Entrevista a Peter Zarkob: hablar desde la fotografía

En esta entrevista, Peter Zarkob nos abre las puertas de su proceso creativo con una claridad poco habitual. A través de un lenguaje visual preciso y contenido, su fotografía propone una lectura pausada, donde cada forma, cada encuadre y cada silencio construyen significado. Hablamos con él sobre su interés por el espacio, la geometría, la repetición y el vacío; sobre cómo entiende la técnica no como un fin, sino como un medio para revelar una emoción.

¿Cómo empezó tu relación con la fotografía? ¿Fue tu primer medio artístico o llegaste a él después de explorar otros lenguajes?

Comencé mi carrera profesional como diseñador gráfico, especializándome en el diseño de logotipos y Manuales de “Identidad Corporativa”. Esta etapa me permitió profundizar en los principios del “minimalismo”, especialmente en la capacidad de abstraer una idea y representarla visualmente. Aplicando estos conceptos, empecé a colaborar en campañas publicitarias, donde tenía que asociar la idea que quería el anunciante a una imagen concreta. Al principio, buscábamos en “bancos de imágenes” para encontrar la fotografía perfecta, pero en determinados casos ninguna lograba transmitir lo que queríamos. Fue entonces cuando decidimos producir nuestras propias imágenes, y así comenzó mi vínculo con la fotografía.

Tu trabajo se sitúa en un punto muy particular dentro de la fotografía: no es documental, pero tampoco puramente abstracto. ¿Cómo definirías tu lenguaje visual? ¿Qué hace que una imagen «sea tuya»?

Considero que mi trabajo se encuentra en un espacio intermedio entre lo figurativo y lo abstracto. Partiendo de una fotografía “documental” me gusta centrarme en los elementos esenciales de la imagen y eliminar todo aquello que no aporta ninguna información. A través de este enfoque minimalista intento captar la esencia estética y emocional, esa especie de “alma” de la imagen. Sin embargo, nunca llego a la abstracción total, me gusta mantener un equilibrio entre lo reconocible y lo interpretativo.
Desde un punto de vista estético, intento combinar el lenguaje fotográfico con el lenguaje pictórico. Para ello, utilizo una paleta monocromática de alto contraste, pero incorporando sutiles transiciones entre el negro y el blanco “puro”.
Creo que lo que hace que una imagen sea mía es la capacidad de transmitir una atmósfera especial, jugando con la luz, la composición y los detalles para crear una narrativa visual que invite a la reflexión y la conexión emocional. Además, intento transformar escenas cotidianas en imágenes más poéticas y atemporales, buscando la belleza en lo simple y lo efímero.

Ribeira Sacra, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth”, 100 x 81 cm. 2023

A menudo en tus obras hay una tensión entre lo visible y lo sugerido, entre lo real y lo imaginado. ¿Qué papel juega el misterio o lo no dicho en tu obra?

Creo que el “misterio y lo no dicho” juegan un papel fundamental en mi trabajo, ya que contribuye a crear esa tensión entre lo que se muestra y lo sugerido, entre lo real y lo imaginado. Dejar ciertos aspectos en la “ambigüedad” invita al espectador a usar su imaginación para llenar esos vacíos, lo que enriquece mucho su experiencia y permite una interpretación más personal de la obra.

¿Qué te impulsa a hacer una fotografía? ¿Hay una idea previa o dejas espacio a la intuición y al azar?

Generalmente, mi proceso surge más de la intuición y del azar que de una idea preconcebida. Me gusta salir a pasear con la cámara, explorar la ciudad y sumergirme en su arquitectura, sus calles, plazas, mercados y vivir su “día a día”. Disfruto experimentando con múltiples composiciones, jugando con luces y sombras (contrastes), probando desde diferentes ángulos y ajustando diferentes configuraciones de cámara. Mi intención es capturar fotografías minimalistas que puedan contar una historia o transmitir una sensación o emoción específica.

Destacar también que cuando salgo con la cámara, activo en mi mente el “modo fotografía”. En ese instante, mi percepción visual cambia, me desconecto del entorno para concentrarme en buscar líneas, formas, contrastes y composiciones. Es como si la cámara se convirtiera en una extensión de mi mirada, ayudándome a descubrir detalles que, de otro modo, podrían pasar desapercibidos.

El componente técnico en tu obra está muy cuidado, pero nunca es frío. ¿Cómo equilibras lo estético con lo conceptual en tu proceso de trabajo?

El componente técnico podría decirse que es el hilo conductor de la narrativa visual, ya que nos permite integrar de manera orgánica lo estético y lo conceptual, logrando que cada elemento de la composición refuerce el mensaje general de la obra. El resultado es una armonía entre técnica y sensibilidad, donde ambos aspectos —lo estético y lo conceptual— se fusionan para transmitir ideas más complejas con naturalidad.

Alamillo Bridge, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth”- 90 x 90 cm. 2019

Has recibido distintos premios por tu trayectoria. ¿Hay alguno que consideres especialmente significativo? ¿Qué supuso para ti a nivel profesional o personal?

Sin duda, el premio más significativo para mí ha sido el de los International Photography Awards (IPA). A nivel profesional fue un acontecimiento importante, ya que la ceremonia de entrega de premios tuvo lugar en el icónico Carnegie Hall de Nueva York, un evento de gran prestigio en el mundo de la fotografía y con una amplia repercusión mediática a nivel internacional.
A nivel personal, este premio marcó un antes y un después. Durante años, había ocultado mi pasión por la fotografía bajo un seudónimo y muchos de mis amigos y familiares desconocían esta faceta mía. Tras recibir el premio de los IPA, varios medios de comunicación —prensa, radio y televisión— me invitaron a participar en entrevistas para hablar sobre la imagen ganadora, su estilo, técnica y proceso creativo. Fue en ese momento cuando dejé de ser anónimo y mi trabajo comenzó a ser conocido en mi entorno más cercano.

La fotografía a menudo se percibe como una reproducción de la realidad, pero en tu caso parece más bien una construcción, una transformación. ¿Qué opinas sobre esa relación entre fotografía y verdad?

En este punto, me identifico con la reflexión del fotógrafo Robert Doisneau: “Describir es destruir, sugerir es crear”. Hoy vivimos en una contexto en el que los teléfonos móviles y la inteligencia artificial (IA) han transformado profundamente nuestra manera de entender la fotografía. La sobreexposición visual e inmediatez tecnológica a millones de fotografías, que simplemente realizan una descripción literal y superficial de la realidad, han diluido, en gran medida, el poder evocador de la fotografía como lenguaje artístico y expresivo. Es aquí donde la frase de Ortega y Gasset, “Yo soy yo y mis circunstancias”, cobra especial relevancia en el ámbito fotográfico. Nuestras experiencias vividas —percepciones, sentimientos, emociones, ideas, contexto social, histórico y cultural— moldean nuestra visión única del mundo. La fotografía, más que un medio para describir la realidad, puede ser una herramienta para construir nuestra propia realidad. A través de ella, podemos evocar ideas, sentimientos, emociones y sueños, plasmando nuestra visión personal y subjetiva. Esta capacidad de crear una realidad íntima es algo que, por ahora, la IA no puede realizar. La fotografía, en su esencia más profunda, sigue siendo un acto humano, un reflejo de nuestra individualidad y nuestra conexión con el mundo que nos rodea.

Stages, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth” – 100 x 80 cm. 2021

¿Qué referentes han influido en tu visión como artista? Pueden ser fotógrafos, por supuesto, pero también cineastas, pintores, escritores…

Me apasionan los grandes maestros de la fotografía, como Henri Cartier- Bresson, Robert Capa, Michael Kenna, Robert Doisneau, Elliott Erwitt y Man Ray, así como el trabajo innovador de Gregory Crewdson. Desde niño, también me ha fascinado la obra de pintores como Edward Hopper, René Magritte y Giorgio de Chirico. En la actualidad, estoy explorando a fondo el trabajo de fotógrafos contemporáneos que logran fusionar ambas disciplinas: la pintura y la fotografía.

Tus imágenes tienen una atmósfera muy reconocible. ¿Cómo trabajas la luz, el color, la composición para crear ese universo tan particular?

En cuento a la iluminación utilizo fuentes de luz muy definidas, lo que me permite crear contrastes muy marcados entre las zonas iluminadas y las sombras. Esto no solo añade dramatismo, sino que también guía la mirada del espectador hacia los puntos focales clave. La luz que se filtra suele ser suave y difusa, lo que contribuye a generar una atmósfera onírica y misteriosa.
Respecto al color, utilizo una paleta monocromática de alto contraste. Además me gusta jugar con matices y transiciones sutiles de color para crear una atmósfera envolvente y emocional. Los colores no solo definen el estado de ánimo de la imagen, sino que también ayudan a contar una historia.
Por último, en la composición, la disposición de los diferentes elementos busca lograr un equilibrio visual que combine armonía y dinamismo. Además, suelo incorporar elementos que aportan profundidad y perspectiva, con el fin de que el espectador se sienta inmerso en la escena.

Resilience, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth” – 100 x 80 cm. 2021

¿Qué lugar ocupa el espectador en tu obra? ¿Piensas en cómo será leída o prefieres que cada quien encuentre su propia interpretación?

La ambigüedad y la atmósfera misteriosa de las fotografías hacen que cada espectador pueda encontrar diferentes significados o sensaciones en ellas. De esta manera, la obra no es solo una representación fija, sino un espacio de diálogo donde cada uno aporta su propia visión. La interpretación se vuelve algo muy personal, y eso enriquece la experiencia, ya que cada mirada puede descubrir algo distinto, despertar nuevas preguntas o conectar con diferentes aspectos internos. En definitiva, se pretende fomentar esa interacción activa, haciendo que el espectador no sea solo un observador pasivo, sino un participante que construye su propio universo dentro de su obra.

¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Hay alguna nueva línea de investigación o cambio en tu manera de crear que te ilusione especialmente?

Antes mencioné que me gustaba realizar fotografías de manera intuitiva y espontánea. Sin embargo, en la actualidad estoy desarrollando una base de datos que recopila información sobre arquitectos, sus obras más emblemáticas, edificios singulares, monumentos, eventos culturales, fiestas tradicionales… todo organizado por países y fechas. La idea es planificar viajes de larga duración que me permitan fotografiar estas localizaciones y eventos, así como sumergirme en el día a día de diferentes culturas y estilos de vida, capturando la esencia de esos momentos únicos.