Entrevista a María Brzozowska: Surrealismo Contemporáneo en Marquesa Gallery

Con motivo de su exposición Magic in Bloom en Marquesa Gallery, conversamos con la artista polaca María Brzozowska sobre el concepto que atraviesa su obra, el proceso que hay detrás de cada pieza y su particular manera de explorar la transformación, la feminidad y el poder del mundo onírico.

Sobre la exposición y su concepto

«Magic in Bloom» es un título evocador. ¿Qué significa para ti y cómo se refleja en las obras que presentas?

El título Magic in Bloom captura la esencia de la transformación. “Magia” alude a esas fuerzas invisibles del cambio, a esos movimientos silenciosos que nos moldean, mientras que “florecer” es una metáfora del surgimiento, del crecimiento y del autodescubrimiento.

Desde hace tiempo me atrae el simbolismo del jardín, no solo como un espacio físico, sino como un lugar de memoria, evolución y posibilidad. En esta exposición, cada pieza encarna una etapa del florecimiento interior, como si atravesáramos distintos portales dentro de un paisaje surrealista. Inspiradas en el folclore, la literatura y la naturaleza onírica de la transformación, las obras exploran la magia presente en el crecimiento —ya sea en la naturaleza, en uno mismo o en esos espacios liminales entre ambos.

Tus pinturas tienen una atmósfera mágica y onírica. ¿Cómo creas esa sensación de ensoñación en tu trabajo?

El paisaje cambiante de mis obras encarna la idea surrealista de que la transformación es un proceso continuo y fluido. Los surrealistas creían que al explorar lo irracional y lo onírico, podíamos acceder a una realidad más profunda y mágica, una realidad siempre en movimiento y nunca fija. Desde esta perspectiva, lo mágico y lo cotidiano no son reinos separados, sino dos caras de una misma moneda, unidas por el poder de la imaginación. Uno alimenta al otro, reflejando una necesidad humana fundamental de ambos.

Para crear esta sensación de ensoñación, disuelvo los límites entre realidad y sueño, mezclando lo místico con lo tangible. Elementos familiares como figuras, arquitectura o fragmentos de naturaleza se sitúan en entornos extraños y desconocidos, evocando una sensación de “familiaridad extraña”. Esta disonancia refleja la experiencia del sueño, donde lo conocido y lo desconocido se fusionan en armonía fluida. A través del color, la composición y los motivos simbólicos, distorsiono la lógica y la percepción, invitando al espectador a un mundo imaginario, uno que solíamos visitar en la infancia. Cuando lo revisitamos como adultos, conlleva una sensación de nostalgia y seguridad, como volver a un sueño que una vez conocimos.

Floral Alchemist, 80 x 100 cm. Acrílico sobre lienzo, 2025

¿Hay algún tema o mensaje que quisieras destacar especialmente en esta exposición?

En Magic in Bloom quería resaltar el tema de la transformación, utilizando el jardín surrealista como metáfora del crecimiento, la renovación y el autodescubrimiento. El jardín, como espacio donde se disuelven los límites entre realidad e imaginación, refleja la naturaleza cíclica de la vida y el proceso constante de convertirse en otra cosa. Cada pieza explora cómo dejamos atrás versiones antiguas de nosotros mismos para dar paso a otras nuevas, del mismo modo que la naturaleza florece y cambia con las estaciones.

En el centro de esta exposición está la experiencia femenina: la resiliencia, la intuición y esas fuerzas silenciosas y muchas veces invisibles que nos moldean. Florecer, en este contexto, se convierte en símbolo de la fuerza y la magia que habitan en el viaje femenino de transformación.

También quise evocar la sensación de los espacios liminales, esos lugares intermedios donde realidad y sueño se entrelazan. Estas obras habitan un espacio en el que lo conocido y lo desconocido coexisten. Esta “familiaridad extraña” genera una atmósfera onírica que permite a los espectadores reconectar con sus mundos interiores, ofreciendo un momento de introspección, asombro y renacimiento personal.

¿Cómo influye la naturaleza en tu obra y qué papel juega en esta serie?

La naturaleza tiene un papel fundamental en mi trabajo. Es un lugar donde encuentro paz, inspiración y una profunda conexión con mi proceso creativo. A menudo recurro a ella por sus colores, texturas y ritmos, que nutren y dan forma al lenguaje visual de mis pinturas. En Magic in Bloom, mi inspiración principal surgió al observar los primeros signos de la primavera tras el invierno: ese surgir sutil y silencioso de la vida después de un período de quietud.

El ciclo natural, con su crecimiento, desprendimiento y renovación constantes, refleja los temas de transformación y renacimiento que son el núcleo de esta exposición. Quise capturar la magia y fragilidad de esos momentos en los que la naturaleza despierta de forma inesperada y casi onírica, invitando al espectador a reflexionar sobre sus propios ciclos de crecimiento y autodescubrimiento.

Kingdom of leaves, 40 x 60 cm. Acrílico sobre lienzo, 2025

Sobre el proceso creativo

¿Cómo comienza una nueva obra para ti? ¿Sueles seguir un proceso definido o dejas espacio a la improvisación?

Mi proceso comienza con la creación de un fondo puramente abstracto. Selecciono una paleta de dos o tres colores principales y sus variaciones, lo que establece el tono de la obra. Esta etapa es muy intuitiva y lúdica: abrazo la espontaneidad e incluso los errores, permitiendo que surjan texturas y formas inesperadas.

A partir de ahí, empiezo a esbozar la imagen y la narrativa que se desarrollará sobre el lienzo. Los trazos y texturas del fondo me guían, moldeando las escenas oníricas que van apareciendo. Aunque parto de una visión inicial, las ideas suelen evolucionar de manera orgánica a lo largo del proceso, dando lugar a nuevos elementos y capas no planeadas. Este equilibrio entre estructura e improvisación mantiene mi trabajo fluido, permitiendo el descubrimiento y la transformación en cada pieza.

¿Qué técnicas y materiales utilizaste en esta exposición? ¿Hubo algo diferente respecto a tus trabajos anteriores?

En esta exposición trabajé con pintura acrílica y óleo. Fue la primera vez que incorporé óleo a mi proceso, lo que me permitió experimentar con texturas más ricas y una sensación distinta de profundidad. También exploré formatos más grandes, incluidos lienzos de 100 × 140 cm, y realicé por primera vez un díptico (140 × 200 cm).

Trabajar con dípticos fue un cambio emocionante: expandir una historia a través de varios lienzos genera una sensación de continuidad y expansión, como en las estructuras narrativas de las obras de El Bosco. Esta aproximación me permitió explorar la interconexión de mis imágenes de una manera nueva, invitando al espectador a sumergirse en composiciones que funcionan como mundos en evolución, más que como momentos aislados.

Primordium awakening, 140 x 200 cm. Técnica mixta sobre lienzo, 2025

¿Hay artistas o movimientos artísticos que hayan influido especialmente en esta serie?

El jardín surrealista de Magic in Bloom está profundamente influido por mujeres artistas surrealistas que transformaron el mundo natural en territorios de misterio y exploración interior. Los paisajes místicos y bosques encantados de Remedios Varo inspiran la idea del viaje por espacios cambiantes y transformadores. Las escenas oníricas de Leonora Carrington, pobladas de criaturas míticas y mujeres etéreas, exploran la feminidad, la identidad y el subconsciente de forma mágica e íntima.

Las representaciones fantásticas de mujeres en la obra de Dorothea Tanning despiertan curiosidad y deseo de autodescubrimiento, mientras que las figuras femeninas enigmáticas de Leonor Fini encarnan fuerza y misterio, conectando con la idea del florecer como una metamorfosis tanto externa como interna. Además, la narrativa intrincada de El Bosco ha influido en mi manera de componer. Su habilidad para entrelazar múltiples relatos en una sola pintura me inspiró a crear mundos interconectados, donde escenas distintas se desarrollan simultáneamente, invitando a una experiencia no lineal e inmersiva.

Sobre simbolismo e interpretación

Tu obra tiene un fuerte componente narrativo. ¿Te interesa contar historias específicas o prefieres dejar espacio para la interpretación del espectador?

Prefiero crear pequeñas narrativas interconectadas dentro de cada imagen, permitiendo que emerjan múltiples capas de significado. Como en las obras de El Bosco, que invitan al espectador a descubrir historias ocultas, yo construyo mundos oníricos donde distintos momentos coexisten, fomentando una experiencia inmersiva y no lineal.

Mi trabajo se inspira en el realismo mágico, donde elementos familiares se sitúan en contextos inesperados, desdibujando la línea entre lo real y lo imaginado. En lugar de contar una historia cerrada, creo espacios abiertos que invitan a la interpretación personal. Cada obra se despliega como un poema visual, donde el sentido no está fijado, sino que se revela a través de la contemplación, permitiendo que el espectador conecte sus experiencias y emociones con los temas.

The Sisterhood of the Magic Forest, Detalle

Tu uso del color es muy distintivo. ¿Cómo eliges tu paleta y qué significado tiene en esta exposición?

Dedico mucho tiempo a observar y analizar pinturas que me inspiran, estudiando las relaciones cromáticas y cómo interactúan en la composición. Desarrollo mis propias paletas a través de la experimentación, superposición y mezcla, para generar profundidad y atmósfera. Aunque mis elecciones son intencionadas, también hay mucho de descubrimiento. Dejo que los colores guíen el proceso y que surjan armonías inesperadas.

Mi enfoque está basado en la teoría del color, utilizando contrastes y relaciones para enfatizar o fundir elementos según la necesidad. Algunos tonos generan tensión, mientras que otros disuelven las formas en su entorno, reforzando la cualidad onírica del conjunto. El color se convierte en algo más que una decisión estética: define el ambiente, las emociones de la pieza y las conexiones entre sus diferentes narrativas.

En esta colección, quise que el color transmitiera la esencia de la primavera. Tras la paleta apagada del invierno, los primeros brotes de color vibrante aportan una poderosa sensación de esperanza y renovación. Intenté reflejar esta energía mediante tonos verdes, azules y rosas, evocando tanto la frescura de la naturaleza como la sensación de despertar.

La feminidad es un tema recurrente en tu obra. ¿Cómo lo exploras en Magic in Bloom?

La feminidad es un eje central en Magic in Bloom, y la exploro desde la transformación tanto personal como colectiva. La exposición se inscribe en la tradición de mujeres artistas que han reclamado sus narrativas, usando el arte para expresar la complejidad de la experiencia femenina. Aunque el reconocimiento hacia las surrealistas ha crecido solo en los últimos años, sus obras siempre han sido esenciales en la evolución del arte. Estas mujeres convirtieron lo personal en símbolos universales de crecimiento, poder y renacimiento. Me inspiro en esa tradición para destacar el viaje femenino hacia el autoconocimiento y la evolución.

Néctar City, 60 x 60 cm. Acrílico sobre lienzo, 2025

Aquí, la feminidad se manifiesta mediante la metáfora del jardín: un espacio de crecimiento continuo y transformación. Como las surrealistas que utilizaron la imaginería botánica para explorar vida, muerte y renacimiento, yo uso el jardín para representar esos espacios psicológicos y emocionales donde el ser femenino puede florecer y evolucionar sin restricciones externas. Las figuras de mis obras representan distintas etapas de la transformación femenina, transitando espacios que permiten la realización interior, la libertad y el empoderamiento.

El jardín surrealista de mi obra es una metáfora del inconsciente femenino, un lugar donde se nutren los deseos, sueños y emociones. Estas formas y figuras no son solo símbolos de crecimiento, sino de libertad para abrazar el cambio. En esta exposición, la feminidad se presenta como un proceso continuo y en constante evolución, donde el crecimiento no tiene límites y se abren nuevas posibilidades de expresión y empoderamiento.

Melancholia’s garden, 140 x 100 cm. Técnica mixta sobre lienzo, 2025

Proyectos futuros

¿Qué ha significado para ti exponer en Marquesa Gallery y hacerlo durante la Semana del Arte de Madrid?

Esta exposición marca un momento clave en mi camino artístico, ya que llega después de una etapa de introspección y silencio creativo. Me ha dado el espacio y la libertad para materializar todas las ideas que venía cultivando. Ha sido, en lo personal, una transición del invierno a la primavera. Tras mucho tiempo observando y reflexionando en silencio, esta muestra me permitió canalizar esas vivencias interiores en algo tangible.

La galería y el contexto de la Semana del Arte en Madrid ofrecieron el entorno perfecto para explorar nuevas posibilidades y asumir riesgos con mi obra, ampliando límites. Ha sido una oportunidad increíble para convertir emociones e ideas en un cuerpo de trabajo coherente, y estoy profundamente agradecida por compartirlo con un público tan dinámico.

Inauguración Magic in Bloom

Lo que hizo esta experiencia aún más especial fue la colaboración con el equipo de Marquesa Gallery. Trabajamos muy de cerca para dar vida a una visión compartida, y ese sentido de compañerismo hizo que todo el proceso fuera verdaderamente significativo. La inauguración también fue un momento fantástico: ver al público interactuar con mis obras, hacer preguntas, detenerse ante los detalles… Fue un recordatorio de por qué creo arte. Como artista, no hay nada más gratificante que ver a las personas conectar con tu trabajo y emprender su propio viaje de descubrimiento a través de él.

¿Qué proyectos tienes en mente después de Magic in Bloom? ¿Hay algo nuevo que te gustaría explorar en tu arte?

Crear, crear, crear —ese es el impulso que me ha dejado Magic in Bloom. Esta exposición me ha devuelto la chispa, esa certeza de que estoy en el camino correcto. Me ha recordado el poder de la creación y ha reavivado mi entusiasmo. Tengo muchas ideas, y ahora siento que es momento de darles forma, de organizarlas y convertirlas en algo concreto.

Un área que quiero seguir explorando es la imaginería y narrativa del folclore. El simbolismo y la mística del folclore me resultan profundamente inspiradores, y siento que aún queda mucho por descubrir en ese universo. Me emociona profundizar en cómo estas historias pueden evolucionar dentro de mi obra. Más allá de eso, estoy abierta a nuevas ideas y experiencias que puedan surgir. Siempre hay algo nuevo por descubrir, y quiero seguir empujando los límites de mi práctica artística.