabajo. El visitante encontrará un diálogo entre obras históricas y creaciones recientes, que revelan la fuerza de un lenguaje en continua evolución y la fidelidad a una mirada profundamente personal.

La muestra invita a descubrir la intensidad de un artista que ha sabido situarse en un lugar singular dentro de la abstracción contemporánea, ofreciendo una oportunidad única para acercarse a un universo pictórico marcado por la investigación, la coherencia y la poesía visual.

Hay estudios de artistas que son como cápsulas del tiempo: espacios donde se respira la historia, el pensamiento y la emoción contenidos en décadas de trabajo. Así es el estudio de Santiago Serrano. Hace unos días, el equipo de Marquesa Gallery tuvo el privilegio de visitarlo para seguir preparando la gran exposición que inauguraremos en septiembre. Lo que encontramos fue mucho más que pinturas y bocetos: fue un universo entero, cargado de silencios, luces y gestos que hablan de la búsqueda constante de un artista por lo esencial.

Santiago Serrano (Villacañas, Toledo, 1942) es una de las figuras clave de la pintura contemporánea española. Con más de cinco décadas de trayectoria, su obra ha evolucionado desde los campos de color y las geometrías flotantes de los años 70 hasta las sutiles composiciones digitales de las últimas décadas. En cada etapa, su lenguaje se ha refinado para invitarnos a un lugar de contemplación y memoria.

Un recorrido por su universo creativo

Entrar en el estudio de Serrano es asistir a un diálogo entre pasado y presente. Sobre las mesas, pequeños cuadernos con dibujos y notas; en las paredes, obras en gran formato con capas de color suspendidas, casi respirando. En un rincón, estructuras tridimensionales de la serie Instrumentos de Pasión esperan ser revisitadas. Todo está impregnado de la serenidad y la disciplina de quien lleva toda una vida en el oficio.

En nuestras conversaciones, Santiago comparte reflexiones sobre su proceso creativo, sobre cómo la pintura puede ser a la vez material y espiritual. Nos habla de su primera exposición en la Galería Amadís (Madrid, 1971), un hito que marcó su ruptura con la figuración, y de cómo su obra fue adquiriendo un tono más introspectivo en los años 80.

“Lo que busco no es representar, sino sugerir. Que el espectador se acerque y, en silencio, complete la obra con su propia experiencia”, nos dice mientras señala un lienzo donde el negro y el ocre parecen fundirse en un espacio sin límites.

Pinceladas de una trayectoria

La exposición que estamos preparando será un recorrido por su universo desde los años 70 hasta hoy. Obras que forman parte de colecciones tan importantes como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fundación Juan March o el Museo de Bellas Artes de Bilbao dialogarán con piezas recientes, muchas de ellas inéditas.

En los años 90, Serrano se convirtió en pionero en España al incorporar la gráfica digital a su práctica artística, un gesto que le valió el Premio Nacional de Grabado (1996) y abrió nuevas posibilidades de exploración. En las últimas décadas, su pintura se ha despojado aún más, acercándose a un lenguaje esencial donde la luz y el espacio son los verdaderos protagonistas.

Lo que vendrá en septiembre

Queremos que la exposición en Marquesa Gallery sea mucho más que una muestra de obras. Será una experiencia inmersiva que permita descubrir las capas de sentido en la obra de Serrano. Además de la selección de pinturas y dibujos, estamos organizando encuentros y charlas en la galería para conocer de cerca al artista y su proceso.

Para los nuevos coleccionistas, será una oportunidad única de acercarse a un creador con una trayectoria sólida y un lenguaje poético inconfundible. Para los amantes del arte contemporáneo, un reencuentro con uno de los grandes renovadores de la abstracción española.

Antes de empezar a escribir este comentario en torno a la obra de Santiago Serrano (Villacañas, Toledo, 1942), hice la misma comprobación que suelo realizar cuando se trata de artistas españoles de larga y fecunda trayectoria, y más o menos de la misma generación: comprobar qué obras posee de ellos el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

En este caso concreto me alegró saber que el museo dispone de cinco magníficas pinturas fechadas entre 1976 y1996. Trabajos estos que me han permitido confirmar la rara y muy interesante fidelidad discursiva que Santiago Serrano ha mantenido siempre en su trabajo, incluso cuando al pertenecer a distintos periodos temporales la obra, en equivocada apariencia, pareciera reflejar trabajos formalmente diferentes, y así es ciertamente, pero esa “diferencia” no implica una alteración de las constantes vitales/creativas que en su obra están fuertemente asentadas desde la década de los setenta.

De hecho, las pinturas pertenecientes a la colección del Reina Sofía parecen brillantes prólogos, u “oberturas”, de trabajos posteriores, en los cuales comprobamos la sofisticada estructura deductiva tan “marca de la casa”, y tan sugerente en la recepción ocular de una compleja “combinatoria”, más que simplemente “organización”, donde las pinturas establecen una afirmativa seducción con estrategias persuasivas, o de “encantamiento” visual, pertenecientes a la cualidad expansiva de su misma presencia;

y a su vez aquello que parece “escultura” (no lo es y el artista no las considera tales) corresponde a la bidimensionalidad del plano pictórico por otros medios y recursos, pero sin abandonar nunca la tensión que en el trabajo de Santiago Serrano se produce siempre entre la pintura y su expansión o desarrollo espacial.

Y naturalmente, así sucede en la magnífica exposición actual que con el título de “Geometrías del silencio” ha sido comisariada por Mariano Navarro, autor también de la excelente revisión del trabajo del artista en el catálogo de la exposición.

Exposición de Santiago Serrano en Marquesa Gallery

Precisamente por el texto del catálogo sabemos de la querencia de Santiago Serrano por la lírica del poeta austriaco Georg Trakl, autor de una obra, en sus escasos veintisiete años de vida, muy importante en la literatura en lengua alemana del siglo XX.

Desde luego no es un dato que carezca de importancia, pues la poesía (como inspiradora y referente) también es hacedora del discurso creativo de nuestro artista.

Diría más: la rotunda geometrización de estas telas, que es al mismo tiempo muy suave y delicada, adquiere su máxima potencia expresiva en gran medida gracias a una refinada “poetización” de los planos y estructuras que conforman las obras; siendo lo geométrico ayudado, muy importante, por la sabia utilización de unos colores que parecen provenir de ancestrales pinturas de toscanos tiempos iniciáticos: arcillosos ocres, azules no marinos pero sí fluviales o pantanosos, rojos silenciosos y profundos, los despiadados y fulgurantes amarillos, inquietantes grises de tormenta, los rosas tímidos y temblorosos o los blancos sucios de indiferente y acomodaticia presencia.

En realidad, podríamos perfectamente “interpretar” estas obras como paisajes que surgen del fondo orgánico de la naturaleza representada en su más pura abstracción, lo cual me hace recordar la bella expresión de Ramón Gaya sobre el no-color en la pintura de Velázquez: las limpias y excitadas cenizas que llegan a la tela a través del aire y allí serenamente se posan. Si asumimos que estas estructuras pictóricas son paisajes, o podrían serlo, es porque, de hecho, son naturalezas, pero naturalezas transfiguradas.

Exposición de Santiago Serrano en Marquesa Gallery

“Diferencia y repetición” es el título de un importante ensayo de Gilles Deleuze, del cual vamos a servirnos de una frase/idea para seguir analizando la obra de Santiago Serrano. Al principio del ensayo leemos: “Hago, rehago y deshago mis conceptos a partir de un horizonte móvil, de un centro siempre descentrado, de una periferia siempre desplazada que los repite y diferencia”.

La frase es tan hermosa como diáfana, y en verdad parece que está hablando de nuestro artista y de la laboriosa organización de montaje (en su sentido cinematográfico) que realiza en todas y cada una de las obras -sean pinturas, sean delicadas estructuras en papel- en las cuales no existe un “centro” fijo, sí movible y descentrado, que es lo que permite que las estructuras que contemplamos puedan ser, en efecto, geometrías del silencio, pero también una territorialización abierta de lo que bien podemos calificar como “geometría de las pasiones”.

Es decir, una poética de las formas que sin descanso el artista las hace, rehace y deshace, a partir de un horizonte que es siempre el espejismo de una inacabable repetición en la diferencia. Son planos, por supuesto, lo que observamos, pero aún más imágenes. O lo que es lo mismo: estructuras de conocimiento abstracto que aspiran algo más que a la pasiva recepción de su misma presencia y belleza.

La primera acepción de la palabra “estructura” (que es siempre el dibujo de una arquitectura mayor) por el diccionario de la RAE es “La distribución de las partes del cuerpo o de otra cosa”. Finalmente llegamos a donde queríamos arribar. Estas silenciosas arquitecturas pictóricas son también partes de un cuerpo: una opción vital exigida por una estructura de pensamiento que trabaja y recuerda.

Una exposición sin duda muy inteligente y bella.

Luis Francisco Pérez Redondo

Noviembre 2024

“La experiencia de lo bello y, en particular, de lo bello en el arte,

 es la evocación de un orden íntegro posible,

 donde quiera que éste se encuentre”.

Si algo define la obra de Santiago Serrano es, seguramente, la extraordinaria tenacidad con la que ha desplegado en el tiempo las fórmulas para mantener vigente un modo de la pintura sustentado en lo más austero de la presencia de lo pictórico, enlazándolo, paradójicamente, con una sensualidad, tan creciente como nada voluptuosa, del color y los materiales, y una riqueza narrativa en lo humano que lo afirman como una figura fundamental del arte español del siglo concluido y del actual.

En modo alguno es posible resumir una trayectoria cercana a las seis décadas en la introducción a una exposición individual, pero sí cabe enunciar los dos argumentos seminales y decisivos de ésta, nacidos y derivados, como es lógico, de su propia práctica y experiencia. 

En primer término, una evolución continuada del despliegue de las formas plásticas, tanto interiores como objetuales. Desde el formato tradicional del cuadro a las más sofisticadas presentaciones de la pintura sobre soportes que enunciaban varias de las posibles figuras geométricas y su construcción en el espacio; junto a la composición de un vocabulario y una sintaxis para su expresión plástica, tan profundamente ligada a la historia como amplia en la extensión de sus fronteras culturales.

Segundo, su profunda y permanente conversación con el mundo de los símbolos, los mitos y en general con lo narratorio que nos constituye en personas y a lo que quizás, habiendo seguido su obra de primera mano desde principios de los años setenta, no he prestado tanta atención como privilegiado sus aspectos pictóricos materiales.

Mantiene, pues, un diálogo con lo más hondo de lo existencial que tiene una primera coagulación verbal en sus títulos. Las más de las veces de una expresión no por objetual menos poética –Ahuecar, Hueco y memoria, Pan de cal, Abanderado, Orilla–, también el de las obras de esta exposición, Silenciarios y quimeras, Almas-quimeras, Adorquimera. 

“Los títulos son importantes tanto en cuanto tienen el sentido que deben tener. Un título puede definir una obra, pero no ocuparla”, afirma Santiago Serrano, en una de las entrevistas últimas que hemos tenido.

Y aquí resulta del todo pertinente una apreciación de Óscar Muñoz, autor de una imprescindible tesis doctoral sobre el artista: “La pintura [entendida] como un dispositivo estético, portador de belleza y disfrute sensorial que, desde el vínculo conceptual que el autor establece entre título e imagen, apela al intelecto del espectador suscitándole interrogantes sobre aspectos esenciales del mundo y de nuestra existencia –el tiempo, el espacio, el vacío, la soledad, la muerte, el silencio, la comunicación–.”

Así, y haciendo referencia solo a obras precedentes, Serrano explica: “Los Instrumentos de pasión eran las bases en líneas de unas formas, el triángulo, el rectángulo, el círculo, la curva y la recta. Hoz y guadaña. Eran formas que para mí constituían unos instrumentos amados, apasionados, con los que te juegas el tiempo, te juegas la vida”.

Instrumentos de pasión I, 1997
Técnica mixta sobre estructura de madera, 250 x 40 cm.
Colección del artista

Las otras son las Nonas, paradigma de la vinculación que la obra de Santiago Serrano forja con una espiritualidad hija de la materialidad física de la pintura. Algo que viene de siempre en su trabajo.

“En las Nonas he ejercido la pintura sobre la forma. He pintado la forma. La forma está creada, yo lo único que he hecho es jugar, en su sentido más amplio y antropológico del juego. Los animales aprenden jugando, como los niños, o como los animales. Podemos llamarlo juego, o sinergias, sinergias del azar inducidas”.

De aquellos años son también Breves, cuatro X de diferentes tamaños, también pintadas, que se apoyan contra la pared en montajes que bien pueden ser aleatorios.

Y me es imposible no repetir una cita leída esta misma mañana: “El filósofo francés Alain Badiou dice que los artistas son los encargados de darle forma a lo que no tiene forma”.

Breves II, 1990
Óleo y vinílico sobre lienzo, 225 x 400 cm. (4 piezas)
Colección del artista

Los títulos y su traducción física pictórica revelan otro aspecto sustancial a su entender los modos de hacer, una estrechísima y honda relación con lo poético y la poesía –avalada por la riqueza formal de las palabras, sus significados y etimologías–, que ha tenido reflejo en muchas de sus creaciones.

Nos centraremos en una en concreto, por la relación genealógica con la obra que ahora presentamos: “El Rondó de Trackl, una pintura de 1990, está pintado de una manera muy alegre, con unos amarillos, ocres, sienas y azules. El rondó es una arandela grower, es decir, un círculo que se sobrepasa a sí mismo, que monta sobre sí, donde acaba montado por encima de sí mismo. A la vez un rondó es un baile en círculo, es alegre, primaveral, y se baila en el campo. Lo extraño del poema de Trackl  es que mencione colores, amarillos, sienas (pardos), azules… y siempre son colores glaucos, tenebrosos, lechosos, blanquecinos, nebulosos, violáceos, son colores casi repulsivos.

Rescaté de los poemas de Trackl toda la parte positiva que yo veía, y lo transformé en una forma que se superaba a sí misma; el arete se superaba a sí mismo; eso, como siempre, pintando sobre la forma. Ahora estoy haciendo eso mismo. Pinto triángulos que se superan a sí mismos”. 

Rondó de Trakl, 1992
Vinilo y óleo sobre lienzo pegado a madera, 202,5 x 200,5 x 4 cm
Colección Banco de España

Describe algunas de sus pinturas actuales –un ciclo que inició en los ahora aparentemente remotos días de la pandemia de 2020, como “una entrañable mirada interna hacia esa ilusión que quería dar a los demás”–, como “mariposas”, porque sus formas y despliegue le fueron sugeridos desde una doble fuente. La primera una canción del músico y cantante uruguayo Jorge Drexler titulada Quimera, cuya primera estrofa dice: “Te salgo a buscar, quimera / Mariposa de papel / Te pienso seguir buscando/ La vida entera”; y muy poco más adelante las frases, “Dejando en la hoja en blanco / Cicatrices que el tiempo imprime”.

La segunda, quizás más determinante, una secuencia analógica que define su forma de imaginar: “Psiqué en griego significa alma” –me dice–, “el conocimiento del alma, y alma, en griego, es también mariposa y, a la vez, gusano, es decir, pupa, metamorfosis; una inmensa ampliación del abanico de los significados. Quimera es una forma poética de nombrar una ilusión, algo que aunque se vaya a llevar a cabo difícilmente, contiene de todos modos una realidad propia, y es justamente el contenido que el tiempo le da mientras lo realizas”.   

Obras las de esta exposición para cuyo origen remoto ofrece una explicación que se aproxima al cuento (en su más alta acepción prosística).

Hace no sabe exactamente cuándo, pero seguro que hace más de cinco años, se percató de un singular detalle en las pinturas murales de la tumba del faraón Merenthap, primogénito de Ramses II. En uno de los muros principales, uno de los pintores de la tumba había inscrito la imagen de dos triángulos unidos por uno de sus vértices. Se convirtieron a sus ojos en la imagen de una veleta que gira horizontal y verticalmente, y que bautizó como “Fundamentos”. Una figura principal con la que desarrolló ediciones digitales y algunas pinturas.

“Si a un hombre lo entierran rodeado de todos sus enseres y haberes, objetos y riquezas, de todo aquello que quería poseer y estar relacionado en vida, e inscriben ese símbolo, para mí” –afirma– “esos dos triángulos significan que el de arriba es equivalente al de abajo, pero el uno es el presente y el otro es el pasado, o uno el presente y el otro el futuro. En cualquier caso, al faraón lo enterraban para que viviera eternamente. Ese pasado convertido en futuro es lo que deseaba cualquiera de los faraones”.

Inesperadamente irrumpe la eruptiva noción de que es la obra de arte, aquí ese movimiento giróvago entre futuro y pasado de dos triángulos unidos por su vértice rectángulo, la que concede, muy por encima, y con mayores fundamentos que la voluntad del faraón, la cualidad de lo eterno. Valga para nosotros conformarnos solo con lo perdurable de la obra ante los ojos de varias generaciones. 

 “No me gusta la palabra religión aplicada a la obra” –afirma–, “quizás un término más exacto para mí sería mística. Un individuo solitario en el desierto, sin otras reglas y normativas que las suyas propias y sus visiones”. Parafraseando un aserto histórico Serrano, de ser, es místico en la medida que es estético, y es estético por su misteriosa raíz mística.

En cierto sentido, recupera el símbolo histórico y antropológico, al tiempo que lo traslada pictóricamente a una significancia que pertenece casi exclusivamente a su modo de entender el ser, el proceso y el hacer del arte.

Dicho de otro modo, las Nonas que Santiago Serrano pintó en los años noventa –tan próximas, a mis ojos, a su actual propuesta– están tan presentes hoy en lo que la pintura significa, como lo estuvieron en su presentación pública. Son contenedores de tiempo, que hospedan el pasado y se proyectan al futuro. Las obras viven un presente continuo, quienes cambiamos somos nosotros.

Lo que resulta fascinante a mi entender de su entendimiento del hecho artístico es esa incisiva concurrencia de juego físico y material de las formas extraída, sin solución de continuidad de las energías de la Gestalt y de la fuerza narrativa de los símbolos y los mitos.

A estos últimos hemos dedicado hasta ahora lo fundamental del texto, pero nada de lo dicho resulta visible sin su concreción física, material, con su color y su forma en las obras pintadas por el artista.

Obras en las que no por voluntad artesana, sino por la permanente búsqueda de la mayor precisión posible para hacer perceptible su presencia, Serrano se ocupa él mismo del complejo proceso de construcción del soporte, que incluye tanto la carpintería como el corte del metal, y su posterior entelado.

Son pinturas extrañas por completo a la tradición del rectángulo, el cuadrado, el rombo o el tondo, que establecen líneas de fuerza, tensión y desarrollo del color hasta configurar los límites de la forma y expandirla, concediéndole así una paráfrasis subversiva del aserto de Julio González de que la escultura de Picasso dibujaba en el espacio. Santiago Serrano engulle el espacio en el hecho mismo del dibujo.

Pero esa sofisticada formulación de la figura no sería nada sin el hecho definitivo de ser pintada y, por tanto, hecha del color y sus combinaciones. Y aquí la paleta del pintor, ya lo enunciábamos al inicio del texto, exhibía “una sensualidad, tan creciente como nada voluptuosa del color”. Sensual porque explora hasta las profundidades de la sensibilidad su capacidad para conmover nuestros sentidos con una extraña potencia sinestésica y una empatía ligada a la voluntad de comunicación y contacto próximo del artista. Y nada voluptuosa, porque no es ni complaciente consigo misma ni dada a deslizamientos que resulten independientes a, en el fondo, su austera voluntad.

No son colores que el pintor busque y repita en los que le ofrece la naturaleza. En su mayoría responden a un contraste con un color si no dominante sí casi siempre presente, el negro. “Es el que me proporciona profundidad, potencia, misterio, precisamente por el contraste con otros colores, diversos rojos, azules, rosas… Y lo que me gusta, algo que ya usaban los egipcios es el esfumato, ese difuminado en el paso de un color a otro que consigue que esa frágil frontera vibre; también cuando se juntan dos colores me gusta difuminarlos porque se crea una atmósfera muy sensual, como si un color acariciara al otro suavemente”.

Un último elemento que juega un papel también determinante en el hacer de Santiago Serrano es la abierta admisión de la potencialidad del azar, y de la imprescindible atención del artista a los pequeños detalles. El día 1 de agosto pasado, inmersos uno y otro en los distintos trabajos para esta exposición, Santiago me envió la fotografía de una piedra que había encontrado en su paseo por el campo de Caracenilla: un triángulo rectángulo pétreo, de apariencia elaborada, a la que se había adherido una mariposa de su misma gama de color, un Silenciario y, a la vez, una Quimera.

Mariano Navarro

Septiembre 2024

1 Gadamer, Hans-George, La actualidad de lo bello, Ediciones Paidós, Barcelona, 1991, pag. 85.
2  Mantenidas entre el 1 de septiembre y finales de ese mes de 2024.
3  Muñoz Sánchez, Óscar, Santiago Serrano, tras el velo de la imagen. Pintura y obra sobre papel, 1967-2013, Universidad Nacional de Educación a Distancia, Facultad de Geografía e Historia, Madrid, 2014, pag. 220.
4 Abril, Guillermo, “Sergio Cabrea, cineasta y embajador de Colombia en Pekín: ‘China descubrió hace tiempo que ni Marx ni Lenin son suficientes’”, “El País Semanal”, 23 de septiembre 2024.
5 Poemas (1913)  RONDÓN
Transcurrido es el oro de los días,
Los colores pardos y azules de la noche:
Del pastor se han muerto dulces flautas
Los colores azules y pardos de la noche
Transcurrido es el oro de los días.
6 González, Julio,“Picasso sculpteur et les cathédrals” (Picasso escultor y las catedrales), Cahiers d’Art de 1936

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

Instagram LinkedIn

Carabanchel acoge un nuevo espacio que se estrena con la muestra de un referente del arte español en los 70, comisariada por Mariano Navarro.

Geometrías del Silencio

Geometrías del Silencio del artista Santiago Serrano será la propuesta encargada de abrir las puertas de Marquesa Gallery, la nueva galería dedicada al arte contemporáneo que se instalará en el barrio madrileño de Carabanchel.

Fundada por un equipo de larga trayectoria, liderado por Mariana Rey, Raúl Alonso y Rocío Martínez, Marquesa Gallery reúne la experiencia y la pasión de sus fundadores que definen su proyecto como un compromiso “con el arte que inspira y transforma” y con el deseo de “plantear perspectivas estimulantes visualmente e intelectualmente”.

Para su estreno, que tendrá lugar el próximo 18 de octubre, Marquesa Gallery cuenta con la obra de uno de los referentes del arte conceptual español de los años 70, Santiago Serrano, comisariado por otro reconocido crítico y comisario como es Mariano Navarro.

Universo propio

La muestra recoge el nuevo trabajo del artista cuya obra forma parte de grandes colecciones e instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Contemporáneo Barcelona, el Marugame Hirai Museum de Kagawa en Japón, la Colección Pilar Citoler, la Colección Helga de Alvear o la Colección Marcelino Botín, entre otros.

En palabras de Mariano Navarro, la obra de Serrano “ha investigado tanto los elementos constituyentes de su disciplina como ha constituido un universo propio de referentes, mitologías y recursos poéticos, además de crear una impresionante gama de texturas y formas”. Añade el comisario de la muestra que la práctica de Serrano “ha estado ligada a una vertiente abstracta y conceptual, siguiendo una línea afín a la de artistas como Marc Rothko, Piet Mondrian, Kazimir Malévich o Barnett Newman”.

Con más de 70 exposiciones internacionales a sus espaldas, Santiago Serrano “mantiene intactos aquellos principios éticos y estéticos que marcaron un antes y un después en el devenir del arte español, desde la singularidad expresiva, el inconformismo y el compromiso experimental”, explican los fundadores de Marquesa Gallery.

Marquesa de Argüeso

Esta nueva galería dedicada al arte estará ubicado en la calle Marquesa de Argüeso 38 y se suma a la efervescencia artística que vive el barrio madrileño de Carabanchel.

Marquesa Gallery contará con más de 200 m2 destinados, en su mayoría, al programa de exposiciones temporales, y un espacio independiente dedicado al showroom, donde se muestran algunos de los artistas representados por la galería.

Tras la inauguración, la galería se podrá visitar de miércoles a viernes de 11 a 19 horas y los sábados hasta las 14.30. Fuera de los horarios habituales, sus fundadores nos cuentan que siempre se puede visitar bajo cita previa.