Una noche para recordar

El viernes 12 de septiembre vivimos en Marquesa Gallery una de esas noches que marcan la historia de nuestra galería. Inauguramos la exposición Ahuecar: 50 años de pintura, dedicada a Santiago Serrano, y lo hicimos acompañados de muchos amigos, coleccionistas, artistas y amantes del arte que quisieron compartir con nosotros este momento tan especial.

La sala se llenó de conversaciones en torno a la obra de Serrano, de reencuentros y de nuevas miradas que descubrieron por primera vez la fuerza de su pintura. Fue una inauguración cálida, cercana, con la presencia del propio artista, que pudo sentir de primera mano el interés y la admiración de todos los asistentes.

Celebrar cinco décadas de pintura

La exposición reúne una selección de obras que recorren las distintas etapas de Serrano, desde los años setenta hasta la actualidad. En el recorrido se aprecia la evolución de un lenguaje pictórico sólido, en constante diálogo, y siempre fiel a la investigación plástica y conceptual.

Para muchos de los que nos acompañaron, fue una oportunidad única de acercarse a un artista fundamental de la pintura española contemporánea, cuya obra mantiene toda su vigencia y capacidad de emocionar.

Un ambiente único en Marquesa Gallery

Quienes estuvieron en la inauguración disfrutaron de la exposición, pero también de la experiencia de compartir juntos este homenaje a medio siglo de creación. Las imágenes y el vídeo que acompañan este artículo recogen parte de esa atmósfera: el diálogo entre obras y visitantes, las palabras compartidas con el artista y la energía que se generó en la galería durante toda la tarde.

Visitar Ahuecar

La exposición puede visitarse en Marquesa Gallery (Calle Marquesa de Argüeso 38, Carabanchel, Madrid) de miércoles a viernes, de 11:00 a 19:00, y los sábados de 11:00 a 14:30. También atendemos visitas privadas con cita previa.

Os invitamos a revivir con nosotros la inauguración a través del vídeo y las fotografías, y sobre todo, a venir a la galería para experimentar en persona la fuerza de la pintura de Santiago Serrano en Ahuecar: 50 años de pintura.

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

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Hay estudios de artistas que son como cápsulas del tiempo: espacios donde se respira la historia, el pensamiento y la emoción contenidos en décadas de trabajo. Así es el estudio de Santiago Serrano. Hace unos días, el equipo de Marquesa Gallery tuvo el privilegio de visitarlo para seguir preparando la gran exposición que inauguraremos en septiembre. Lo que encontramos fue mucho más que pinturas y bocetos: fue un universo entero, cargado de silencios, luces y gestos que hablan de la búsqueda constante de un artista por lo esencial.

Santiago Serrano (Villacañas, Toledo, 1942) es una de las figuras clave de la pintura contemporánea española. Con más de cinco décadas de trayectoria, su obra ha evolucionado desde los campos de color y las geometrías flotantes de los años 70 hasta las sutiles composiciones digitales de las últimas décadas. En cada etapa, su lenguaje se ha refinado para invitarnos a un lugar de contemplación y memoria.

Un recorrido por su universo creativo

Entrar en el estudio de Serrano es asistir a un diálogo entre pasado y presente. Sobre las mesas, pequeños cuadernos con dibujos y notas; en las paredes, obras en gran formato con capas de color suspendidas, casi respirando. En un rincón, estructuras tridimensionales de la serie Instrumentos de Pasión esperan ser revisitadas. Todo está impregnado de la serenidad y la disciplina de quien lleva toda una vida en el oficio.

En nuestras conversaciones, Santiago comparte reflexiones sobre su proceso creativo, sobre cómo la pintura puede ser a la vez material y espiritual. Nos habla de su primera exposición en la Galería Amadís (Madrid, 1971), un hito que marcó su ruptura con la figuración, y de cómo su obra fue adquiriendo un tono más introspectivo en los años 80.

“Lo que busco no es representar, sino sugerir. Que el espectador se acerque y, en silencio, complete la obra con su propia experiencia”, nos dice mientras señala un lienzo donde el negro y el ocre parecen fundirse en un espacio sin límites.

Pinceladas de una trayectoria

La exposición que estamos preparando será un recorrido por su universo desde los años 70 hasta hoy. Obras que forman parte de colecciones tan importantes como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fundación Juan March o el Museo de Bellas Artes de Bilbao dialogarán con piezas recientes, muchas de ellas inéditas.

En los años 90, Serrano se convirtió en pionero en España al incorporar la gráfica digital a su práctica artística, un gesto que le valió el Premio Nacional de Grabado (1996) y abrió nuevas posibilidades de exploración. En las últimas décadas, su pintura se ha despojado aún más, acercándose a un lenguaje esencial donde la luz y el espacio son los verdaderos protagonistas.

Lo que vendrá en septiembre

Queremos que la exposición en Marquesa Gallery sea mucho más que una muestra de obras. Será una experiencia inmersiva que permita descubrir las capas de sentido en la obra de Serrano. Además de la selección de pinturas y dibujos, estamos organizando encuentros y charlas en la galería para conocer de cerca al artista y su proceso.

Para los nuevos coleccionistas, será una oportunidad única de acercarse a un creador con una trayectoria sólida y un lenguaje poético inconfundible. Para los amantes del arte contemporáneo, un reencuentro con uno de los grandes renovadores de la abstracción española.

La transfiguración de la naturaleza en lenguaje pictórico

El trabajo de José Macías  parte del paisaje natural, pero no como una mera representación visual, sino como una experiencia interna. La naturaleza se convierte en detonante de un proceso introspectivo, en el que la memoria, la emoción y la energía vital se traducen en formas, texturas y colores cargados de significado.

El artista no pinta lo que ve, sino lo que siente. Cada obra se erige como una reconstrucción emocional del entorno, cargada de evocaciones personales. En este sentido, su abstracción paisajística nos conecta con algo universal: la forma en la que cada individuo habita y recuerda los espacios.

Diluvio azul prusia 102 x 102 cm. Resina sobre bastidor de madera 2024

Paisajes líquidos y memoria sensorial

En Diluvio azul prusia, José Macías expande su exploración del paisaje desde una mirada no descriptiva, sino sensorial. La obra no pretende capturar una escena, sino desencadenar una experiencia: una inmersión en la materia líquida del recuerdo, la emoción y el entorno.

La elección de la resina como medio poco convencional en la pintura de paisaje transforma la superficie en un espejo vibrante, casi hipnótico. El color azul prusia domina el campo visual, pero no como simple pigmento, sino como energía atmosférica. La fluidez del material, su transparencia, sus capas superpuestas, evocan la idea de un paisaje en transformación constante: tal vez una tormenta, un océano en agitación, o incluso una emoción desbordada.

Este “diluvio” no es apocalíptico, sino introspectivo. Nos habla de cómo lo natural, cuando se abstrae, puede convertirse en vehículo emocional. En la obra de Macías, el azul es más que un color: es una memoria de lo profundo, de lo incierto, de lo eterno. Y el bastidor de madera, como soporte rígido, contrasta con esa fluidez aparente, generando un diálogo entre lo que cambia y lo que permanece.

Esta pieza condensa la poética visual que define a Macías: un artista que no pinta lo que ve, sino lo que recuerda, lo que siente o lo que intuye. A través de Diluvio azul prusia, nos invita a sumergirnos en un paisaje sin límites, donde la naturaleza se convierte en emoción suspendida.

Iceland I 26 x 26 cm. Óleo sobre lienzo 2025

El uso de la materia como extensión de la memoria

Uno de los rasgos distintivos en la obra de Macías es la fuerza de la materia. La textura adquiere un papel protagonista: capas superpuestas, veladuras, craquelados, zonas erosionadas que evocan la acción del tiempo sobre la tierra. Esta materialidad no es solo un recurso estético, sino una declaración de intenciones: la historia personal y geográfica deja huellas.

En este contexto, el gesto pictórico se convierte en un acto emocional. El trazo no es meramente decorativo, sino un registro físico del movimiento, del impulso, del momento en que la emoción se convierte en imagen. En su conjunto, las obras invitan al espectador a una lectura casi táctil del paisaje abstracto.

Río Tinto 26 x 26 cm. Óleo sobre lienzo 2025

Diálogos con el entorno

José Macías establece un diálogo constante entre su interioridad y el paisaje. Para él, la naturaleza no es algo externo, sino un reflejo del mundo emocional. Este enfoque permite que cada obra establezca conexiones con quienes la observan: todos tenemos un paisaje que nos marca, un lugar que evocamos con nostalgia, un entorno que se ha vuelto parte de nuestra historia.

Este proceso de identificación emocional entre obra y espectador es precisamente lo que hace tan potente su propuesta. No se trata de representar montes, campos o mares, sino de construir experiencias que conectan a través de lo intangible. Su pintura se convierte así en una forma de mediación entre el mundo y nuestras vivencias más profundas.

Horizontes 48 cm. Óleo sobre papel 2025

La proyección de una obra con identidad

En los últimos años, el trabajo de Macías ha ganado una merecida atención. Su capacidad para conjugar la abstracción con una narrativa poética lo ha posicionado como una de las voces más originales dentro de la pintura contemporánea española. Ha expuesto en museos, ferias y espacios de referencia, consolidando una trayectoria en constante evolución.

José Macías logra, a través de su obra, reconfigurar nuestra forma de mirar el paisaje. Lo transforma en una experiencia introspectiva, matérica y emocional. Cada cuadro es un espacio de meditación sobre el recuerdo, el tiempo y la identidad. Su lenguaje abstracto, lejos de ser frío o intelectual, pulsa con vida y resonancia.

Para quienes buscan conectar con una pintura que va más allá de lo visible, Macías ofrece un camino. Un trayecto hacia los pliegues de la memoria, donde el paisaje se convierte en emoción pura. 

Marquesa Gallery ha apostado por su trabajo como parte de su compromiso con el arte que invita a la reflexión y la experiencia sensorial. En su espacio, la obra de Macías encuentra un lugar para expandirse, dialogar con otras piezas y alcanzar nuevos públicos. Esta colaboración impulsa el reconocimiento de su práctica dentro de circuitos de coleccionismo exigentes y atentos al valor simbólico del arte.

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

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