La Feria del Libro de Madrid nació con el objetivo de acercar el libro al público y fomentar la lectura mediante un entorno común y agradable, en este caso el parque del Retiro. Del 29 de mayo al 14 de junio se celebrará la 85ª edición de la Feria del Libro de Madrid. Desde Marquesa Gallery hemos decidido aprovechar la oportunidad para recordar la conexión entre literatura y arte plástico.

Desde la Antigüedad clásica, ambas disciplinas han sido entendidas como complementarias, como podemos observar en el tópico latino Ut pictura poesis (como la pintura, así es la poesía) formulado por Horacio. Esta idea sugiere una equivalencia entre imagen y palabra: mientras la literatura nos deja relatos en el tiempo, la pintura los materializa en el espacio. En la actualidad, podemos advertir que la palabra ya no es simplemente fuente de inspiración para el arte plástico, sino que en ocasiones se integra en las obras. De esta manera, la literatura y el arte contemporáneo se encuentran en un mismo territorio de experimentación.

Por ello, hemos querido destacar tres artistas que se influyen de la literatura para sus proyectos: Rubén Martín de Lucas, Laura Segura y Marcela Cantuária.

Rubén Martín de Lucas: ecologías del pensamiento y la forma

Rubén Martín de Lucas, El jardín de Fukuoka, 100 x 100 cm., acrílico, cera y óleo sobre tabla

En el trabajo de Rubén Martín de Lucas, la pintura se convierte en un puente para reflexionar sobre nuestra relación con el territorio. Su proyecto El jardín de Fukuoka establece un diálogo directo con Masanobu Fukuoka y su obra La revolución de una brizna de paja. En el libro, Fukuoka plantea practicar la agricultura con una mínima intervención por parte del ser humano, con el fin de respetar los ritmos naturales de la tierra.

Martín de Lucas se propone traducir estas ideas a un nivel pictórico, para ello, prescinde de la función representativa de la pintura para entender el arte como un vehículo de transmisión de conceptos.

La obra de Martín de Lucas no solo nos ayuda a reflexionar sobre cómo nos relacionamos con la tierra, también invita a abrir un debate interno sobre cómo nos relacionamos con el mundo. El artista interpreta el monocultivo como el modo de vida de occidente de hiperproducción. De esa manera, el rechazo al monocultivo también es un rechazo al sistema capitalista digital basado en la producción masiva. Martín de Lucas usa su proyecto para salir del rol de pintor que se dedica a reflejar la realidad, para convertirse en parte activa de la solución.

Laura Segura: la materia como lenguaje vivo

Laura Segura, Desenvuelto de la envoltura, 250 cm., hilo de cera de abeja, pigmento y madera, 2021

La práctica artística de Laura Segura no se queda en el final: el proceso es significativamente importante para entender sus obras. A través de los materiales orgánicos – hilo de algodón, cera de abeja y pigmento natural – Segura pretende resaltar el peso de la relación entre los humanos y la naturaleza. Los elementos naturales convergen con lo simbólico, lo orgánico y lo espiritual. Busca generar en el espectador una experiencia que trascienda de lo visual, para adentrarse en el resto de los sentidos.

Parte de su inspiración viene de la obra de Walt Whitman, especialmente en Hojas de hierba, donde el cuerpo, la naturaleza y lo espiritual forman una continuidad orgánica. En ese mismo plano se encuentra su instalación Una trenza de hierba sagrada (2022), incluida en A media lumbre, instalación que se influye del cuento de Rapunzel.

Aquí, el cabello deja de ser un elemento narrativo para convertirse en una estructura simbólica: vía de escape y símbolo de poder personal. La trenza se convierte en una estructura viva, no solo por los materiales, sino por la historia que conlleva. El trenzado es una técnica ancestral que recoge conceptos de unión, fortaleza y comunidad.

Este pensamiento se amplía en 13 grados, inspirado en el libro Animales arquitectos —como las abejas— de Juhani Pallasma. La obra, introduce la lógica de organización de los animales: sistemas colectivos sin jerarquía, donde la inteligencia emerge del trabajo común. En Segura, la materia no solo representa lo vivo, sino que lo activa.

Marcela Cantuária: imagen, memoria e insurrección

Marcela Cantúaria, La bestia, 60 x 50 cm., óleo sobre lienzo, 2023

La obra de Marcela Cantuária está llena de significados. Su marco conceptual abarca historias de resistencia, simbolismo mágico, y memoria colectiva. Cantuária cree en el poder transformativo del arte, de esta manera a través de la pintura intenta crear contranarrativas al colonialismo y al patriarcado.

Su presencia en Vitamin P4: New Perspectives in Painting sitúa su trabajo en el panorama internacional de la pintura contemporánea. Destaca su obra La bestia, por sus diversas capas de complejidad conceptual.

En esta obra, una criatura híbrida —con alas y patas de dragón— se compone de múltiples cabezas que remiten a la Hidra mitológica. Estas cabezas representan figuras históricas como Cristóbal Colón, Pedro Álvares Cabral o Vasco da Gama, vinculadas al colonialismo. En esta imagen la colonización aparece como un sistema que se regenera, se adapta y persiste. Este cuadro es un ejemplo del gran compromiso activista de Cantuária.

El fuego que rompe la composición se percibe como un gesto de resistencia, un intento de disolución de un ciclo histórico de explotación. Cantuária explora el poder de las imágenes para alterar los imaginarios colectivo.

La obra nos puede recordar a la escritura de Eduardo Galeano, importante escritor latinoamericano, especialmente con Las venas abiertas de América Latina, donde Galeano concibe la historia como una herida abierta y un relato en disputa. La pintura de Cantuária ofrece un espacio donde la memoria no solo se conserva, sino que también se reactiva.

Lectura y materialidad

Durante la Feria del Libro de Madrid, la ciudad se sumerge en los libros. Sin embargo, la lectura no termina ahí: continúa en la imagen, en la materia y en la experiencia contemplativa. Madrid se convierte en un encuentro de creación, abarcando tanto la literatura como los espacios de arte contemporáneo.

Nuestra galería se encuentra en esta intersección entre arte plástico y creación literaria: una superficie donde el pensamiento se vuelve tangible y la materia se convierte en lenguaje. Te invitamos a descubrir estas convergencias en nuestras salas, en las que el arte no es solo mirada, sino también lectura.

El pasado 16 de enero, Marquesa Gallery organizó La paradoja del Paraíso, un evento especial vinculado al trabajo de Rubén Martín de Lucas. No se trató de una inauguración ni de una exposición tradicional, sino de una experiencia pensada para existir solo durante una tarde, con un formato distinto y una relación más directa entre obra, espacio y público.

Para llevarlo a cabo, contamos con la colaboración de Papartus, que cedió su estudio en Carabanchel para acoger el evento. El espacio, habitualmente dedicado al trabajo diario, se transformó por completo para convertirse en un lugar de encuentro y recorrido artístico temporal.

Un espacio transformado para la ocasión

Desde el primer momento, el público se encontró con un ambiente poco habitual. El estudio estaba prácticamente a oscuras, iluminado únicamente por velas y por la proyección de El altar de las ideas, uno de los proyectos de Rubén Martín de Lucas. La falta de luz artificial obligaba a recorrer el espacio con calma, a detenerse y a prestar atención a cada estímulo.

La intención no era imponer un recorrido cerrado, sino generar una experiencia progresiva, donde la obra fuera apareciendo poco a poco y cada persona pudiera acercarse a ella desde su propio ritmo y curiosidad.

La trayectoria del artista, revelada paso a paso

A lo largo de la tarde, el espacio fue cambiando. De forma gradual, se iban encendiendo focos que iluminaban, uno a uno, distintos proyectos de Rubén Martín de Lucas. Cada encendido marcaba un nuevo momento dentro del recorrido y permitía poner el foco en una etapa concreta de su trayectoria artística.

Rubén Martín de Lucas es un artista multidisciplinar, y esa diversidad estuvo muy presente durante el evento. En el espacio convivían proyectos de pintura, fotografía, audio y vídeo, mostrando cómo el artista trabaja con distintos lenguajes y cómo estos se relacionan entre sí a lo largo del tiempo. Lejos de ofrecer una lectura cronológica cerrada, la experiencia permitía entender su trabajo como un conjunto de investigaciones conectadas.

Un formato distinto al de una exposición tradicional

Uno de los aspectos más interesantes de La paradoja del Paraíso fue su formato. No se trataba de una exposición permanente ni de una muestra que pudiera visitarse en cualquier momento. Todo estaba pensado para suceder en un tiempo concreto.

Este tipo de propuesta permite una relación diferente con la obra: sin prisas, sin recorridos preestablecidos y sin la presión de “verlo todo”. El público podía detenerse en cada proyecto, escuchar, observar y comentar, generando una experiencia más cercana y participativa.

El carácter efímero del evento no fue un elemento secundario, sino una parte fundamental de la propuesta. La paradoja del Paraíso existió únicamente durante unas horas y después desapareció, dejando solo el recuerdo de quienes estuvieron presentes y los registros visuales que ahora sirven como archivo.

Esta condición temporal aportó un valor especial a la experiencia. Saber que no se repetiría generó una atención distinta, más concentrada y consciente. Para quienes no pudieron asistir, este artículo y las imágenes son la única forma de acercarse a lo que ocurrió esa tarde.

Una forma de entender el trabajo desde Marquesa Gallery

Desde Marquesa Gallery entendemos estos encuentros como una extensión natural de nuestro trabajo con los artistas. Más allá de las exposiciones convencionales, nos interesa generar contextos donde la obra pueda activarse de otras maneras y donde el público tenga una experiencia directa y significativa.

La paradoja del Paraíso fue una oportunidad para presentar el trabajo de Rubén Martín de Lucas desde un lugar distinto, poniendo en valor su trayectoria y su diversidad de lenguajes, y explorando nuevas formas de mostrar y compartir el arte contemporáneo.

Este tipo de propuestas forman parte de la línea de trabajo de la galería, que busca combinar rigor artístico, cercanía y formatos flexibles que se adapten tanto a los artistas como a los espacios y al público.

Dirección: Calle Marquesa de Argüeso, 38 – 28019 Carabanchel (Madrid)
Duración: Viernes, 21 de noviembre de 2025 a sábado, 31 de enero de 2026 – Horario: miércoles-viernes 11:00 – 19:00h sábados: 11:00 – 14:30h
Artista: Rubén Martín de Lucas
Título de la Exposición: Domesticarse o morir
Comisario: Javier Cruz

Domesticarse o Morir, la nueva exposición de Rubén Martín de Lucas en Marquesa Gallery, parte de una idea tan sencilla como inquietante: en el siglo XXI solo existen dos caminos, adaptarse o desaparecer. A través de una serie de obras cargadas de ironía, humor salvaje y una estética de gran fuerza visual, el artista aborda la domesticación como un proceso que afecta tanto a la naturaleza como al ser humano.

La muestra, vinculada a su proyecto Días Transgénicos, explora cómo hemos ido perdiendo nuestras capacidades para vivir de forma salvaje mientras el “progreso” homogeniza paisajes, culturas y modos de vida. En sus pinturas y textos, Martín de Lucas contrapone la docilidad, el exceso de control y la dependencia del sistema con la belleza radical de lo indómito.

El título de la exposición es contundente: Domesticarse o morir. ¿De dónde surge esta idea y qué significa para ti esa dicotomía entre lo salvaje y lo domesticado?

Lo salvaje mengua o desaparece. Lo domesticado prospera en número. Si fueras un animal, en el s.XXI parece que solo existen esas dos alternativas: Domesticarse o morir.
A nosotros los humanos nos ocurre lo mismo. Las culturas ancestrales se ven absorbidas por la corriente general. El “progreso” es una apisonadora que todo lo iguala. La Tierra, antaño un vergel de biodiversidad, se ha convertido en una sucesión de monocultivos atravesados por una carretera salpicada de gasolineras y ciudades idénticas.
La exposición pertenece a “Días Transgénicos” un proyecto con un humor salvaje que nos enfrenta ante un crudo espejo. Un espejo que nos hace ver que somos lerdos, muy lerdos.
Y como en todo proceso de sanación: admitirlo es el primer paso.

Detalle. Bad wolf VIII, 180 x 150 cm. óleo sobre lienzo montado sobre espuma y bastidor de madera. 2025

¿Crees que la domesticación personal, social, ecológica, es una forma de progreso o de pérdida?

Se le llama “síndrome de domesticación” a la pérdida de la capacidad para vivir de forma salvaje. Les ocurre a especies de plantas y animales que han vivido durante generaciones bajo los “cuidados” de la humanidad. Han perdido sus habilidades para sobrevivir por sí solas. Un ejemplo: la planta de tomates. Al escoger para la reproducción los ejemplares con frutos más grandes generación tras generación, se produce una selección genética. Esta nueva planta de grandes frutos carnosos necesita cuidados y no sobreviviría sola. Lo mismo le ocurre al ganado. Hemos seleccionado los ejemplares más dóciles, y ahora son animales torpes… poco aptos para vivir en libertad.

A nosotros nos ha ocurrido también. Vivimos más tiempo, pero vivimos como pollos enjaulados.

¿Propones una vuelta a lo salvaje?

La vuelta a lo salvaje es absolutamente imposible. Somos demasiados en el planeta y ahora dependemos por completo de “explotar” a otras especies.
Pero hay términos intermedios. Debemos buscar otros puntos de equilibrio. No podemos dejar que el mundo sea una sucesión de explotaciones ganaderas, explotaciones agrícolas y explotaciones humanas.
Existen más maneras de vivir y de estar en el planeta. En los pueblos, sin ir más lejos. Allí hay un mejor equilibrio, hay más contacto con lo no domesticado y otra manera de manejar el tiempo y la vida. Personalmente abogo por el decrecimiento que defienden Latouche y Carlos Taibo. O algo aún más bello, poético y radical como la agricultura natural y el modo de vida que puso en práctica Masanobu Fukuoka, donde el fluir y la mínima interferencia son el punto de partida.

Rubén Martín de Lucas en su estudio en Piedralaves (Ávila)

Tus obras combinan una gran carga conceptual con una estética muy cuidada. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre la belleza visual y el mensaje que quieres transmitir con tu trabajo?

Si las obras tuvieran dos piernas, una pierna sería el aspecto visual, es decir, la parte plástica o estética. La otra sería la historia, el concepto o la idea que hay detrás.
Si ambas piernas son fuertes… la obra, y el artista, caminarán mejor.

En mi caso todo proyecto nace de una idea, un tema que quiero tratar. Y luego busco la mejor manera y el mejor lenguaje para traducirlo.
Días Transgénicos habla del progresivo distanciamiento que como humanidad hemos “dibujado” respecto a la naturaleza. Nos vemos ahora como si no fuéramos parte de ella. Esta “distancia mental” la he traducido en pinturas, en textos, incluso en instalaciones de audio. Esta metodología es una forma fantástica de trabajar. Cada proyecto me lleva en una nueva dirección. Y eso me mantiene vivo

Llevabas tiempo sin hacer una exposición individual en Madrid. ¿Qué significa para ti volver ahora con este proyecto y hacerlo en Marquesa Gallery?

Madrid es la ciudad donde crecí. No puedo decir que la ame con locura… porque no me gustan las ciudades. Pero inevitablemente le guardo cariño.
Es bonito volver a exponer en la ciudad donde uno dio sus primeros pasos como artista. Y es bonito hacerlo con un equipo joven como el de Marquesa, con ganas y una energía contagiosa. Eso influye en los resultados, y para bien.
Además en cierto modo es como regresar y decirle a los amigos “Ey, perdonad mi ausencia durante estos años, es que me fui a un pueblo con la familia. Pero estamos bien, muy bien. Allí la vida es lenta… y me gusta. Mirad, aquí os traigo un puñado de obras y reflexiones. Espero que os gusten.”

En un mundo cada vez más tecnológico, urbano y controlado, ¿todavía es posible o deseable reconectarnos con lo salvaje?

Solo tienes que probarlo. Vete a un bosque semi-salvaje, camina en silencio, observa las plantas. Siéntate a escuchar con los ojos cerrados, escucha con calma el sonido de la otredad, de todo aquello que no es humano. Huele el bosque. Abre los ojos y el mundo te parecerá más real.

Tengo la suerte, desde que me fui a vivir a Piedralaves, de poder hacer ese ejercicio con frecuencia. El bosque semi-salvaje que nos rodea es curativo. La garganta del Nuño cojo es una presencia sagrada, sanadora.

Garganta del Nuño Cojo. Piedralaves, Ávila

Si tuvieras que resumir Domesticarse o morir en una sola imagen o pensamiento, algo que el visitante se llevara consigo al salir de la galería, ¿cuál sería?

Soy lerdo, somos lerdos. Admitirlo es el primer paso.

El jueves 21 de noviembre, de 19:00 a 22:00 h, abrimos las puertas de Marquesa Gallery para presentar Domesticarse o Morir, la nueva exposición de Rubén Martín de Lucas.

¡Os esperamos!

Rubén Martín de Lucas. Fotografía: Mirka Formanova

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