¿Qué significa para ti presentar esta exposición en Marquesa Gallery en este momento de tu trayectoria?

Presentar esta exposición en Marquesa Gallery supone un momento especialmente significativo dentro de mi trayectoria. Llega en una etapa de madurez artística en la que siento que mi lenguaje visual está más consolidado, pero también más abierto a nuevas preguntas. Por otro lado vuelvo a Carabanchel, que es el barrio que me adoptó cuando llegué a Madrid a los 15 años: además un Carabanchel convertido en foro cultural increíble en continuo crecimiento.

Para mí no se trata tanto de mostrar resultados como de compartir un proceso de investigación que sigue vivo y que encuentra en este espacio un contexto ideal para conversar con el público.

¿Cómo ha sido el proceso de construir esta exposición en concreto?

Ha sido un proceso largo y muy orgánico. Aunque algunas de las ideas llevaban tiempo acompañándome, la exposición se ha ido construyendo a medida que las obras comenzaban a dialogar entre sí. Más que partir de un concepto concreto y cerrado, he trabajado abierto a lo que cada pieza iba demandando, permitiendo que aparecieran relaciones inesperadas y nuevas líneas de trabajo.

¿Cómo te gustaría que el visitante recorra la exposición: hay una narrativa o es una experiencia más libre?

Existe una estructura interna y ciertos vínculos entre las obras, pero no me interesa imponer una lectura única. Prefiero que el visitante construya su propio recorrido, que descubra conexiones personales y que encuentre espacios para la interpretación. La exposición propone un marco, pero la experiencia final la completa quien la visita.

¿Qué crees que diferencia esta exposición de trabajos anteriores tuyos?

Quizá esta exposición es una de las más personales que he realizado hasta ahora. No porque hable directamente de mí, sino porque reflexiona sobre algo que nos atraviesa a todos: la necesidad de construirnos, de transformarnos y de reconocernos en el otro.

Jose Luis Ceña, Stillness before the dive, 50 x 50 cm. óleo sobre lino, 2026

Si alguien sale de la exposición con una idea o sensación concreta, ¿Cuál te gustaría que fuera?

Me gustaría que saliera con la idea de volver a entrar, de no saber exactamente qué rostro ha estado mirando. Si el espectador sale con alguna certeza menos y algunas preguntas más, probablemente la exposición haya cumplido su función.

¿Qué parte de esta exposición crees que habla más de ti como artista hoy?

La manera en que conviven el acierto y el error. Lo narrativo y lo visual. Me interesa cada vez más ese territorio donde el conocimiento adquirido se encuentra con lo desconocido. Creo que esa tensión está muy presente en esta exposición y refleja bastante bien mi posición actual como artista.

¿Qué te obsesiona ahora mismo a nivel creativo?

Me obsesiona la idea de la identidad como algo cambiante y en permanente construcción. Me interesa pensarla de una manera muy cercana al propio proceso pictórico: ambos son procesos abiertos que se construyen a través de capas, de decisiones, correcciones y transformaciones sucesivas. Igual que una pintura nunca surge de una sola imagen, sino de la acumulación de gestos, aciertos, errores, idas y venidas, nuestra identidad también se configura a partir de experiencias, recuerdos, relatos y de la mirada de los demás. En ese paralelismo encuentro gran parte de mi interés creativo.

Tu obra tiene algo muy reconocible. ¿Cómo has construido ese lenguaje propio?

No pienso que el lenguaje propio sea algo que se busca de manera consciente, sino algo que aparece como
consecuencia de la inquietud, la investigación y la necesidad de profundizar en determinadas cuestiones.

¿Cómo empieza una obra tuya: con una imagen clara o con una intuición más difusa?

Siempre comienza con una idea. Esa idea inicial me lleva a realizar diferentes bocetos preparatorios que, en muchos casos, distan bastante del resultado final. Hay que dejar espacio a la incertidumbre, a que sucedan cosas durante el proceso de creación, a la magia. Si nos limitáramos a reproducir exactamente la imagen inicial, no nos diferenciaríamos demasiado de una impresora. Para mí, lo verdaderamente interesante aparece cuando la obra empieza a llevarte a lugares que no habías previsto.

Jose Luis Ceña, Architecture for a domestic game, 100 x 100 cm. óleo sobre lino, 2026

¿Qué parte del proceso disfrutas más… y cuál te cuesta más?

Disfruto especialmente el momento en que la obra empieza a revelar algo que yo mismo no había previsto: cuando aparece la pintura. Es una especie de diálogo con el propio trabajo. Lo más difícil suele ser saber cuándo una pieza está terminada, cuándo hay que dejar de intervenir y permitir que el tiempo la acabe.

¿Trabajas de forma impulsiva o hay mucha planificación detrás de cada pieza?

Hay una combinación de ambas cosas, cuando tienes dos niños se hace complicado a veces cuadrar la vida personal y la profesional. Esta experiencia me ha enseñado la importancia de la planificación, especialmente en procesos técnicos complejos, pero también necesito dejar espacio para el accidente, la intuición y lo inesperado. Muchas veces las decisiones más interesantes aparecen precisamente en esos momentos inesperados.

¿Qué te interesa más: que alguien entienda tu obra o que la sienta?

Me interesa más que la sienta, sin duda. La comprensión intelectual puede enriquecer la experiencia, pero creo que una obra empieza a funcionar cuando genera una resonancia emocional en quien la observa.

¿Qué crees que hace que alguien conecte con una pieza tuya y otro no?

La conexión con una obra depende tanto de la pieza como de la experiencia personal de quien la observa. Cada persona llega con una historia, una sensibilidad y unas referencias distintas. Precisamente esa diversidad de lecturas es una de las cosas que más me interesan del arte.

¿En qué punto sientes que te deja esta exposición de cara a lo que viene después?

No la siento como un punto final, sino como un paso más dentro de una investigación que continúa abierta. Muchas de las cuestiones que aparecen en esta exposición: la identidad, la transformación, la relación entre lo que mostramos y lo que somos, siguen generándome nuevas preguntas.
De alguna manera, esta exposición me deja en un territorio incierto, y eso es precisamente lo que me interesa. Creo que el trabajo artístico consiste en avanzar hacia aquello que todavía no comprendemos del todo.

]]> https://marquesagallery.com/entrevista-con-jose-luis-cena-el-eco-del-otro/feed/ 0 https://marquesagallery.com/entrevista-con-ruben-martin-de-lucas/ https://marquesagallery.com/entrevista-con-ruben-martin-de-lucas/#respond Thu, 06 Nov 2025 10:51:44 +0000 https://marquesagallery.com/?p=5669 A pocos días de inaugurar Domesticarse o Morir en Marquesa Gallery, Rubén Martín de Lucas conversa con nosotros sobre esta nueva exposición, donde pone en cuestión la idea de civilización y los límites que nos imponemos como sociedad. Su trabajo, entre la poesía visual y la crítica ecológica, invita a mirar con otros ojos nuestra forma de habitar el planeta.

El título de la exposición es contundente: Domesticarse o morir. ¿De dónde surge esta idea y qué significa para ti esa dicotomía entre lo salvaje y lo domesticado?

Lo salvaje mengua o desaparece. Lo domesticado prospera en número. Si fueras un animal, en el s.XXI parece que solo existen esas dos alternativas: Domesticarse o morir.
A nosotros los humanos nos ocurre lo mismo. Las culturas ancestrales se ven absorbidas por la corriente general. El “progreso” es una apisonadora que todo lo iguala. La Tierra, antaño un vergel de biodiversidad, se ha convertido en una sucesión de monocultivos atravesados por una carretera salpicada de gasolineras y ciudades idénticas.
La exposición pertenece a “Días Transgénicos” un proyecto con un humor salvaje que nos enfrenta ante un crudo espejo. Un espejo que nos hace ver que somos lerdos, muy lerdos.
Y como en todo proceso de sanación: admitirlo es el primer paso.

Detalle. Bad wolf VIII, 180 x 150 cm. óleo sobre lienzo montado sobre espuma y bastidor de madera. 2025

¿Crees que la domesticación personal, social, ecológica, es una forma de progreso o de pérdida?

Se le llama “síndrome de domesticación” a la pérdida de la capacidad para vivir de forma salvaje. Les ocurre a especies de plantas y animales que han vivido durante generaciones bajo los “cuidados” de la humanidad. Han perdido sus habilidades para sobrevivir por sí solas. Un ejemplo: la planta de tomates. Al escoger para la reproducción los ejemplares con frutos más grandes generación tras generación, se produce una selección genética. Esta nueva planta de grandes frutos carnosos necesita cuidados y no sobreviviría sola. Lo mismo le ocurre al ganado. Hemos seleccionado los ejemplares más dóciles, y ahora son animales torpes… poco aptos para vivir en libertad.

A nosotros nos ha ocurrido también. Vivimos más tiempo, pero vivimos como pollos enjaulados.

¿Propones una vuelta a lo salvaje?

La vuelta a lo salvaje es absolutamente imposible. Somos demasiados en el planeta y ahora dependemos por completo de “explotar” a otras especies.
Pero hay términos intermedios. Debemos buscar otros puntos de equilibrio. No podemos dejar que el mundo sea una sucesión de explotaciones ganaderas, explotaciones agrícolas y explotaciones humanas.
Existen más maneras de vivir y de estar en el planeta. En los pueblos, sin ir más lejos. Allí hay un mejor equilibrio, hay más contacto con lo no domesticado y otra manera de manejar el tiempo y la vida. Personalmente abogo por el decrecimiento que defienden Latouche y Carlos Taibo. O algo aún más bello, poético y radical como la agricultura natural y el modo de vida que puso en práctica Masanobu Fukuoka, donde el fluir y la mínima interferencia son el punto de partida.

Rubén Martín de Lucas en su estudio en Piedralaves (Ávila)

Tus obras combinan una gran carga conceptual con una estética muy cuidada. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre la belleza visual y el mensaje que quieres transmitir con tu trabajo?

Si las obras tuvieran dos piernas, una pierna sería el aspecto visual, es decir, la parte plástica o estética. La otra sería la historia, el concepto o la idea que hay detrás.
Si ambas piernas son fuertes… la obra, y el artista, caminarán mejor.

En mi caso todo proyecto nace de una idea, un tema que quiero tratar. Y luego busco la mejor manera y el mejor lenguaje para traducirlo.
Días Transgénicos habla del progresivo distanciamiento que como humanidad hemos “dibujado” respecto a la naturaleza. Nos vemos ahora como si no fuéramos parte de ella. Esta “distancia mental” la he traducido en pinturas, en textos, incluso en instalaciones de audio. Esta metodología es una forma fantástica de trabajar. Cada proyecto me lleva en una nueva dirección. Y eso me mantiene vivo

Llevabas tiempo sin hacer una exposición individual en Madrid. ¿Qué significa para ti volver ahora con este proyecto y hacerlo en Marquesa Gallery?

Madrid es la ciudad donde crecí. No puedo decir que la ame con locura… porque no me gustan las ciudades. Pero inevitablemente le guardo cariño.
Es bonito volver a exponer en la ciudad donde uno dio sus primeros pasos como artista. Y es bonito hacerlo con un equipo joven como el de Marquesa, con ganas y una energía contagiosa. Eso influye en los resultados, y para bien.
Además en cierto modo es como regresar y decirle a los amigos “Ey, perdonad mi ausencia durante estos años, es que me fui a un pueblo con la familia. Pero estamos bien, muy bien. Allí la vida es lenta… y me gusta. Mirad, aquí os traigo un puñado de obras y reflexiones. Espero que os gusten.”

En un mundo cada vez más tecnológico, urbano y controlado, ¿todavía es posible o deseable reconectarnos con lo salvaje?

Solo tienes que probarlo. Vete a un bosque semi-salvaje, camina en silencio, observa las plantas. Siéntate a escuchar con los ojos cerrados, escucha con calma el sonido de la otredad, de todo aquello que no es humano. Huele el bosque. Abre los ojos y el mundo te parecerá más real.

Tengo la suerte, desde que me fui a vivir a Piedralaves, de poder hacer ese ejercicio con frecuencia. El bosque semi-salvaje que nos rodea es curativo. La garganta del Nuño cojo es una presencia sagrada, sanadora.

Garganta del Nuño Cojo. Piedralaves, Ávila

Si tuvieras que resumir Domesticarse o morir en una sola imagen o pensamiento, algo que el visitante se llevara consigo al salir de la galería, ¿cuál sería?

Soy lerdo, somos lerdos. Admitirlo es el primer paso.

El jueves 21 de noviembre, de 19:00 a 22:00 h, abrimos las puertas de Marquesa Gallery para presentar Domesticarse o Morir, la nueva exposición de Rubén Martín de Lucas.

¡Os esperamos!

Rubén Martín de Lucas. Fotografía: Mirka Formanova

]]> https://marquesagallery.com/entrevista-con-ruben-martin-de-lucas/feed/ 0 https://marquesagallery.com/entrevista-a-peter-zarkob/ https://marquesagallery.com/entrevista-a-peter-zarkob/#respond Wed, 11 Jun 2025 10:30:52 +0000 https://marquesagallery.com/?p=5181 Entrevista a Peter Zarkob: hablar desde la fotografía

En esta entrevista, Peter Zarkob nos abre las puertas de su proceso creativo con una claridad poco habitual. A través de un lenguaje visual preciso y contenido, su fotografía propone una lectura pausada, donde cada forma, cada encuadre y cada silencio construyen significado. Hablamos con él sobre su interés por el espacio, la geometría, la repetición y el vacío; sobre cómo entiende la técnica no como un fin, sino como un medio para revelar una emoción.

¿Cómo empezó tu relación con la fotografía? ¿Fue tu primer medio artístico o llegaste a él después de explorar otros lenguajes?

Comencé mi carrera profesional como diseñador gráfico, especializándome en el diseño de logotipos y Manuales de “Identidad Corporativa”. Esta etapa me permitió profundizar en los principios del “minimalismo”, especialmente en la capacidad de abstraer una idea y representarla visualmente. Aplicando estos conceptos, empecé a colaborar en campañas publicitarias, donde tenía que asociar la idea que quería el anunciante a una imagen concreta. Al principio, buscábamos en “bancos de imágenes” para encontrar la fotografía perfecta, pero en determinados casos ninguna lograba transmitir lo que queríamos. Fue entonces cuando decidimos producir nuestras propias imágenes, y así comenzó mi vínculo con la fotografía.

Tu trabajo se sitúa en un punto muy particular dentro de la fotografía: no es documental, pero tampoco puramente abstracto. ¿Cómo definirías tu lenguaje visual? ¿Qué hace que una imagen «sea tuya»?

Considero que mi trabajo se encuentra en un espacio intermedio entre lo figurativo y lo abstracto. Partiendo de una fotografía “documental” me gusta centrarme en los elementos esenciales de la imagen y eliminar todo aquello que no aporta ninguna información. A través de este enfoque minimalista intento captar la esencia estética y emocional, esa especie de “alma” de la imagen. Sin embargo, nunca llego a la abstracción total, me gusta mantener un equilibrio entre lo reconocible y lo interpretativo.
Desde un punto de vista estético, intento combinar el lenguaje fotográfico con el lenguaje pictórico. Para ello, utilizo una paleta monocromática de alto contraste, pero incorporando sutiles transiciones entre el negro y el blanco “puro”.
Creo que lo que hace que una imagen sea mía es la capacidad de transmitir una atmósfera especial, jugando con la luz, la composición y los detalles para crear una narrativa visual que invite a la reflexión y la conexión emocional. Además, intento transformar escenas cotidianas en imágenes más poéticas y atemporales, buscando la belleza en lo simple y lo efímero.

Ribeira Sacra, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth”, 100 x 81 cm. 2023

A menudo en tus obras hay una tensión entre lo visible y lo sugerido, entre lo real y lo imaginado. ¿Qué papel juega el misterio o lo no dicho en tu obra?

Creo que el “misterio y lo no dicho” juegan un papel fundamental en mi trabajo, ya que contribuye a crear esa tensión entre lo que se muestra y lo sugerido, entre lo real y lo imaginado. Dejar ciertos aspectos en la “ambigüedad” invita al espectador a usar su imaginación para llenar esos vacíos, lo que enriquece mucho su experiencia y permite una interpretación más personal de la obra.

¿Qué te impulsa a hacer una fotografía? ¿Hay una idea previa o dejas espacio a la intuición y al azar?

Generalmente, mi proceso surge más de la intuición y del azar que de una idea preconcebida. Me gusta salir a pasear con la cámara, explorar la ciudad y sumergirme en su arquitectura, sus calles, plazas, mercados y vivir su “día a día”. Disfruto experimentando con múltiples composiciones, jugando con luces y sombras (contrastes), probando desde diferentes ángulos y ajustando diferentes configuraciones de cámara. Mi intención es capturar fotografías minimalistas que puedan contar una historia o transmitir una sensación o emoción específica.

Destacar también que cuando salgo con la cámara, activo en mi mente el “modo fotografía”. En ese instante, mi percepción visual cambia, me desconecto del entorno para concentrarme en buscar líneas, formas, contrastes y composiciones. Es como si la cámara se convirtiera en una extensión de mi mirada, ayudándome a descubrir detalles que, de otro modo, podrían pasar desapercibidos.

El componente técnico en tu obra está muy cuidado, pero nunca es frío. ¿Cómo equilibras lo estético con lo conceptual en tu proceso de trabajo?

El componente técnico podría decirse que es el hilo conductor de la narrativa visual, ya que nos permite integrar de manera orgánica lo estético y lo conceptual, logrando que cada elemento de la composición refuerce el mensaje general de la obra. El resultado es una armonía entre técnica y sensibilidad, donde ambos aspectos —lo estético y lo conceptual— se fusionan para transmitir ideas más complejas con naturalidad.

Alamillo Bridge, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth”- 90 x 90 cm. 2019

Has recibido distintos premios por tu trayectoria. ¿Hay alguno que consideres especialmente significativo? ¿Qué supuso para ti a nivel profesional o personal?

Sin duda, el premio más significativo para mí ha sido el de los International Photography Awards (IPA). A nivel profesional fue un acontecimiento importante, ya que la ceremonia de entrega de premios tuvo lugar en el icónico Carnegie Hall de Nueva York, un evento de gran prestigio en el mundo de la fotografía y con una amplia repercusión mediática a nivel internacional.
A nivel personal, este premio marcó un antes y un después. Durante años, había ocultado mi pasión por la fotografía bajo un seudónimo y muchos de mis amigos y familiares desconocían esta faceta mía. Tras recibir el premio de los IPA, varios medios de comunicación —prensa, radio y televisión— me invitaron a participar en entrevistas para hablar sobre la imagen ganadora, su estilo, técnica y proceso creativo. Fue en ese momento cuando dejé de ser anónimo y mi trabajo comenzó a ser conocido en mi entorno más cercano.

La fotografía a menudo se percibe como una reproducción de la realidad, pero en tu caso parece más bien una construcción, una transformación. ¿Qué opinas sobre esa relación entre fotografía y verdad?

En este punto, me identifico con la reflexión del fotógrafo Robert Doisneau: “Describir es destruir, sugerir es crear”. Hoy vivimos en una contexto en el que los teléfonos móviles y la inteligencia artificial (IA) han transformado profundamente nuestra manera de entender la fotografía. La sobreexposición visual e inmediatez tecnológica a millones de fotografías, que simplemente realizan una descripción literal y superficial de la realidad, han diluido, en gran medida, el poder evocador de la fotografía como lenguaje artístico y expresivo. Es aquí donde la frase de Ortega y Gasset, “Yo soy yo y mis circunstancias”, cobra especial relevancia en el ámbito fotográfico. Nuestras experiencias vividas —percepciones, sentimientos, emociones, ideas, contexto social, histórico y cultural— moldean nuestra visión única del mundo. La fotografía, más que un medio para describir la realidad, puede ser una herramienta para construir nuestra propia realidad. A través de ella, podemos evocar ideas, sentimientos, emociones y sueños, plasmando nuestra visión personal y subjetiva. Esta capacidad de crear una realidad íntima es algo que, por ahora, la IA no puede realizar. La fotografía, en su esencia más profunda, sigue siendo un acto humano, un reflejo de nuestra individualidad y nuestra conexión con el mundo que nos rodea.

Stages, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth” – 100 x 80 cm. 2021

¿Qué referentes han influido en tu visión como artista? Pueden ser fotógrafos, por supuesto, pero también cineastas, pintores, escritores…

Me apasionan los grandes maestros de la fotografía, como Henri Cartier- Bresson, Robert Capa, Michael Kenna, Robert Doisneau, Elliott Erwitt y Man Ray, así como el trabajo innovador de Gregory Crewdson. Desde niño, también me ha fascinado la obra de pintores como Edward Hopper, René Magritte y Giorgio de Chirico. En la actualidad, estoy explorando a fondo el trabajo de fotógrafos contemporáneos que logran fusionar ambas disciplinas: la pintura y la fotografía.

Tus imágenes tienen una atmósfera muy reconocible. ¿Cómo trabajas la luz, el color, la composición para crear ese universo tan particular?

En cuento a la iluminación utilizo fuentes de luz muy definidas, lo que me permite crear contrastes muy marcados entre las zonas iluminadas y las sombras. Esto no solo añade dramatismo, sino que también guía la mirada del espectador hacia los puntos focales clave. La luz que se filtra suele ser suave y difusa, lo que contribuye a generar una atmósfera onírica y misteriosa.
Respecto al color, utilizo una paleta monocromática de alto contraste. Además me gusta jugar con matices y transiciones sutiles de color para crear una atmósfera envolvente y emocional. Los colores no solo definen el estado de ánimo de la imagen, sino que también ayudan a contar una historia.
Por último, en la composición, la disposición de los diferentes elementos busca lograr un equilibrio visual que combine armonía y dinamismo. Además, suelo incorporar elementos que aportan profundidad y perspectiva, con el fin de que el espectador se sienta inmerso en la escena.

Resilience, Impresión en papel Hahnemühle “Photo Rag® Ultra Smooth” – 100 x 80 cm. 2021

¿Qué lugar ocupa el espectador en tu obra? ¿Piensas en cómo será leída o prefieres que cada quien encuentre su propia interpretación?

La ambigüedad y la atmósfera misteriosa de las fotografías hacen que cada espectador pueda encontrar diferentes significados o sensaciones en ellas. De esta manera, la obra no es solo una representación fija, sino un espacio de diálogo donde cada uno aporta su propia visión. La interpretación se vuelve algo muy personal, y eso enriquece la experiencia, ya que cada mirada puede descubrir algo distinto, despertar nuevas preguntas o conectar con diferentes aspectos internos. En definitiva, se pretende fomentar esa interacción activa, haciendo que el espectador no sea solo un observador pasivo, sino un participante que construye su propio universo dentro de su obra.

¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Hay alguna nueva línea de investigación o cambio en tu manera de crear que te ilusione especialmente?

Antes mencioné que me gustaba realizar fotografías de manera intuitiva y espontánea. Sin embargo, en la actualidad estoy desarrollando una base de datos que recopila información sobre arquitectos, sus obras más emblemáticas, edificios singulares, monumentos, eventos culturales, fiestas tradicionales… todo organizado por países y fechas. La idea es planificar viajes de larga duración que me permitan fotografiar estas localizaciones y eventos, así como sumergirme en el día a día de diferentes culturas y estilos de vida, capturando la esencia de esos momentos únicos.

Una mañana,  nos encontramos con una pintada que cubría todo el cierre metálico. En letras gruesas y amarillas alguien había escrito “FUERA.” No sabíamos quién lo había hecho ni por qué, pero el mensaje era claro y directo. Nuestra reacción inicial fue la habitual frente a un acto así: enfado, frustración y desconcierto. Después de tanto esfuerzo por crear un espacio de arte en Carabanchel, este hecho nos frustraba bastante. Pero en vez de borrar la pintada sin más, decidimos darle la vuelta. ¿Y si en lugar de ocultarla, la transformábamos en una oportunidad?

El nacimiento del concurso FUERA

Así surgió el concurso FUERA, una convocatoria pública lanzada el 2 de abril de 2025. La idea era sencilla pero potente: invitar a artistas urbanos, muralistas y creadores visuales a intervenir el cierre de la galería con una obra mural, partiendo del propio término “FUERA” como detonante conceptual. Más que tapar el acto vandálico, queríamos resignificarlo desde el arte. El artista ganador recibiría un premio de 500 euros y, lo más importante, la oportunidad de incorporarse al equipo de artistas de Marquesa Gallery. El concurso se difundió en redes sociales, y rápidamente atrajo la atención de numerosos creadores, tanto del barrio como de otros puntos del país.

Iker Muro, un mural para quedarse

El jurado decidió que el ganador del concurso fuera Iker Muro, muralista con una amplia trayectoria y un estilo muy reconocible dentro del arte urbano contemporáneo. Su propuesta fue seleccionada por su potencia visual, su lenguaje directo y su capacidad para transformar un mensaje agresivo en una imagen expansiva, viva y conectada con la identidad del barrio. Está previsto que el mural se realice a finales de junio, convirtiéndose en una nueva seña de identidad para la galería y para el entorno cultural de Carabanchel.

Carabanchel como ecosistema creativo

El proyecto no pasó desapercibido en el panorama cultural. El periodista Javier Díaz-Guardiola mencionó el concurso FUERA en su artículo para ABC Cultural, “Carabanchel, el distrito con 1.000 artistas”, en el que analiza el auge artístico de la zona y cómo iniciativas como esta refuerzan su carácter dinámico. En el artículo se reconoce el valor de este tipo de respuestas creativas frente a las tensiones del entorno urbano y se destaca a Marquesa Gallery como ejemplo de galería activa, implicada y conectada con su contexto. Puedes leer el artículo completo aquí.

Más allá del cierre: un nuevo comienzo

Aunque el mural de Iker Muro aún no ha sido pintado, su elección ya ha marcado un antes y un después en la historia de la galería. Para nosotros, este concurso ha sido mucho más que una respuesta puntual: es una declaración de intenciones. Apostamos por una galería abierta al entorno, que reacciona, dialoga y genera oportunidades reales para los artistas. La palabra “FUERA” que una vez apareció como un mensaje excluyente se ha convertido en símbolo de todo lo contrario: una puerta de entrada a la creación, al barrio y al futuro del arte contemporáneo.

Estaremos compartiendo el proceso y resultado final a medida que se acerque la fecha. Lo que comenzó con una pintada anónima, pronto se transformará en una obra que pertenecerá a todos.

El arte puede —y debe— estar presente también cuando bajamos la persiana.

Cuando entramos en una casa y vemos una obra de arte en la pared, no solo estamos ante un objeto decorativo. Estamos, en muchos casos, ante una historia, un recuerdo, una emoción contenida en forma visual. El arte tiene el poder de transformar un espacio, pero también el de acompañarnos emocionalmente. ¿Cómo elegir entonces piezas que no solo nos gusten, sino que realmente conecten con nosotros?

Hay algo instintivo en esa conexión que sentimos con ciertas obras: una especie de reconocimiento emocional, de afinidad íntima. No importa si eres coleccionista experimentado o si estás empezando: aprender a escuchar esa intuición es clave para construir una relación genuina con el arte.

Elegir desde la emoción, no desde la moda

En un mundo lleno de tendencias y algoritmos, puede parecer tentador dejarse llevar por lo que está «de moda». Pero el arte es algo profundamente personal. Una obra no tiene por qué encajar con el sofá, sino con quién eres tú.

Piénsalo así: ¿qué quieres que sienta alguien cuando entre a tu salón? ¿Qué quieres sentir tú cada vez que mires esa pared? Algunas obras invitan a la calma, otras a la reflexión, otras a la fantasía. En nuestra exposición actual, por ejemplo, las piezas oníricas de María Brzozowska despiertan mundos interiores llenos de simbolismo, perfecto para quienes buscan crear un ambiente envolvente y poético.

Exposición Maria Brzozowska, Marquesa Gallery

El arte como espejo (y como ventana)

Una buena forma de elegir una obra es preguntarte: ¿qué parte de mí refleja esto? A veces vemos en una pintura algo que nos representa, que habla de nuestra historia, de nuestros deseos. Otras veces, el arte es una ventana hacia lo que aún no somos, pero aspiramos a integrar en nuestra vida.

Las obras de artistas como Claudia Alonso Allende, inspiradas en frescos antiguos de la Comunidad de Madrid, generan una conexión con la memoria, lo ancestral y lo íntimo. Perfectas para personas que buscan una estética con raíces, cargada de sentido, pero contemporánea.

Claudia Alonso Allende, Galería de los Espejos, 197 x 150 cm. Técnica mixta sobre lienzo, 2024

Tu espacio también habla: armonía entre obra y entorno

Aunque lo emocional es central, también es importante considerar el espacio donde irá la obra. No se trata de «combinar», sino de crear diálogo entre la pieza y el entorno. La iluminación natural, el tamaño de la pared, los colores predominantes, incluso el ritmo del mobiliario, pueden influir en cómo una obra se integra o resalta.

En nuestra galería, nos encanta acompañar a nuestros clientes en este proceso. A veces, incluso llevamos obras en préstamo a sus hogares para ver cómo funcionan en su entorno real. Es una experiencia que transforma el vínculo con el arte, y que muchos valoran por lo íntima que resulta.

¿Y si no entiendo de arte?

Una de las preguntas más frecuentes que recibimos es: ¿pero cómo voy a saber si es buena si no sé de arte?
La respuesta es sencilla: no necesitas saber, necesitas sentir.
Sí, el conocimiento es valioso, pero el primer filtro debe ser emocional. Si una obra te detiene, te emociona, te hace pensar o te hace compañía, entonces ya tiene valor para ti.

Nosotros creemos que no hay preguntas incorrectas, ni gustos “equivocados”. Lo importante es empezar ese camino. Para quienes deseen profundizar, también ofrecemos asesoría personalizada, tanto para adquirir una primera obra como para quienes ya tienen una colección y quieren ampliarla con sentido.

El arte como compañía duradera

Elegir una obra de arte es una decisión significativa. No es un objeto más: es algo que va a acompañarte en tus días buenos y malos, que crecerá contigo y con tu espacio. Y, como toda buena compañía, debe conectar contigo en un nivel más profundo.

Te invitamos a visitarnos en Calle Marquesa de Argüeso 38 (Carabanchel) y vivir esa experiencia. En cada exposición encontrarás piezas con distintas voces, lenguajes y emociones. Quizás una de ellas esté esperándote, aunque todavía no lo sepas.

Las galerías de arte, especialmente aquellas dedicadas al arte contemporáneo, ofrecen una posibilidad única: sumergirte en lenguajes visuales, simbólicos y sensoriales que hablan de nuestro presente desde múltiples perspectivas. Cada exposición es una invitación a detenerse, a dejarse provocar, a conversar con lo que no siempre se entiende de inmediato. Y en esa experiencia de desaceleración, cuestionamiento y descubrimiento, algo se transforma en quien mira.

El mito de la galería como espacio exclusivo

¿Son las galerías para todos?

Uno de los grandes prejuicios que persisten en torno a las galerías es que se trata de lugares elitistas, reservados para coleccionistas, críticos o personas “que saben de arte”. Esta percepción aleja a muchos potenciales visitantes que, por inseguridad o desconocimiento, sienten que esos espacios no son para ellos.

Pero la realidad está muy lejos de ese cliché. Hoy en día, muchas galerías trabajan activamente para romper esas barreras y acercarse a un público más diverso. Entrar a una galería es gratuito, no requiere conocimientos previos y, en muchos casos, es una de las formas más estimulantes de acercarse a la cultura contemporánea. No se trata de “entender” el arte, sino de vivirlo. Dejarse afectar, sorprender, confundir o emocionar. El arte contemporáneo no siempre ofrece respuestas claras, pero sí plantea preguntas que nos enriquecen.

A diferencia de los museos, las galerías permiten una relación más directa y humana con la obra, el espacio y quienes lo gestionan. Puedes recorrerlas a tu ritmo, detenerte donde quieras, hacer preguntas, conversar con los galeristas o incluso con los propios artistas si visitas el día de la inauguración o asistes a una charla.

El arte contemporáneo como espejo (aunque a veces incomode)

¿Qué ves cuando miras una obra?

El arte contemporáneo, a diferencia del clásico o histórico, no siempre se presenta con claves evidentes. No pretende ser “bello” en el sentido tradicional, ni contar historias cerradas. Su función, muchas veces, es provocar. Poner en tensión nuestras certezas. Cuestionar lo que damos por hecho. Por eso puede resultar desconcertante al principio.

Pero también por eso es tan poderoso. Porque activa procesos de pensamiento, de sensibilidad y de intuición que no tienen lugar en otros espacios. Al enfrentarte a una instalación, una pintura abstracta o una obra conceptual, lo importante no es si la entiendes o no, sino qué te hace sentir, pensar o recordar. El arte contemporáneo es un espejo: te devuelve una imagen de ti mismo y de tu mundo, aunque a veces distorsionada.

Galerías como espacios de comunidad

El arte también se comparte

Hoy en día, muchas galerías han dejado de ser meros espacios expositivos para convertirse en centros de encuentro cultural. Además de mostrar obras, organizan actividades que cruzan disciplinas: lecturas de poesía, visitas guiadas, charlas con comisarios, talleres o performance.

Este tipo de programación genera comunidad, acerca a públicos diversos y multiplica las formas en las que una persona puede conectar con una obra. En estos eventos, el arte se vuelve más cotidiano, más accesible, más vinculado a lo que vivimos día a día.

En Marquesa Gallery, ubicada en Carabanchel, Madrid. Hemos apostado por una visión cálida, cercana y multidisciplinar del arte contemporáneo. Hemos ofrecido desde exposiciones comisariadas con rigor hasta recitales de poesía contemporánea entre pinturas surrealistas. Aquí, el arte no se muestra desde el pedestal, sino desde el diálogo. Aunque no es la única galería que apuesta por esta cercanía, sí representa bien esta nueva forma de hacer galería: abierta y viva.

Descubrir talento antes de que sea mainstream

Las galerías como radar del presente

Visitar una galería también es una forma de explorar el presente del arte, y anticipar su futuro. Muchas veces, los artistas que exponen en galerías pequeñas o medianas son aquellos que, con el tiempo, serán parte de colecciones institucionales, ferias o museos. Acudir a una exposición hoy es como estar en el ensayo general de algo que más adelante ocupará titulares.

Pero además, seguir el trabajo de un artista a lo largo del tiempo —ver cómo evoluciona, cómo se arriesga, cómo cambia de soportes o temas— permite una comprensión mucho más rica de lo que significa crear en nuestro tiempo. Las galerías son también lugares de proceso, de experimentación, de obra viva.

María Brzozowska

No hace falta saber: solo estar dispuesto a mirar

Romper el miedo al “yo no entiendo de arte”

Una de las frases más repetidas por quienes no se acercan al arte contemporáneo es: “Es que yo no entiendo”. Como si el arte fuera un examen o una prueba que hay que superar. Pero el arte no es un acertijo ni una ecuación: es una experiencia. No necesitas saber historia del arte, ni dominar el lenguaje académico. Solo necesitas estar dispuesto a mirar con honestidad, a darte permiso para no entender, a sentir sin necesidad de justificar.

En muchas galerías, los responsables están encantados de conversar, de acompañarte, de explicarte lo que desees saber. De hecho, son espacios ideales para aprender sin presión, en diálogo. Porque el arte contemporáneo no es para unos pocos: es para cualquiera que se atreva a hacerle preguntas al mundo.

Hacer turismo cultural con otra mirada

Rutas alternativas por la ciudad

Si visitas Madrid o vives en la ciudad, incluir galerías de arte en tu recorrido cultural puede cambiar por completo tu percepción del entorno. Más allá de los museos y centros institucionales, existe una red de galerías que te permite descubrir el arte desde una perspectiva local, fresca y en constante movimiento.

Barrios como Carabanchel, Lavapiés, Malasaña o Salesas ofrecen circuitos de galerías que puedes recorrer caminando. Cada espacio tiene su identidad, su ritmo, su propuesta. Puedes pasar de una galería con una instalación inmersiva a otra que apuesta por la pintura figurativa, o por la fotografía experimental. Esa diversidad es parte del encanto.

Mirar el mundo con otros ojos

Visitar una galería de arte no es solo un plan cultural. Es un acto de presencia, de escucha y de transformación. Te invita a salir del piloto automático y a reconectar con tus sentidos, tu pensamiento y tu emoción. Te ayuda a entender mejor el tiempo en el que vives, y también a comprenderte un poco más a ti mismo.

Así que la próxima vez que camines por la ciudad y veas una galería abierta, entra. No necesitas una cita. No necesitas saber. Solo necesitas estar dispuesto a mirar. Porque en ese gesto tan simple, tan cotidiano, puede estar la semilla de una mirada nueva.

Y si estás en Madrid, Marquesa Gallery te espera con las puertas abiertas. No para que entiendas, sino para que sientas. Para que descubras que el arte también puede ser un lugar donde quedarse un rato… y salir mirando distinto.

Con motivo de su exposición Magic in Bloom en Marquesa Gallery, conversamos con la artista polaca María Brzozowska sobre el concepto que atraviesa su obra, el proceso que hay detrás de cada pieza y su particular manera de explorar la transformación, la feminidad y el poder del mundo onírico.

Sobre la exposición y su concepto

«Magic in Bloom» es un título evocador. ¿Qué significa para ti y cómo se refleja en las obras que presentas?

El título Magic in Bloom captura la esencia de la transformación. “Magia” alude a esas fuerzas invisibles del cambio, a esos movimientos silenciosos que nos moldean, mientras que “florecer” es una metáfora del surgimiento, del crecimiento y del autodescubrimiento.

Desde hace tiempo me atrae el simbolismo del jardín, no solo como un espacio físico, sino como un lugar de memoria, evolución y posibilidad. En esta exposición, cada pieza encarna una etapa del florecimiento interior, como si atravesáramos distintos portales dentro de un paisaje surrealista. Inspiradas en el folclore, la literatura y la naturaleza onírica de la transformación, las obras exploran la magia presente en el crecimiento —ya sea en la naturaleza, en uno mismo o en esos espacios liminales entre ambos.

Tus pinturas tienen una atmósfera mágica y onírica. ¿Cómo creas esa sensación de ensoñación en tu trabajo?

El paisaje cambiante de mis obras encarna la idea surrealista de que la transformación es un proceso continuo y fluido. Los surrealistas creían que al explorar lo irracional y lo onírico, podíamos acceder a una realidad más profunda y mágica, una realidad siempre en movimiento y nunca fija. Desde esta perspectiva, lo mágico y lo cotidiano no son reinos separados, sino dos caras de una misma moneda, unidas por el poder de la imaginación. Uno alimenta al otro, reflejando una necesidad humana fundamental de ambos.

Para crear esta sensación de ensoñación, disuelvo los límites entre realidad y sueño, mezclando lo místico con lo tangible. Elementos familiares como figuras, arquitectura o fragmentos de naturaleza se sitúan en entornos extraños y desconocidos, evocando una sensación de “familiaridad extraña”. Esta disonancia refleja la experiencia del sueño, donde lo conocido y lo desconocido se fusionan en armonía fluida. A través del color, la composición y los motivos simbólicos, distorsiono la lógica y la percepción, invitando al espectador a un mundo imaginario, uno que solíamos visitar en la infancia. Cuando lo revisitamos como adultos, conlleva una sensación de nostalgia y seguridad, como volver a un sueño que una vez conocimos.

Floral Alchemist, 80 x 100 cm. Acrílico sobre lienzo, 2025

¿Hay algún tema o mensaje que quisieras destacar especialmente en esta exposición?

En Magic in Bloom quería resaltar el tema de la transformación, utilizando el jardín surrealista como metáfora del crecimiento, la renovación y el autodescubrimiento. El jardín, como espacio donde se disuelven los límites entre realidad e imaginación, refleja la naturaleza cíclica de la vida y el proceso constante de convertirse en otra cosa. Cada pieza explora cómo dejamos atrás versiones antiguas de nosotros mismos para dar paso a otras nuevas, del mismo modo que la naturaleza florece y cambia con las estaciones.

En el centro de esta exposición está la experiencia femenina: la resiliencia, la intuición y esas fuerzas silenciosas y muchas veces invisibles que nos moldean. Florecer, en este contexto, se convierte en símbolo de la fuerza y la magia que habitan en el viaje femenino de transformación.

También quise evocar la sensación de los espacios liminales, esos lugares intermedios donde realidad y sueño se entrelazan. Estas obras habitan un espacio en el que lo conocido y lo desconocido coexisten. Esta “familiaridad extraña” genera una atmósfera onírica que permite a los espectadores reconectar con sus mundos interiores, ofreciendo un momento de introspección, asombro y renacimiento personal.

¿Cómo influye la naturaleza en tu obra y qué papel juega en esta serie?

La naturaleza tiene un papel fundamental en mi trabajo. Es un lugar donde encuentro paz, inspiración y una profunda conexión con mi proceso creativo. A menudo recurro a ella por sus colores, texturas y ritmos, que nutren y dan forma al lenguaje visual de mis pinturas. En Magic in Bloom, mi inspiración principal surgió al observar los primeros signos de la primavera tras el invierno: ese surgir sutil y silencioso de la vida después de un período de quietud.

El ciclo natural, con su crecimiento, desprendimiento y renovación constantes, refleja los temas de transformación y renacimiento que son el núcleo de esta exposición. Quise capturar la magia y fragilidad de esos momentos en los que la naturaleza despierta de forma inesperada y casi onírica, invitando al espectador a reflexionar sobre sus propios ciclos de crecimiento y autodescubrimiento.

Kingdom of leaves, 40 x 60 cm. Acrílico sobre lienzo, 2025

Sobre el proceso creativo

¿Cómo comienza una nueva obra para ti? ¿Sueles seguir un proceso definido o dejas espacio a la improvisación?

Mi proceso comienza con la creación de un fondo puramente abstracto. Selecciono una paleta de dos o tres colores principales y sus variaciones, lo que establece el tono de la obra. Esta etapa es muy intuitiva y lúdica: abrazo la espontaneidad e incluso los errores, permitiendo que surjan texturas y formas inesperadas.

A partir de ahí, empiezo a esbozar la imagen y la narrativa que se desarrollará sobre el lienzo. Los trazos y texturas del fondo me guían, moldeando las escenas oníricas que van apareciendo. Aunque parto de una visión inicial, las ideas suelen evolucionar de manera orgánica a lo largo del proceso, dando lugar a nuevos elementos y capas no planeadas. Este equilibrio entre estructura e improvisación mantiene mi trabajo fluido, permitiendo el descubrimiento y la transformación en cada pieza.

¿Qué técnicas y materiales utilizaste en esta exposición? ¿Hubo algo diferente respecto a tus trabajos anteriores?

En esta exposición trabajé con pintura acrílica y óleo. Fue la primera vez que incorporé óleo a mi proceso, lo que me permitió experimentar con texturas más ricas y una sensación distinta de profundidad. También exploré formatos más grandes, incluidos lienzos de 100 × 140 cm, y realicé por primera vez un díptico (140 × 200 cm).

Trabajar con dípticos fue un cambio emocionante: expandir una historia a través de varios lienzos genera una sensación de continuidad y expansión, como en las estructuras narrativas de las obras de El Bosco. Esta aproximación me permitió explorar la interconexión de mis imágenes de una manera nueva, invitando al espectador a sumergirse en composiciones que funcionan como mundos en evolución, más que como momentos aislados.

Primordium awakening, 140 x 200 cm. Técnica mixta sobre lienzo, 2025

¿Hay artistas o movimientos artísticos que hayan influido especialmente en esta serie?

El jardín surrealista de Magic in Bloom está profundamente influido por mujeres artistas surrealistas que transformaron el mundo natural en territorios de misterio y exploración interior. Los paisajes místicos y bosques encantados de Remedios Varo inspiran la idea del viaje por espacios cambiantes y transformadores. Las escenas oníricas de Leonora Carrington, pobladas de criaturas míticas y mujeres etéreas, exploran la feminidad, la identidad y el subconsciente de forma mágica e íntima.

Las representaciones fantásticas de mujeres en la obra de Dorothea Tanning despiertan curiosidad y deseo de autodescubrimiento, mientras que las figuras femeninas enigmáticas de Leonor Fini encarnan fuerza y misterio, conectando con la idea del florecer como una metamorfosis tanto externa como interna. Además, la narrativa intrincada de El Bosco ha influido en mi manera de componer. Su habilidad para entrelazar múltiples relatos en una sola pintura me inspiró a crear mundos interconectados, donde escenas distintas se desarrollan simultáneamente, invitando a una experiencia no lineal e inmersiva.

Sobre simbolismo e interpretación

Tu obra tiene un fuerte componente narrativo. ¿Te interesa contar historias específicas o prefieres dejar espacio para la interpretación del espectador?

Prefiero crear pequeñas narrativas interconectadas dentro de cada imagen, permitiendo que emerjan múltiples capas de significado. Como en las obras de El Bosco, que invitan al espectador a descubrir historias ocultas, yo construyo mundos oníricos donde distintos momentos coexisten, fomentando una experiencia inmersiva y no lineal.

Mi trabajo se inspira en el realismo mágico, donde elementos familiares se sitúan en contextos inesperados, desdibujando la línea entre lo real y lo imaginado. En lugar de contar una historia cerrada, creo espacios abiertos que invitan a la interpretación personal. Cada obra se despliega como un poema visual, donde el sentido no está fijado, sino que se revela a través de la contemplación, permitiendo que el espectador conecte sus experiencias y emociones con los temas.

The Sisterhood of the Magic Forest, Detalle

Tu uso del color es muy distintivo. ¿Cómo eliges tu paleta y qué significado tiene en esta exposición?

Dedico mucho tiempo a observar y analizar pinturas que me inspiran, estudiando las relaciones cromáticas y cómo interactúan en la composición. Desarrollo mis propias paletas a través de la experimentación, superposición y mezcla, para generar profundidad y atmósfera. Aunque mis elecciones son intencionadas, también hay mucho de descubrimiento. Dejo que los colores guíen el proceso y que surjan armonías inesperadas.

Mi enfoque está basado en la teoría del color, utilizando contrastes y relaciones para enfatizar o fundir elementos según la necesidad. Algunos tonos generan tensión, mientras que otros disuelven las formas en su entorno, reforzando la cualidad onírica del conjunto. El color se convierte en algo más que una decisión estética: define el ambiente, las emociones de la pieza y las conexiones entre sus diferentes narrativas.

En esta colección, quise que el color transmitiera la esencia de la primavera. Tras la paleta apagada del invierno, los primeros brotes de color vibrante aportan una poderosa sensación de esperanza y renovación. Intenté reflejar esta energía mediante tonos verdes, azules y rosas, evocando tanto la frescura de la naturaleza como la sensación de despertar.

La feminidad es un tema recurrente en tu obra. ¿Cómo lo exploras en Magic in Bloom?

La feminidad es un eje central en Magic in Bloom, y la exploro desde la transformación tanto personal como colectiva. La exposición se inscribe en la tradición de mujeres artistas que han reclamado sus narrativas, usando el arte para expresar la complejidad de la experiencia femenina. Aunque el reconocimiento hacia las surrealistas ha crecido solo en los últimos años, sus obras siempre han sido esenciales en la evolución del arte. Estas mujeres convirtieron lo personal en símbolos universales de crecimiento, poder y renacimiento. Me inspiro en esa tradición para destacar el viaje femenino hacia el autoconocimiento y la evolución.

Néctar City, 60 x 60 cm. Acrílico sobre lienzo, 2025

Aquí, la feminidad se manifiesta mediante la metáfora del jardín: un espacio de crecimiento continuo y transformación. Como las surrealistas que utilizaron la imaginería botánica para explorar vida, muerte y renacimiento, yo uso el jardín para representar esos espacios psicológicos y emocionales donde el ser femenino puede florecer y evolucionar sin restricciones externas. Las figuras de mis obras representan distintas etapas de la transformación femenina, transitando espacios que permiten la realización interior, la libertad y el empoderamiento.

El jardín surrealista de mi obra es una metáfora del inconsciente femenino, un lugar donde se nutren los deseos, sueños y emociones. Estas formas y figuras no son solo símbolos de crecimiento, sino de libertad para abrazar el cambio. En esta exposición, la feminidad se presenta como un proceso continuo y en constante evolución, donde el crecimiento no tiene límites y se abren nuevas posibilidades de expresión y empoderamiento.

Melancholia’s garden, 140 x 100 cm. Técnica mixta sobre lienzo, 2025

Proyectos futuros

¿Qué ha significado para ti exponer en Marquesa Gallery y hacerlo durante la Semana del Arte de Madrid?

Esta exposición marca un momento clave en mi camino artístico, ya que llega después de una etapa de introspección y silencio creativo. Me ha dado el espacio y la libertad para materializar todas las ideas que venía cultivando. Ha sido, en lo personal, una transición del invierno a la primavera. Tras mucho tiempo observando y reflexionando en silencio, esta muestra me permitió canalizar esas vivencias interiores en algo tangible.

La galería y el contexto de la Semana del Arte en Madrid ofrecieron el entorno perfecto para explorar nuevas posibilidades y asumir riesgos con mi obra, ampliando límites. Ha sido una oportunidad increíble para convertir emociones e ideas en un cuerpo de trabajo coherente, y estoy profundamente agradecida por compartirlo con un público tan dinámico.

Inauguración Magic in Bloom

Lo que hizo esta experiencia aún más especial fue la colaboración con el equipo de Marquesa Gallery. Trabajamos muy de cerca para dar vida a una visión compartida, y ese sentido de compañerismo hizo que todo el proceso fuera verdaderamente significativo. La inauguración también fue un momento fantástico: ver al público interactuar con mis obras, hacer preguntas, detenerse ante los detalles… Fue un recordatorio de por qué creo arte. Como artista, no hay nada más gratificante que ver a las personas conectar con tu trabajo y emprender su propio viaje de descubrimiento a través de él.

¿Qué proyectos tienes en mente después de Magic in Bloom? ¿Hay algo nuevo que te gustaría explorar en tu arte?

Crear, crear, crear —ese es el impulso que me ha dejado Magic in Bloom. Esta exposición me ha devuelto la chispa, esa certeza de que estoy en el camino correcto. Me ha recordado el poder de la creación y ha reavivado mi entusiasmo. Tengo muchas ideas, y ahora siento que es momento de darles forma, de organizarlas y convertirlas en algo concreto.

Un área que quiero seguir explorando es la imaginería y narrativa del folclore. El simbolismo y la mística del folclore me resultan profundamente inspiradores, y siento que aún queda mucho por descubrir en ese universo. Me emociona profundizar en cómo estas historias pueden evolucionar dentro de mi obra. Más allá de eso, estoy abierta a nuevas ideas y experiencias que puedan surgir. Siempre hay algo nuevo por descubrir, y quiero seguir empujando los límites de mi práctica artística.