Del 2 al 5 de julio estaremos en el stand N3 de una de las ferias de arte contemporáneo más consolidadas de España

Marquesa Gallery participará por primera vez en ArteSantander, la reconocida feria internacional de arte contemporáneo que se celebra anualmente en la capital cántabra. Del 2 al 5 de julio de 2026, el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander volverá a reunir a galerías nacionales e internacionales, coleccionistas, profesionales del sector y amantes del arte en una cita imprescindible dentro del calendario artístico español.

Fundada en 1995, ArteSantander es una de las ferias más longevas del país y destaca por ofrecer una experiencia de visita especialmente cercana y pausada. Su apuesta por proyectos cuidadosamente definidos permite al público profundizar en las propuestas presentadas y descubrir con mayor atención el trabajo de los artistas participantes. A lo largo de sus más de tres décadas de trayectoria, la feria se ha consolidado como un espacio de encuentro entre creación contemporánea, coleccionismo y pensamiento artístico.

Para esta edición, Marquesa Gallery presenta en el stand N3 una selección de obras de Laura Segura, Bernabé Gilabert y Santiago Serrano. Tres artistas de generaciones y trayectorias muy distintas que, sin embargo, comparten una misma inquietud: explorar aquello que permanece más allá de lo inmediato.

Una propuesta sobre la permanencia

Vivimos en una época marcada por la velocidad, la sobreabundancia de imágenes y la constante renovación de estímulos. Frente a ese contexto, la propuesta de Marquesa Gallery en ArteSantander plantea una invitación a detenerse.

Las obras seleccionadas hablan de aquello que resiste el paso del tiempo. De los vínculos que mantenemos con la naturaleza, de la memoria que permanece en los espacios y de las preguntas esenciales que siguen acompañando al ser humano incluso en los momentos de mayor incertidumbre.

Aunque cada artista desarrolla un lenguaje propio, las obras presentadas establecen una conversación natural entre sí. Laura Segura encuentra en la materia y en los procesos de la naturaleza una forma de regresar al origen. Bernabé Gilabert convierte la arquitectura y sus huellas en una reflexión sobre el tiempo y la memoria. Santiago Serrano, por su parte, utiliza la abstracción y el símbolo para abordar las contradicciones del presente.

Tres miradas distintas que confluyen en una misma idea: la búsqueda de significado en un mundo cada vez más complejo.

Laura Segura: volver al origen

La obra de Laura Segura (Sevilla, 1985) se sitúa en el territorio donde arte, naturaleza y experiencia sensorial se encuentran. Su práctica artística parte de materiales orgánicos, procesos manuales y una profunda atención a los ciclos naturales para construir obras que conectan con aspectos esenciales de la existencia.

Laura Segura, Shambala53 x 24 x 24 cm. Refractario, cera de abeja y pintura cromada, 2024

A través de elementos como la cera de abeja, la porcelana, la lana o los pigmentos naturales, Segura desarrolla un lenguaje que trasciende lo visual y apela también a la memoria, al tacto y a la percepción del entorno. Sus piezas remiten constantemente a conceptos como el origen, el crecimiento, la transformación y la conexión entre el ser humano y la tierra.

Lejos de plantear una visión romántica de la naturaleza, la artista propone una relación consciente con ella, reivindicando su complejidad, su inteligencia y su capacidad para seguir ofreciendo respuestas a algunas de las preguntas fundamentales de nuestro tiempo.

Bernabé Gilabert: la memoria de los espacios

Las pinturas de Bernabé Gilabert nacen de una observación atenta de los lugares que habitamos. Muros, superficies arquitectónicas y estructuras transformadas por el tiempo sirven como punto de partida para una investigación que va mucho más allá de la representación.

Bernabé Gilabert, Des-habitadosAcrílico sobre lienzo 55 x 46 cm., 2022

Su lenguaje pictórico se caracteriza por una gran economía de medios y una notable precisión formal. Sin embargo, detrás de esa aparente sencillez se esconde una profunda carga emocional. Sus obras parecen contener historias silenciosas, recuerdos acumulados y rastros de vidas que ya no están presentes.

Gilabert convierte la arquitectura en memoria visual. Sus composiciones hablan del paso del tiempo, del desgaste y de la capacidad de los espacios para conservar experiencias invisibles. En una época dominada por la inmediatez, su trabajo reivindica la contemplación y la atención a aquello que suele pasar desapercibido.

Santiago Serrano: una mirada imprescindible del arte español contemporáneo

Santiago Serrano es una de las figuras fundamentales del arte español de las últimas décadas. Con más de sesenta exposiciones individuales y presencia en importantes colecciones nacionales e internacionales, su trayectoria ocupa un lugar destacado dentro de la historia reciente de la pintura contemporánea.

Santiago Serrano, Silenciarios y Quimeras Técnica mixta sobre lienzo, madera y hierro 124 x 253 cm. 2024

A lo largo de más de cinco décadas de trabajo, Serrano ha desarrollado una investigación constante en torno a la abstracción, la geometría y el pensamiento visual. Su obra forma parte de instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, así como de destacadas colecciones privadas dentro y fuera de España.

En Arte Santander presentamos obras de sus series Silenciarios y Quimeras y Acero Rosa, un conjunto en el que el artista reflexiona sobre algunas de las tensiones que definen el presente. El acero aparece como símbolo de un mundo marcado por la dureza, la incertidumbre y el conflicto, mientras que el rosa introduce una dimensión aparentemente más ligera, asociada a la fragilidad o a la búsqueda de belleza.

A través de formas depuradas y estructuras de gran fuerza visual, Serrano transforma estas contradicciones en una experiencia estética que invita a la reflexión, demostrando la extraordinaria vigencia de una trayectoria artística que sigue dialogando con nuestro tiempo.

Visítanos en ArteSantander 2026

Además de la programación expositiva, Arte Santander contará con actividades complementarias como encuentros profesionales, conversaciones en torno al arte contemporáneo, proyectos editoriales y propuestas dirigidas a nuevos públicos, ampliando la experiencia más allá de los stands.

Te esperamos del 2 al 5 de julio de 2026 en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander.

Marquesa Gallery – Stand N3

Una oportunidad para descubrir tres formas diferentes de entender el arte contemporáneo y una propuesta construida alrededor de aquello que, pese al paso del tiempo, permanece.

La relación entre naturaleza y territorio ha adquirido una nueva complejidad dentro del arte contemporáneo. La práctica artística actual aborda el territorio desde diferentes vertientes, por ejemplo: como una construcción cultural, o política en constante transformación. El paisaje se convierte de esta manera en un espacio donde confluye memoria, identidad, tecnología, intervención humana y procesos naturales.

En este contexto, diversos artistas exploran las tensiones que atraviesa la sociedad contemporánea con el entorno. A través de aproximaciones diferentes y únicas, Antonio Guerra, Peter Smyth, Neil Wright y Rubén Martín de Lucas ofrecen cuatro lecturas distintas sobre la manera en que la naturaleza y el territorio se configuran en el presente.

Antonio Guerra: el paisaje como un sistema híbrido

La práctica artística de Antonio Guerra pretende reflexionar sobre los procesos de transformación del territorio, y la potente conexión entre paisaje, imagen y contextos culturales. De esta manera, indaga sobre la construcción de las percepciones contemporáneas del paisaje, entendiendo este último como una estructura en permanente redefinición.

Es muy común en el mundo del arte al escuchar la palabra «Galería» pensar en un lugar hostil, frío y reservado únicamente a los grandes coleccionistas. Prácticamente todos hemos recorrido alguna vez las salas de un museo en busca de disfrute estético o intelectual pero, ¿Cuántos de nosotros hemos entrado en una galería de arte por el mero hecho de curiosear?

Sería absurdo negar el interés económico detrás de la galería, pues es un negocio más dentro de los que componen el mercado del arte, pero frecuentemente nos olvidamos de que estos espacios están abiertos a todo el público, tanto clientes como visitantes. Funcionan como mecanismos de difusión del arte más inmediato, canales por los que los artistas vivos pueden mostrar la constante evolución de la Historia del Arte. El hecho de renovar las exposiciones con tanta frecuencia da lugar a una actualización casi inmediata de lo que está pasando en el panorama artístico actual. Demuestran así una función social dentro del panorama artístico, enfocada a la educación y el recreo.

Estas salas no se limitan únicamente a comerciar con las obras o mostrar exposiciones, sino que van un paso más allá con el fin de conectar de una forma mucho más cercana con el público. Estos espacios han ido desarrollando una serie de mecanismos, no siempre enfocados a la venta, para despertar interés en el público como son charlas, visitas guiadas o actividades con artistas.

Desde Marquesa Gallery, por ejemplo, se han organizado actividades gratuitas en línea de lo lúdico, educativo y recreativo totalmente alejadas del mundo de las ventas:

El 25 de abril de 2025 tuvimos la oportunidad de participar en el programa Arte en mi cole, un proyecto para acercar el arte a los más pequeños. Inauguramos Explosición, una muestra colectiva del trabajo artístico de alumnos del Colegio de Piedralaves. Con el artista Rubén Martín de Lucas a la cabeza, los niños tuvieron la oportunidad de realizar y mostrar obras completamente suyas. El resultado fue una mezcla de creatividad, juego y energía en estado puro.

Un día después, el 26 de abril de 2025, tuvo lugar un recital de poesía de la mano de  Zuria Gómez, Irene Isla y Silvi Orión en el contexto de la exposición Magic in Bloom de María Brzozowska. Se trató de una forma diferente de recorrer la exposición, viviendo la galería y buscando la culturización desde un punto de vista más llamativo. Durante el recital se creó una atmósfera de cercanía y escucha verdadera, cualidades que gran parte de la población no concibe cuando piensa en una galería.

De igual forma, el 7 de marzo de 2026 organizamos una mesa redonda titulada Mujeres y liderazgo: experiencias desde el arte, la tecnología y la empresa. En ella participaron Marcela Cantuária (Artista de la galería), Victoria Rivers (Comisaria de arte y escritora), Rosa Amin (Directora del área de soluciones Financieras en una multinacional tecnológica), Carolina Gordillo Preciado (Ingeniera Industrial y de Sistemas), Bienve Valencia Vázquez (Directora especializada en innovación y transformación digital) y Esther Abellán Galdós (Ingeniera de ventas). Las ponentes dieron su testimonio sobre la experiencia de construir una trayectoria y ejercer liderazgo como mujer en distintos ámbitos profesionales.

En definitiva, no podemos pasar a un segundo plano la función social de una galería de arte contemporáneo, su contribución a la vida cultural del lugar en el que se emplace ni su impacto en la sociedad. Son salas de encuentro y conversación que apuestan por artistas emergentes y generan pensamiento crítico. Es muy importante comenzar a deconstruir el concepto tradicional que se tiene sobre la galería para comenzar a verla como un espacio mucho más accesible.

El pasado 5 de junio inauguramos en Marquesa Gallery la nueva exposición individual del pintor José Luis Ceña: El eco del otro, comisariada por Adonay Bermúdez. Esta propuesta está centrada en la construcción de la identidad a través del símbolo de la máscara que, en palabras del comisario, lejos de ser un elemento de ocultación, funciona como un umbral entre lo que somos y lo que podemos llegar a ser.

Los protagonistas de estas obras son niños, que cubren sus rostros con máscaras de animales, metáforas de la transformación, el juego y la exploración identitaria que caracteriza los primeros años de vida. Ceña nos invita mediante la máscara y la infancia a considerar también las máscaras de la vida adulta, aquellas que no corresponden a la lúdica sino a convenciones, expectativas o imposiciones sociales. La exposición es, al fin y al cabo, una mirada sensible a los procesos de construcción que afectan a cada individuo. Cada lienzo invita al espectador a preguntarse quién es y quién podría llegar a ser.

Con esta exposición reafirmamos nuestro compromiso con propuestas que abordan cuestiones esenciales de nuestras vidas desde lenguajes visuales contemporáneos. No es únicamente un recorrido estético de gran calidad pictórica, sino que es una experiencia de reflexión sobre la construcción del yo, la alteridad y la capacidad transformadora de la imaginación.

La inauguración congregó a coleccionistas, profesionales del sector, amantes del arte contemporáneo y amigos que tuvieron la oportunidad de conocer al artista y tomar contacto con su obra. La muestra podrá visitarse en Marquesa Gallery hasta el 31 de julio de miércoles a viernes de 11:00h a 19:00h y sábados de 11:00h a 14:30h.

¿Qué significa para ti presentar esta exposición en Marquesa Gallery en este momento de tu trayectoria?

Presentar esta exposición en Marquesa Gallery supone un momento especialmente significativo dentro de mi trayectoria. Llega en una etapa de madurez artística en la que siento que mi lenguaje visual está más consolidado, pero también más abierto a nuevas preguntas. Por otro lado vuelvo a Carabanchel, que es el barrio que me adoptó cuando llegué a Madrid a los 15 años: además un Carabanchel convertido en foro cultural increíble en continuo crecimiento.

Para mí no se trata tanto de mostrar resultados como de compartir un proceso de investigación que sigue vivo y que encuentra en este espacio un contexto ideal para conversar con el público.

¿Cómo ha sido el proceso de construir esta exposición en concreto?

Ha sido un proceso largo y muy orgánico. Aunque algunas de las ideas llevaban tiempo acompañándome, la exposición se ha ido construyendo a medida que las obras comenzaban a dialogar entre sí. Más que partir de un concepto concreto y cerrado, he trabajado abierto a lo que cada pieza iba demandando, permitiendo que aparecieran relaciones inesperadas y nuevas líneas de trabajo.

¿Cómo te gustaría que el visitante recorra la exposición: hay una narrativa o es una experiencia más libre?

Existe una estructura interna y ciertos vínculos entre las obras, pero no me interesa imponer una lectura única. Prefiero que el visitante construya su propio recorrido, que descubra conexiones personales y que encuentre espacios para la interpretación. La exposición propone un marco, pero la experiencia final la completa quien la visita.

¿Qué crees que diferencia esta exposición de trabajos anteriores tuyos?

Quizá esta exposición es una de las más personales que he realizado hasta ahora. No porque hable directamente de mí, sino porque reflexiona sobre algo que nos atraviesa a todos: la necesidad de construirnos, de transformarnos y de reconocernos en el otro.

Jose Luis Ceña, Stillness before the dive, 50 x 50 cm. óleo sobre lino, 2026

Si alguien sale de la exposición con una idea o sensación concreta, ¿Cuál te gustaría que fuera?

Me gustaría que saliera con la idea de volver a entrar, de no saber exactamente qué rostro ha estado mirando. Si el espectador sale con alguna certeza menos y algunas preguntas más, probablemente la exposición haya cumplido su función.

¿Qué parte de esta exposición crees que habla más de ti como artista hoy?

La manera en que conviven el acierto y el error. Lo narrativo y lo visual. Me interesa cada vez más ese territorio donde el conocimiento adquirido se encuentra con lo desconocido. Creo que esa tensión está muy presente en esta exposición y refleja bastante bien mi posición actual como artista.

¿Qué te obsesiona ahora mismo a nivel creativo?

Me obsesiona la idea de la identidad como algo cambiante y en permanente construcción. Me interesa pensarla de una manera muy cercana al propio proceso pictórico: ambos son procesos abiertos que se construyen a través de capas, de decisiones, correcciones y transformaciones sucesivas. Igual que una pintura nunca surge de una sola imagen, sino de la acumulación de gestos, aciertos, errores, idas y venidas, nuestra identidad también se configura a partir de experiencias, recuerdos, relatos y de la mirada de los demás. En ese paralelismo encuentro gran parte de mi interés creativo.

Tu obra tiene algo muy reconocible. ¿Cómo has construido ese lenguaje propio?

No pienso que el lenguaje propio sea algo que se busca de manera consciente, sino algo que aparece como
consecuencia de la inquietud, la investigación y la necesidad de profundizar en determinadas cuestiones.

¿Cómo empieza una obra tuya: con una imagen clara o con una intuición más difusa?

Siempre comienza con una idea. Esa idea inicial me lleva a realizar diferentes bocetos preparatorios que, en muchos casos, distan bastante del resultado final. Hay que dejar espacio a la incertidumbre, a que sucedan cosas durante el proceso de creación, a la magia. Si nos limitáramos a reproducir exactamente la imagen inicial, no nos diferenciaríamos demasiado de una impresora. Para mí, lo verdaderamente interesante aparece cuando la obra empieza a llevarte a lugares que no habías previsto.

Jose Luis Ceña, Architecture for a domestic game, 100 x 100 cm. óleo sobre lino, 2026

¿Qué parte del proceso disfrutas más… y cuál te cuesta más?

Disfruto especialmente el momento en que la obra empieza a revelar algo que yo mismo no había previsto: cuando aparece la pintura. Es una especie de diálogo con el propio trabajo. Lo más difícil suele ser saber cuándo una pieza está terminada, cuándo hay que dejar de intervenir y permitir que el tiempo la acabe.

¿Trabajas de forma impulsiva o hay mucha planificación detrás de cada pieza?

Hay una combinación de ambas cosas, cuando tienes dos niños se hace complicado a veces cuadrar la vida personal y la profesional. Esta experiencia me ha enseñado la importancia de la planificación, especialmente en procesos técnicos complejos, pero también necesito dejar espacio para el accidente, la intuición y lo inesperado. Muchas veces las decisiones más interesantes aparecen precisamente en esos momentos inesperados.

¿Qué te interesa más: que alguien entienda tu obra o que la sienta?

Me interesa más que la sienta, sin duda. La comprensión intelectual puede enriquecer la experiencia, pero creo que una obra empieza a funcionar cuando genera una resonancia emocional en quien la observa.

¿Qué crees que hace que alguien conecte con una pieza tuya y otro no?

La conexión con una obra depende tanto de la pieza como de la experiencia personal de quien la observa. Cada persona llega con una historia, una sensibilidad y unas referencias distintas. Precisamente esa diversidad de lecturas es una de las cosas que más me interesan del arte.

¿En qué punto sientes que te deja esta exposición de cara a lo que viene después?

No la siento como un punto final, sino como un paso más dentro de una investigación que continúa abierta. Muchas de las cuestiones que aparecen en esta exposición: la identidad, la transformación, la relación entre lo que mostramos y lo que somos, siguen generándome nuevas preguntas.
De alguna manera, esta exposición me deja en un territorio incierto, y eso es precisamente lo que me interesa. Creo que el trabajo artístico consiste en avanzar hacia aquello que todavía no comprendemos del todo.

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José Luis Ceña

Por Adonay Bermúdez

¡Huid a lo oculto! ¡Y tened vuestra máscara y sutileza para que os confundan con otros! ¡U os teman un poco!1

[…]

Todo lo profundo ama la máscara.2  

Antes de convertirse en un concepto asociado al pensamiento moderno, la máscara fue un instrumento ritual, teatral y simbólico: un umbral entre aquello que somos y aquello que podemos llegar a encarnar. En ella conviven simultáneamente el ocultamiento y la revelación, el miedo y el deseo, la ficción y la verdad. Quizás por eso Friedrich Nietzsche vio en ella una imagen inseparable de la profundidad humana. Para Nietzsche, aquello que verdaderamente importa nunca se presenta de manera transparente; necesita del rodeo, de la insinuación, del artificio. No existe un “yo” puro esperando detrás de las apariencias, porque somos también aquello que representamos, aquello que imaginamos y aquello que los demás perciben de nosotros. La máscara no funciona entonces como una mentira, sino como una forma de revelación. Todo lo profundo —como escribió Nietzsche— ama la máscara porque entiende que hay verdades que solo pueden aparecer bajo la forma del juego, la ficción o el disfraz.

Fotografía de la inauguración

Esta concepción resulta especialmente fértil para aproximarse a la nueva serie pictórica de José Luis Ceña (Málaga, 1982), donde la infancia aparece como un territorio de experimentación identitaria. Los niños retratados por el artista cubren sus rostros con máscaras de animales que, lejos de cancelar la individualidad, expanden sus posibilidades simbólicas. Aquí la máscara no borra la identidad, sino que abre nuevas maneras de habitarla. «Mostrar el rostro no es desde luego mostrar(se).»3 La pintura de Ceña parece asumir, de manera intuitiva, aquella afirmación nietzscheana según la cual lo profundo necesita de la apariencia para poder existir.

La infancia adquiere aquí una dimensión especialmente reveladora. El niño, antes de quedar fijado por las estructuras normativas de la vida adulta, habita todavía un espacio donde identidad y ficción no se encuentran radicalmente separadas, si es que en algún momento llegan a estarlo. Como señaló Jacques Lacan, la realidad humana se articula siempre entre lo imaginario, lo simbólico y lo real4. El juego funciona entonces como una forma de exploración: jugar implica ensayar maneras posibles de existir. En este sentido, las máscaras de animales presentes en la obra no remiten únicamente al imaginario lúdico, sino también a una condición arcaica y ritual de la representación. El rostro animal permite atravesar los límites de lo humano y explorar una subjetividad todavía abierta, mutable y en proceso de formación.

Fotografía de la inauguración

Mientras el hombre y los animales sean considerados como creaciones independientes, es cierto que un obstáculo invencible paralizará los esfuerzos de nuestra curiosidad natural, por llevar tan lejos como sea posible la busca de las causas de la expresión. 5

[…]

Diversos movimientos expresivos en el perro.— Gato.— Caballo.— Rumiantes.— Monos —Expresiones de alegría y de afecto, de sufrimiento, de cólera, de admiración y de terror en estos animales. 6

En la obra de Ceña, lo animal funciona como una extensión sensible de aquello que todavía permanece fuera del lenguaje. Cada figura encarna una intensidad emocional — astucia, vulnerabilidad, fuerza, miedo, ternura o violencia— que no pertenece exclusivamente a lo humano, sino a una zona compartida de la sensibilidad. En este sentido, las máscaras no funcionan como simples disfraces infantiles, sino como elementos que amplían el juego identitario y permiten explorar emociones difíciles de expresar de otro modo. Darwin intuía ya que las emociones atraviesan especies y cuerpos distintos, revelando una continuidad profunda entre lo humano y lo animal. Ceña sitúa precisamente ahí el núcleo de su pintura: en ese territorio ambiguo donde la identidad todavía se encuentra en construcción, expuesta y abierta al cambio. Sus imágenes no representan únicamente niños enmascarados, sino la persistencia de una verdad primitiva: que existe una continuidad silenciosa entre lo humano y lo animal.

Fotografía de la inauguración

La pintura de Ceña intensifica esta reflexión a través de un elemento decisivo: el espacio. Los personajes no aparecen situados en escenarios reconocibles ni en paisajes naturalistas, sino en arquitecturas ambiguas, suspendidas en una temporalidad incierta. Se trata de fondos que parecen construidos desde la memoria de la pintura antigua y, al mismo tiempo, desde la artificialidad consciente del teatro. Hay en ellos algo de la frontalidad simbólica de Giotto y también algo de la escenografía: telones, plataformas, arquitecturas mínimas y perspectivas deliberadamente inestables que convierten cada imagen en una representación. Ceña no busca reproducir el mundo, sino construir el lugar donde la ficción pueda acontecer.

Bosques imposibles, vegetaciones suspendidas, hongos desproporcionados y arquitecturas acartonadas construyen un universo donde lo real queda desplazado hacia el terreno de la fábula y la ensoñación. Y precisamente el trazo de nuestro artista refuerza esa condición ambigua. La imagen parece oscilar constantemente entre la construcción y la disolución: zonas cuidadosamente modeladas conviven con fragmentos abiertos, manchas transparentes y superposiciones que dejan visible el proceso mismo de la pintura. Esa inestabilidad formal impide que la escena se cierre por completo, manteniendo la sensación de algo que todavía está sucediendo o transformándose ante la mirada. 

Así, las máscaras de animales, los cuerpos infantiles y los escenarios ficticios terminan configurando una misma estructura simbólica: la identidad entendida no como una esencia fija, sino como una representación en permanente construcción. Ceña parece recordarnos que toda subjetividad posee algo de teatral, algo de ritual y algo de juego. Y quizás ahí resida la profundidad silenciosa de estas pinturas: en comprender que no existe verdad humana completamente separada de la ficción que la hace visible.

Como en ciertos sueños infantiles que, sin previo aviso, derivan hacia lo inquietante, las escenas de Ceña mantienen al espectador suspendido en una extraña inestabilidad emocional. Nada termina de ofrecer refugio: ni la ternura aparente de los cuerpos, ni el juego, ni la fantasía. Cada composición parece contener una fisura silenciosa, una tensión latente que desorienta la mirada y desplaza constantemente el sentido. Lo familiar deviene extraño; lo cercano, inaccesible. Hay en estas pinturas una lógica onírica donde las proporciones vacilan, los espacios no terminan de asentarse y las figuras parecen atrapadas en un instante anterior a la desaparición o al despertar. Tal vez por eso sus imágenes permanecen adheridas a la memoria: como toda máscara verdadera, no ocultan por completo ni revelan del todo, sino que dejan al espectador frente a la inquietante experiencia de no saber exactamente qué rostro está mirando.

Aunque hombre de dos caras, no era yo, en modo alguno, un hipócrita: mis dos aspectos eran genuinamente sinceros.7

Adonay Bermúdez

Bibliografía:

1. Nietzsche, Friedrich: Más allá del bien y del mal. Alianza Editorial. Madrid, 2012, p 62.
2.Nietzsche, op. cit., p 82.
3. De Diego, Estrella: No soy yo. Ediciones Siruela. Madrid, 2011, p 63.
4.  Le symbolique, l’imaginaire et le réel. Conferencia pronunciada por Jacques Lacan en el Anfiteatro del Hospital Psiquiátrico de Sainte-Anne, París, el 8 de Julio de 1953, en ocasión de la primera reunión científica de la recientemente fundada Société Française de Psychanalyse
5.  Darwin, Charles: La expresión de las emociones en el hombre y en los animales. Francisco Sempere y Cª, Editores. Valencia, 1845, p 18.
6. Darwin, op. cit., p 147.
7. Stevenson, Robert Louis: El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Austral. Madrid, 2008, p 120.

Durante el pasado fin de semana tuvimos la oportunidad de participar en la Feria de Arte Contemporáneo Marte 2026, en Castellón de la Plana. Marte se presenta como un proyecto destinado a «dar voz al arte contemporáneo» y acercarlo a su vez a públicos diversos, facilitando un acceso más cercano y accesible al público general.

Stand de la galería en MARTE.

Presentamos a nuestros artistas Marcos Temoche y Dina Roudman a la vez que disfrutamos de la feria. Tuvimos la oportunidad tanto de compartir tiempo y espacio con amigos, coleccionistas y compañeros como de conocer a nuevas personas maravillosas.

El trabajo de Dina Roudman está marcado por el gesto, la memoria y la exploración psicológica. El tema central de su obra es la construcción de la identidad, influenciada en su caso por la migración constante. Nos invita a reflexionar a través de la pintura, utilizando como medio la abstracción, sobre la liberación y la memoria de la infancia. Su obra emerge mediante capas, construcciones, borrados y reconstrucciones, al igual que la propia identidad.

Dina Roudman junto a sus obras en el Stand de Marquesa Gallery

Marcos Temoche Trata de igual manera el sentido de la identidad, pero desde una práctica artística puramente figurativa. A través de sus obras habla sobre la hibridación cultural, explorando como se entrelazan las costumbres de origen y los nuevos entornos. La figura humana funciona como un territorio de tránsito, desdibujada y reconfigurada. Sus códigos cromáticos subrayan la fricción constante en la construcción del «yo» durante la migración.

Marcos Temoche junto a sus obras en el Stand de Marquesa Gallery

Los días de la feria coincidieron con el cumpleaños de nuestro gran amigo Lluis Guilera y el de la gran artista Juana González.

Además, tuvimos la oportunidad de visitar el Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés, donde nos encontramos con una pieza de nuestro querido e importante artista Santiago Serrano. Este museo se caracteriza por la inserción del arte contemporáneo en un espacio histórico y rural, como lo es el Palacio de Batle, un edificio del gótico civil valenciano construido a mediados del siglo XV.

Fotografía junto a la obra de Santiago Serrano en el Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés.

En conclusión, nuestra experiencia en la Feria de Arte Contemporáneo ha estado cargada de momentos divertidos, bonitos y repleta de experiencias nuevas.

Datos:

Dirección: Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón – Av. de la Mare de Déu del Lledó, 50, 12004 Castellón de la Plana
Horarios de la feria:

Artista participantes: Dina Roudman y Marcos Temoche.

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando fue fundada en 1752 bajo el reinado de Fernando VI. Nacida en plena Ilustración, fue una de las instituciones culturales más ambiciosas de España en el siglo XVIII. Estaba pensada para situar las artes plásticas como centro del pensamiento moderno. De esta manera se pretendía unir la práctica artística al desarrollo intelectual y cultural del país.

A lo largo de su trayectoria, la Academia ha acompañado las grandes transformaciones del arte español. Entre sus académicos más importantes destaca Francisco de Goya, que llegó a ocupar el cargo de director de Pintura. Actualmente la Academia se mantiene como uno de los grandes referentes culturales de España, sirviendo como museo y como espacio de investigación y reflexión.

Santiago Serrano ha sido conmemorado recientemente académico de esta institución, por lo que desde Marquesa Gallery queremos hacer un recorrido por la trayectoria de este artista que pasa a formar parte de una de las instituciones culturales más relevantes del país.

Santiago Serrano durante la ceremonia.

Una trayectoria construida desde la coherencia

Santiago Serrano dispone de más de sesenta exposiciones individuales en el marco nacional e internacional. Sus obras se pueden observar en grandes colecciones e instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana o la Colección Helga de Alvear, entre otros.

Santiago Serrano, Encrucijada II, 1990

Serrano es uno de los artistas más relevantes de la generación de pintores de los años setenta que volvieron a la pintura como práctica dominante. Además, es uno de los pocos que mantiene intactos los principios éticos y estéticos del momento, entre ellos la singularidad expresiva, el inconformismo y el compromiso experimental.

Su obra se enmarca en una vertiente abstracta y conceptual, siguiendo una línea afín a artistas como Mark Rothko, Piet Mondrian, Kazimir Malévich o Barnett Newman. De esta manera se ha consolidado como uno de los artistas más relevantes del panorama español en este siglo y el pasado.

La Academia y la permanencia de la pintura

Como hemos mencionado anteriormente, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ocupa un lugar central en la historia cultural española. Durante su larga trayectoria se ha convertido en un lugar para la conservación y la reflexión, pero también un espacio donde la tradición y la contemporaneidad dialogan.

Santiago Serrano, Amarillo acrílico sobre tabla, 1970-71

La entrada de Santiago Serrano como académico es muy significativa, puesto que es una muestra de coherencia y tesón. Su modo de utilizar la pintura se presenta como un lenguaje austero pictórico que se enlaza a su vez con una riqueza narrativa en lo humano. Cabe destacar dos argumentos esenciales en la obra de Santiago, primero, su evolución del despliegue de las formas plásticas. Su obra abarca desde el formato más tradicional del lienzo hasta soportes geométricos. Segundo, su conexión con el mundo de los símbolos, los mitos, y en general la narrativa humana.

La abstracción como experiencia contemporánea

En 1968, Santiago Serrano obtuvo una beca de la Fundación Juan March que le permitió realizar una estancia clave en París, donde tomó contacto con la abstracción internacional y con la obra de Antonio Guansé. Esta experiencia supuso un punto de inflexión en su lenguaje plástico, alejándolo de la figuración inicial para orientarlo hacia una abstracción esencial, cargada de resonancias simbólicas y espirituales.

Durante los años ochenta, el lenguaje de Serrano adquirió una gran concentración formal. Los colores se apagaron, y la geometría adquirió un gran peso simbólico. El cuadro se convierte en un espacio de recogimiento visual. Incorporó formas arquitectónicas como el ábside, la cruz o el arco, que aunque elementos austeros, también están cargados de sentido. El silencio se convierte en un componente determinante en sus cuadros. Más adelante, series como Silenciarios y quimeras continuaron expandiendo esta investigación sobre el espacio y la percepción.

Serrano entiende la abstracción como un lenguaje que permite al espectador una experiencia sensorial y espiritual. La geometría aparece en su obra como respiración y equilibrio. Para Serrano, mirar implica demorarse, entrar en la obra y en el imaginario artístico del artista.

Santiago Serrano, Sin título, 1972.

Geometrías del silencio

En 2024 se realizó en Marquesa Gallery Geometrías del Silencio. Exposición que a su vez, inauguró la galería.

Mariano Navarro, quien comisarió la exposición, enfatiza el diálogo de la obra de Santiago con lo más hondo de lo existencial. Para ello, señala que es en sus títulos – por ejemplo, Silenciarios y quimeras – donde se encuentra ese primer acercamiento. El mismo Santiago Serrano afirmó: «los títulos son importantes tanto en cuanto tienen el sentido que deben tener. Un título puede definir una obra, pero no ocuparla».

Santiago Serrano, Silenciarios y Quimeras, 2023

A través de sus títulos también se puede relacionar la obra se Serrano con lo poético y la poesía, debido a la riqueza formal de las palabras, sus significados y etimologías. Para sus obras más actuales, que empezó en la pandemia de 2020, Santiago Serrano las describe como «una entrañable mirada interna hacia esa ilusión que quería dar a los demás», como «mariposas», ya que la inspiración para estas obras le vinieron de dos maneras distintas. La primera, a partir del cantante Jorge Drexler, con su canción Quimera. La segunda, a través de una secuencia analógica que define su forma de mirar: «Psiqué en griego significa alma» y, «el conocimiento del alma, y alma, en griego, es también mariposa y, a la vez, gusano, es decir, pupa, metamorfosis (…). Quimera es una forma poética de nombrar una ilusión, (…)».

Ahuecar: crear espacio para la mirada

Ahuecar: 50 años de pintura fue otra exposición realizada en Marquesa Gallery, en 2025. En esta ocasión se trató de una retrospectiva que pretendía proponer un recorrido cronológico por algunas de las etapas más representativas de la obra de Santiago Serrano. De esta manera, se quiso seguir la evolución de su pensamiento plástico a lo largo del tiempo.

Fotografía de la exposición Ahuecar: 50 años de pintura.

Ahuecar no se refiere únicamente a una acción formal, sino también a una actitud. No se trata de llenar, sino de crear espacio, de preparar el lugar para que algo pueda surgir. De sugerir. Como en su pintura, donde todo se reduce a lo esencial: plano, materia, ritmo. Nada sobra, nada distrae.

Esta retrospectiva permitió observa la consistencia en el lenguaje plástico de Santiago, él mismo lo afirma: «La pintura es lo único en mi vida en lo que he sido coherente».

La persistencia de una mirada

La incorporación de Santiago Serrano a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando reconoce la gran trayectoria artística y la relevancia de su obra en el panorama español.

La obra de Serrano se mantiene coherente desde sus principios, insistiendo en la contemplación y la importancia del espacio y el tiempo en la pintura. La singularidad expresiva y el compromiso experimental mantienen su práctica artística como relevante y refrescante.

De esta manera, desde Marquesa Gallery queríamos dedicar unas líneas a recordar la importante figura de Santiago Serrano, ahora académico de una de las instituciones artísticas más significativas de España.

Como cada año desde 1977, el próximo 18 de mayo se celebra el Día Internacional de los Museos. El objetivo del DIM es concienciar sobre la importancia que tienen las instituciones museísticas como máquina cultural, pedagógica y social. Es ya recurrente que cada año instituciones museísticas de distintos puntos del mundo organicen actividades con el objetivo de atraer la mayor cantidad de público posible, incluidos entre ellas importantes museos españoles. El ciclo de actividades en España dará comienzo el 16 de mayo, culminando el 23. Desde Marquesa Gallery hemos querido homenajear este día recogiendo algunas de las actividades más atractivas:

Museo Reina Sofía: Ya es tradición que esta institución organice con motivo del Día Internacional de los Museos conciertos de la mano de Radio 3, que en esta ocasión están programados para el próximo viernes 22 de mayo. Desde las 09:00 h y hasta las 23:00 h será posible disfrutar de una programación musical en el Patio del Edificio Nouvel de forma completamente gratuita. Carlangas, Shego, Soleá Morente, Kokoshca, La Tania, La Pegatina o Zahara, entre otros, ofrecerán actuaciones en vivo para celebrar esta fecha tan marcada. Además, durante toda la jornada, la entrada al Museo será gratuita en su horario habitual (10:00 h a 21:00 h).

Museo del Prado: El buque insignia del panorama museístico español no ha dejado pasar de largo una fecha tan señalada. Bajo el lema “Museos uniendo un mundo dividido” el Museo del prado ha organizado un acto en el que conversarán Miguel Falomis, director del Museo del Prado y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía. Este coloquio se desarrollará el domingo 18 de mayo en el Auditorio del Museo Reina Sofía y tratará sobre el papel de los museos en la sociedad actual. Antonio Lucas, poeta y periodista, ha sido elegido para moderar la conversación. Esa misma mañana se retransmitirá en directo en los canales de Instagram de ambos museos un encuentro entre ambos directores en las salas del Prado, a modo de preámbulo. Para aquellos que no puedan asistir físicamente, la conversación será retransmitida en streaming a través de Vimeo.

MAN: En sintonía con el lema “Museos uniendo un mundo dividido”, el Museo Arqueológico Nacional propone en su hall un mural colaborativo que permanece instalado desde el 11 de mayo y que permanecerá hasta el 24 de mayo. De esta forma, el público puede compartir ideas, pensamientos, experiencias o reflexiones en torno a los museos como lugares de conexión.

Museo Nacional de Artes Decorativas: Maratón Inside Out es el nombre de la propuesta de la mano del Museo Nacional de Artes Decorativas para la Semana de os museos. Comienza el martes 19 de mayo con la visita guiada titulada Sillas contemporáneas del MNAD, seguida del taller ¿A qué huele esto? el miércoles, Japón en el MNAD el jueves 21 y finalizando el viernes 22 con Colecciones Orientales del MNAD. Todas las actividades son gratuitas, comienzan a las 12:00 h y requieren inscripción También ofrecen una actividad, Todos nuestros secretos, menos tradicional el sábado 23 de mayo de 18:00 h a 21:00 h, en la que se ha ideado un juego para investigar y averiguar los secretos mejor guardados de las artes decorativas. La entrada es libre hasta completar el aforo.

MACBA: El sábado 16 de mayo el Museu d´Art Contemporani de Barcelona ofrece una jornada de puertas abiertas desde las 16 h hasta la 01:00 h. De igual forma, el lunes 18 de mayo volveremos a disfrutar de una jornada de puertas abiertas, esta vez de 11 h a 19:30 h. Además de esto, han organizado un programa de actividades gratuitas que incluyen visitas comentadas a la exposición Como una danza de estorninos, el sábado a las 18:00 h previa inscripción, visitas a espacios únicos con vistas a la ciudad previa inscripción o sesiones de aprendizaje colectivo con acciones y conversaciones en vivo también previa inscripción.

Museu Picasso: La reconocida institución barcelonesa se suma también a La Noche de los Museos. Además de una jornada de puertas abiertas el 16 de mayo de 19:00 h a 01:00 h, el museo ofrece breves presentaciones de algunas de sus obras expuestas a lo largo de la jornada. Estas presentaciones van a estar dedicadas a las obras concretas Las Meninas, Ciencia y Caridad y a la etapa de Picasso bohemio. Son completamente gratuitas y no es necesaria inscripción previa.

Centre Pompidou Málaga: La sede malagueña del parisino Centro Pompidou se suma, como cada año, a la ya arraigada tradición museística malagueña de la Noche en Blanco. Es, sin lugar a duda, uno de los museos que más actividades ofrece para homenajear el DIM. El viernes 16 de mayo, entre las 20:30 h y las 22:30 h, sus visitantes podrán disfrutar de visitas guiadas en torno a las exposiciones To Open Eyes y El gesto y la materia. Siguiendo la línea de esta última, desde la galería os invitamos a ojear el trabajo de José Macías, protagonizado por la abstracción y la materialidad. La entrada es gratuita, con aforo limitado y dividida en tres pases de 20 minutos cada uno. A su vez, también de forma gratuita, entre las 20:00 h y las 21:00 h es posible disfrutar del taller Jeux des volumes, una actividad lúdica para aprender principios básicos de arquitectura. La institución no se olvida de los más pequeños, paralela a la actividad anterior, se va a desarrollar una interacción lúdica para menores de 0 a 8 años. Maison Magique tiene como objetivo recrear una casa de madera en la que los niños podrán explorar el espacio a su antojo. Estas dos últimas actividades se van a distribuir en dos pases de 30 minutos. Para aquellos visitantes que busquen una actividad artística menos tradicional, el mismo día 16 de mayo podrán contemplar una intervención lumínica en su auditorio, titulada IN-ESTABLES y a cargo de Emilio Manzano. Además de todo lo mencionado, el propio 18 de mayo la entrada al centro será completamente gratuita, incluyendo visitas guiadas a sus dos exposiciones y con una jornada de mediación entre las 16:00 h y las 17:00 h.

Museo del Greco: Esta es la primera noche de los museos de la ciudad de Toledo que alberga, entre otros, el Museo del Greco. La fecha de celebración escogida por los espacios culturales de la ciudad es el sábado 16 de mayo. El Museo del Greco nos ofrece acceso gratuito a sus exposiciones durante todo el día, con horario ampliado de 19:00 h a 00:00 h, además de actividades para el público infantil, recorridos teatralizados, música en directo y más. Un evento que destacar es la ambientación musical de Yabanna Cubas DJ, en los jardines del museo de 21:00 h a 00:00 horas.

Museo Nacional de Arqueología subacuática: Para concluir, traemos el programa de actividades de ARQUA, que incluye los talleres más creativos del panorama museístico. Todas las actividades se van a desarrollar el 16 de mayo, comenzando por El tesoro perdido del capitán Coral, una visita teatralizada para niños y niñas de entre 6 y 12 años, acompañados por un adulto, que tendrá lugar a las 11:00 h. A continuación, y divididos en dos grupos, uno a las 17:00 h y otro a las 19:00 h, el público podrá disfrutar de la actividad Vivir junto al mar y el adorno en la Prehistoria, un taller que se impartirá desde la nueva exposición temporal. Está recomendado, igual que el anterior, para niños y niñas de entre 6 y 12 años, acompañados de un adulto. Ya para finalizar, y mayormente centrado para jóvenes y adultos, el museo propone un escape room. Con el nombre de Escape room autónomo: Bajo el mismo mar y con un horario de 19:00 h a 23:00 h, los visitantes deberán resolver los puzles y resolver el enigma. Todas las actividades requieren de inscripción previa mediante el correo oficial del museo.