La Feria del Libro de Madrid nació con el objetivo de acercar el libro al público y fomentar la lectura mediante un entorno común y agradable, en este caso el parque del Retiro. Del 29 de mayo al 14 de junio se celebrará la 85ª edición de la Feria del Libro de Madrid. Desde Marquesa Gallery hemos decidido aprovechar la oportunidad para recordar la conexión entre literatura y arte plástico.

Desde la Antigüedad clásica, ambas disciplinas han sido entendidas como complementarias, como podemos observar en el tópico latino Ut pictura poesis (como la pintura, así es la poesía) formulado por Horacio. Esta idea sugiere una equivalencia entre imagen y palabra: mientras la literatura nos deja relatos en el tiempo, la pintura los materializa en el espacio. En la actualidad, podemos advertir que la palabra ya no es simplemente fuente de inspiración para el arte plástico, sino que en ocasiones se integra en las obras. De esta manera, la literatura y el arte contemporáneo se encuentran en un mismo territorio de experimentación.

Por ello, hemos querido destacar tres artistas que se influyen de la literatura para sus proyectos: Rubén Martín de Lucas, Laura Segura y Marcela Cantuária.

Rubén Martín de Lucas: ecologías del pensamiento y la forma

Rubén Martín de Lucas, El jardín de Fukuoka, 100 x 100 cm., acrílico, cera y óleo sobre tabla

En el trabajo de Rubén Martín de Lucas, la pintura se convierte en un puente para reflexionar sobre nuestra relación con el territorio. Su proyecto El jardín de Fukuoka establece un diálogo directo con Masanobu Fukuoka y su obra La revolución de una brizna de paja. En el libro, Fukuoka plantea practicar la agricultura con una mínima intervención por parte del ser humano, con el fin de respetar los ritmos naturales de la tierra.

Martín de Lucas se propone traducir estas ideas a un nivel pictórico, para ello, prescinde de la función representativa de la pintura para entender el arte como un vehículo de transmisión de conceptos.

La obra de Martín de Lucas no solo nos ayuda a reflexionar sobre cómo nos relacionamos con la tierra, también invita a abrir un debate interno sobre cómo nos relacionamos con el mundo. El artista interpreta el monocultivo como el modo de vida de occidente de hiperproducción. De esa manera, el rechazo al monocultivo también es un rechazo al sistema capitalista digital basado en la producción masiva. Martín de Lucas usa su proyecto para salir del rol de pintor que se dedica a reflejar la realidad, para convertirse en parte activa de la solución.

Laura Segura: la materia como lenguaje vivo

Laura Segura, Desenvuelto de la envoltura, 250 cm., hilo de cera de abeja, pigmento y madera, 2021

La práctica artística de Laura Segura no se queda en el final: el proceso es significativamente importante para entender sus obras. A través de los materiales orgánicos – hilo de algodón, cera de abeja y pigmento natural – Segura pretende resaltar el peso de la relación entre los humanos y la naturaleza. Los elementos naturales convergen con lo simbólico, lo orgánico y lo espiritual. Busca generar en el espectador una experiencia que trascienda de lo visual, para adentrarse en el resto de los sentidos.

Parte de su inspiración viene de la obra de Walt Whitman, especialmente en Hojas de hierba, donde el cuerpo, la naturaleza y lo espiritual forman una continuidad orgánica. En ese mismo plano se encuentra su instalación Una trenza de hierba sagrada (2022), incluida en A media lumbre, instalación que se influye del cuento de Rapunzel.

Aquí, el cabello deja de ser un elemento narrativo para convertirse en una estructura simbólica: vía de escape y símbolo de poder personal. La trenza se convierte en una estructura viva, no solo por los materiales, sino por la historia que conlleva. El trenzado es una técnica ancestral que recoge conceptos de unión, fortaleza y comunidad.

Este pensamiento se amplía en 13 grados, inspirado en el libro Animales arquitectos —como las abejas— de Juhani Pallasma. La obra, introduce la lógica de organización de los animales: sistemas colectivos sin jerarquía, donde la inteligencia emerge del trabajo común. En Segura, la materia no solo representa lo vivo, sino que lo activa.

Marcela Cantuária: imagen, memoria e insurrección

Marcela Cantúaria, La bestia, 60 x 50 cm., óleo sobre lienzo, 2023

La obra de Marcela Cantuária está llena de significados. Su marco conceptual abarca historias de resistencia, simbolismo mágico, y memoria colectiva. Cantuária cree en el poder transformativo del arte, de esta manera a través de la pintura intenta crear contranarrativas al colonialismo y al patriarcado.

Su presencia en Vitamin P4: New Perspectives in Painting sitúa su trabajo en el panorama internacional de la pintura contemporánea. Destaca su obra La bestia, por sus diversas capas de complejidad conceptual.

En esta obra, una criatura híbrida —con alas y patas de dragón— se compone de múltiples cabezas que remiten a la Hidra mitológica. Estas cabezas representan figuras históricas como Cristóbal Colón, Pedro Álvares Cabral o Vasco da Gama, vinculadas al colonialismo. En esta imagen la colonización aparece como un sistema que se regenera, se adapta y persiste. Este cuadro es un ejemplo del gran compromiso activista de Cantuária.

El fuego que rompe la composición se percibe como un gesto de resistencia, un intento de disolución de un ciclo histórico de explotación. Cantuária explora el poder de las imágenes para alterar los imaginarios colectivo.

La obra nos puede recordar a la escritura de Eduardo Galeano, importante escritor latinoamericano, especialmente con Las venas abiertas de América Latina, donde Galeano concibe la historia como una herida abierta y un relato en disputa. La pintura de Cantuária ofrece un espacio donde la memoria no solo se conserva, sino que también se reactiva.

Lectura y materialidad

Durante la Feria del Libro de Madrid, la ciudad se sumerge en los libros. Sin embargo, la lectura no termina ahí: continúa en la imagen, en la materia y en la experiencia contemplativa. Madrid se convierte en un encuentro de creación, abarcando tanto la literatura como los espacios de arte contemporáneo.

Nuestra galería se encuentra en esta intersección entre arte plástico y creación literaria: una superficie donde el pensamiento se vuelve tangible y la materia se convierte en lenguaje. Te invitamos a descubrir estas convergencias en nuestras salas, en las que el arte no es solo mirada, sino también lectura.

El pasado 18 de febrero de 2026, el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) inauguró en Valencia la exposición A media lumbre, una propuesta colectiva que reúne a numerosos artistas contemporáneos en torno a una idea muy clara: revisar el valor de lo manual, lo material y los saberes tradicionales desde una mirada actual.

En un momento en el que gran parte del arte se mueve hacia lo digital o lo inmediato, esta exposición plantea justo lo contrario. Aquí el foco está en el tiempo, en el proceso y en la relación directa con los materiales.

Y dentro de este contexto, la presencia de Laura Segura, artista de Marquesa Gallery, adquiere un papel especialmente relevante.

Una exposición de arte contemporáneo que mira hacia lo esencial

A media lumbre no es una exposición al uso. No está construida desde grandes discursos teóricos ni desde lo espectacular, sino desde algo más cercano: la experiencia, el hacer y la conexión con la materia.

Las obras que forman parte del recorrido del IVAM comparten un interés común por materiales como fibras naturales, cerámica, textiles o elementos orgánicos, y por procesos que implican tiempo, repetición y conocimiento acumulado.

Pero no se trata de una mirada nostálgica.
Lo interesante es que estos lenguajes tradicionales se sitúan en el presente, dialogando con preocupaciones actuales: la sostenibilidad, la identidad, el territorio o la transmisión de conocimiento.

La exposición propone así una reflexión amplia: qué valor tienen hoy los oficios, los gestos manuales y las formas de hacer que durante años han quedado en un segundo plano.

Un recorrido coral con múltiples enfoques

Uno de los puntos fuertes de A media lumbre es su carácter colectivo. La exposición reúne a 27 artistas con prácticas muy distintas, lo que genera un recorrido rico y abierto.

Algunas obras se centran en el textil como lenguaje artístico. Otras en la cerámica o en estructuras construidas a partir de materiales naturales. También hay piezas que incorporan dimensión espacial o que se relacionan directamente con el entorno.

Lo interesante es que, aunque cada artista trabaja desde su propio enfoque, existe una coherencia de fondo: todas las propuestas comparten una relación directa con el hacer, con el cuerpo y con el tiempo.

El resultado no es una exposición cerrada, sino un conjunto de voces que dialogan sin necesidad de imponerse unas sobre otras.

Laura Segura y Una trenza de hierba sagrada: una obra clave en la exposición

Dentro de este contexto, la obra de Laura Segura, Una trenza de hierba sagrada (2022), destaca por su capacidad de sintetizar muchas de las ideas presentes en la exposición.

La pieza, realizada con sisal natural trenzado, parte de un gesto sencillo pero cargado de significado: trenzar.

Ese gesto conecta directamente con prácticas ancestrales vinculadas al trabajo manual, pero también con algo más simbólico. La trenza aparece como forma de unión, de continuidad y de transmisión.

No es una obra que busque imponerse visualmente.
Funciona desde la cercanía y desde la relación con el espectador.

Además, el uso del sisal (una fibra vegetal vinculada a contextos específicos) introduce una dimensión ligada al territorio y a los recursos naturales. El material no es neutro: forma parte del discurso.

En este sentido, la obra se sitúa en un punto muy interesante: entre lo físico y lo simbólico, entre lo cotidiano y lo ritual.

Coherencia con su práctica artística

La participación de Laura Segura en A media lumbre no es casual. Su trabajo lleva tiempo centrado en la relación entre el ser humano, la naturaleza y los procesos manuales.

En sus obras, el proceso no es algo oculto, sino visible.
Se percibe en la repetición, en la construcción paciente, en la forma en la que los materiales se transforman.

Una trenza de hierba sagrada encaja perfectamente en esta línea.
Es una pieza que no se entiende solo desde lo visual, sino desde la experiencia, el tiempo y el contacto con la materia.

Y precisamente por eso funciona tan bien dentro de la exposición.

Más allá de la estética: una reflexión necesaria

Uno de los aspectos más interesantes de A media lumbre es que no se queda en lo formal.

La exposición plantea preguntas de fondo:
¿Qué lugar ocupan hoy los saberes tradicionales?
¿Qué hemos perdido en la transición hacia lo industrial y lo digital?
¿Cómo se pueden recuperar estas prácticas desde el arte contemporáneo?

No ofrece respuestas cerradas, pero sí abre un espacio de reflexión.

Y lo hace desde las obras, no desde el discurso.

Una exposición que merece una visita tranquila

A media lumbre es una de esas exposiciones que funcionan mejor cuando se recorren sin prisa.

No busca el impacto inmediato.
No necesita grandes efectos.

Su fuerza está en otra parte: en los materiales, en los procesos y en la relación que se establece con el espectador.

En ese contexto, la obra de Laura Segura se posiciona como uno de los puntos más sólidos del recorrido, no por destacar sobre el resto, sino por integrarse con coherencia en el discurso general de la exposición.

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

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El pasado viernes 13 de febrero inauguramos en Marquesa Gallery Musitar, la primera exposición individual de Laura Segura en la galería, comisariada por Sema D’Acosta. Y desde el primer momento se notó que no era una inauguración cualquiera.

Fue una tarde con muy buena asistencia, pero con algo diferente en el ambiente. Más que el típico recorrido rápido por sala, la mayoría de las personas se detenían. Observaban con calma. Comentaban en voz baja. Había curiosidad, pero también cierta sensación de recogimiento que no es tan habitual en una inauguración.

Una exposición de arte contemporáneo en Madrid que se percibe más allá de lo visual

Uno de los aspectos que más llamó la atención fue la relación directa que se genera con las obras. No son piezas que se entiendan de un vistazo ni que busquen impactar de forma inmediata.

Laura trabaja con materiales como lana, madera, cera, jabón o fibras naturales, y eso cambia completamente la experiencia. Hay una dimensión sensorial muy presente, incluso cuando no se toca la obra. El olor, la textura o la forma en la que están construidas hacen que el espectador se acerque de otra manera.

Durante la inauguración, muchas personas compartían sensaciones similares: recuerdos, asociaciones con lo natural, con lo doméstico o con ciertos gestos tradicionales. Sin necesidad de explicaciones complejas, la obra conecta.

El proceso como parte esencial de la obra

Otro tema recurrente en las conversaciones de la tarde fue el tiempo.

Las piezas de Musitar no están pensadas desde la inmediatez. Hay un trabajo lento detrás, muy manual, donde el proceso es tan importante como el resultado. Y eso se percibe claramente al verlas en directo.

No hay artificio ni exceso. Todo está bastante depurado, pero al mismo tiempo cargado de horas de trabajo, de repetición y de atención al detalle. Ese equilibrio es lo que hace que las obras funcionen tan bien en sala.

El trabajo curatorial de Sema D’Acosta se nota en cómo está planteada la exposición. No es solo una suma de piezas, sino un recorrido con sentido.

Hay una coherencia clara entre las obras, tanto a nivel material como conceptual. Se generan conexiones entre ellas sin necesidad de explicarlas, y el visitante va entendiendo poco a poco el universo de la artista.

Además, el montaje refuerza esa idea de experiencia: piezas suspendidas, otras más cercanas al suelo, algunas que invitan a rodearlas… Todo contribuye a que la visita sea dinámica, pero sin perder esa sensación de calma.

Muy buena acogida en la inauguración

La inauguración reunió a perfiles muy distintos: coleccionistas habituales, artistas, profesionales del sector y también personas que visitaban la galería por primera vez.

Y lo interesante fue ver cómo todos encontraban un punto de entrada a la exposición.

No es una muestra cerrada ni difícil en el mal sentido. Al contrario, es accesible desde lo sensorial, desde lo que cada uno reconoce o interpreta. Eso hace que funcione muy bien con públicos diferentes.

Muchos visitantes se quedaron más tiempo de lo habitual, volviendo sobre algunas piezas o comentando detalles que no habían visto en un primer momento.

Una exposición para ver con tiempo en Madrid

Si algo quedó claro durante la inauguración es que Musitar es una exposición que merece una visita tranquila.

No es tanto una muestra para “entender” como para experimentar. Para fijarse en los materiales, en los pequeños gestos y en cómo están hechas las piezas.

En un contexto donde muchas exposiciones de arte contemporáneo en Madrid buscan lo inmediato, el trabajo de Laura Segura va en otra dirección: más pausada, más conectada con lo manual y con una forma de hacer que tiene mucho que ver con el origen y con lo natural.

Taller de arte con Laura Segura en Marquesa Gallery

Dentro del programa de la exposición, el jueves 5 de marzo a las 19:00h tendrá lugar un taller de arte con Laura Segura en la galería.

Será un espacio de creación guiado por la artista, pensado para explorar la sensibilidad artística desde su propio lenguaje y proceso de trabajo. Una oportunidad poco habitual para acercarse a su forma de entender el arte desde dentro.

El taller tiene además un componente solidario: la recaudación se destinará íntegramente a la Fundación Acogida, apoyando su Casa Maternal, un proyecto que ofrece acompañamiento, formación y apoyo a madres en situación de vulnerabilidad.

Acceso: aforo limitado bajo reserva
Entrada: aportación voluntaria (100% destinada a la Fundación Acogida)

La exposición Musitar, de Laura Segura, comisariada por Sema D’Acosta, puede visitarse en Marquesa Gallery (Calle Marquesa de Argüeso, 38, Madrid) hasta el 28 de marzo de 2026.

Horario:
Miércoles a viernes de 11:00 a 19:00
Sábados de 11:00 a 14:30

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

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Todas las obras de Laura Segura Gómez (Pedrera, Sevilla, 1985) contienen algo innegablemente sensitivo y cercano. Ante ellas, encontramos siempre un vínculo indescifrable que nos resulta familiar. Su obra no es fácil de acotar, posee una belleza orgánica relacionada con lo vivo y cambiante de las pulsiones del campo, entre lo animal y lo vegetal, entre lo reconocible y lo incierto. Sus creaciones nos llevan a una zona indefinida de los recuerdos que podemos enlazar con la infancia, el calor maternal o las labores rurales, especialmente las asociadas con la artesanía y el refugio donde habitan insectos, mamíferos o aves. Según su propia percepción de aquello que nos rodea, el entorno en el que nos hallamos no es una imagen abstracta ni debe ser valorado a partir de conjeturas teóricas, sino desde lo concreto y tangible como cualquier elemento integrante de la naturaleza. A veces táctil, a veces oloroso, a veces rudo, pero asumiendo el valor de aquello empírico que podemos establecer o percibir por nosotros mismos. Para entender sus piezas, es fundamental verlas en directo, sentirlas de cerca. En ese sentido, su trabajo enlaza con los planteamientos del filósofo inglés John Locke, cuya tesis principal sostenía que el verdadero conocimiento se centra en nuestra experiencia del mundo; no en la realidad en sí, sino en cómo la experimentamos, una afirmación que antepone lo vivencial y se aleja de los preceptos epistemológicos que se sustentan en la especulación de las ideas, una amplia superficie indeterminada y gaseosa -más común de lo que parece en arte contemporáneo-, que olvida en demasiadas ocasiones la relevancia del contacto con las cosas.

La primera exposición individual de Laura Segura Gómez en Marquesa Gallery muestra una selección relevante de sus últimas obras. Casi todas están elaboradas en los dos últimos años, aunque también encontramos algunas anteriores. En general, el tono es sugerente, las piezas hablan en voz baja, nos cautivan por su condición imprecisa y el atrayente sentido háptico de los materiales naturales que usa: lana, madera, seda, jabón, fibras, pigmentos, metal, vidrio, cera o algodón. No están pensadas sólo para los ojos, el olfato o los aspectos táctiles, también aportan; incluso algunas se pueden tocar con las manos. Sus trabajos no deberían interpretarse simplemente como objetos estéticos, poseen matices experienciales. Observados con atención, no sabemos descifrar con claridad qué significados encierran, una cualidad que aviva la imaginación del espectador y lo hace partícipe de su mundología, que mezcla sin distinciones consideraciones en torno a la contemplación atenta del paisaje en el contexto de un pueblo pequeño del sur, la escucha interior del propio cuerpo o interpretaciones personales sobre la espiritualidad. De hecho, ella lee bastante sobre distintas religiones del mundo o pensamiento místico y algunas piezas se inspiran, por ejemplo, en las ruedas de oración de los templos budistas, unos cilindros giratorios que sirven para liberar plegarias (Ommmmm, 2026). En su caso, al estar hechos de jabón y madera, existe algo que la inhabilita como instrumento de culto y la lleva a un territorio más alegórico. El jabón se asocia con el agua y la limpieza, con las abluciones y la preparación para un estado de aproximación a lo divino. Igual ocurre con la gran instalación titulada Kundal (2026), una serpiente abstracta entendida como símbolo de renacimiento y transformación, como energía latente que yace enroscada dentro de nosotros; una escultura orgánica que, de algún modo, representa el binomio vitalidad/creatividad, intrínseco a su manera de ser.

El proceso es un eje esencial de sus propuestas. Tarda mucho en cada producción. En su labor no hay retóricas ni entelequias ni rebuscamientos, sus piezas están hechas con las manos, acumulando tiempo y dedicación. Cada una de ellas la sumerge en una especie de letanía monótona, un estado de concentración cercano a la introspección. Esa mirada interior acerca el trabajo de Laura a las muchas mujeres que, generación tras generación, estuvieron tejiendo en el hogar mientras sostenían a la familia. A menudo invisibilizadas, han sido ellas las que han liderado el cuidado comunitario, asumiendo ese sacrificio con orgullo para que sus hijas e hijos progresaran. También con los artesanos que con meticulosidad mantuvieron en los contextos autóctonos las tradiciones del buen hacer aprovechando los recursos locales. La fragilidad de estas obras es su fortaleza, como puede constatarse en Los mil pétalos (2025), donde las escamas de barro y lana sirven al mismo tiempo de capa protectora y sugestiva superficie. La obra nos recuerda a un pangolín o armadillo, cuya armadura le vale de escudo ante los depredadores y permite llevar incorporado una protección que le da seguridad para desenvolverse sin miedo por el ecosistema. Son trabajos lentos, pacientes, que facilitan la reflexión durante su confección. La cabeza se activa al sentir con los dedos el roce de los materiales, que se acoplan a una forma siguiendo una estructura, tal como ocurre con las teselaciones que encontramos en infinidad de patrones naturales como los panales de las abejas, un insecto con el que la artista se siente particularmente identificada. El delicado friso 13º (2026), de porcelana y vidrio, o la pieza colgante Shambhala (2024), nos remite a sus colmenas, los lugares donde viven. Asimismo, la obra Oro-Péndola (2024) la asociamos con las bolsas colgantes donde crían las oropéndolas; aquí, la inspiración en el hábitat de esta ave de plumaje característico es indudable. El propio cuerpo como casa, la concha o el nido nos llevan a la poética del espacio de Gaston Bachelard y la conciencia primitiva del refugio como morada.

Al contemplar el conjunto de obras, nos damos cuenta de que Segura Gómez elude los argumentos espectaculares y huye de la grandilocuencia; lo suyo es el susurro, musitar en las distancias cortas, establecer relaciones de intimidad. Por encima de cualquier planteamiento cartesiano, su obra es intuitiva, superpone arte y vida. Sin duda, se aleja de los compartimentos estancos que promueven las bellas artes para centrarse en las personas y en sus modos de vincularse con ese no se sabe qué indescifrable que nos conecta con la tierra y los seres que la pueblan. De modo implícito, la exposición gira en torno a lo primigenio y los vínculos más elementales que todavía mantenemos con el medio natural. Sus trabajos nos hacen partícipes de un acercamiento a lo rural, nos llevan lejos de lo urbano, renunciando a cualquier atisbo tecnológico para reivindicar lo manual. Sus motivaciones parten de universos amplios que se identifican tanto con la cultura popular como con la intelectual. Esos guiños son explícitos pocas veces, en varios de los títulos se puede rastrear su procedencia, que puede provenir de las humanidades o la ciencia, sus fuentes son heterogéneas. Por ejemplo: Desenvuelto de la envoltura es un poema de Walt Whitman presente en ‘Hojas de hierba’. O los 13º hacen referencia al ángulo preciso de las celdas para que la miel no se caiga. Áreas blandas urdidas con nudos, tapices en espiral, extensiones de ganchillo, formas que caen del techo, maderas que asemejan herramientas o pieles texturizadas que reconocemos. En conjunto, una especie de cuerpo escultura-paisaje que convierte la visita a la sala en un paseo multisensorial donde además de los insinuantes tejidos tintados que advertimos, predominan los rojos, pueden percibirse otras sensaciones más allá de las visuales.

Lo misterioso persiste en nosotros. Por suerte, los seres humanos somos un complejo entramado de circunstancias incontrolables que no se basan sólo en la razón. El cientificismo abrupto reduce los sentimientos hasta reducirlos en reacciones químicas medibles; es capaz de abreviar el mundo natural a lo que significa un zoológico o un jardín botánico. Debemos revisar nuestra situación en el medio. Es necesario potenciar el hemisferio más intuitivo del cerebro, el menos analítico, para que emerja de manera libre la versión menos estructurada y más sensitiva de las personas, una faceta ahora abandonada por la confianza excesiva en el progreso y en las nuevas tecnologías, avances inevitables que nos permiten (aparentemente) aumentar en comodidad y calidad de vida, pero que nos restan valores trascendentales, cualidades indefinibles de la existencia que son la fuente intangible de la que se nutre el arte. En tiempos de incertidumbre, el campo ofrece certezas. Volver a pasear por los caminos supone encontrarnos con aquello que somos, acudir al pueblo para encontrar el germen, observar los animales y las plantas. Pararse a charlar con alguien, escuchar el viento, mirar el agua de un arroyo, sentir la hierba húmeda de la mañana al andar. Durante siglos, estuvimos atentos al cielo y la tierra para comprender cómo era el lugar donde vivíamos, pertenecíamos a un contexto donde existía un equilibrio. Hoy, inmersos en una ciega huida hacia delante y guarecidos en las pantallas, hemos perdido el vínculo con nuestra procedencia. La obra de Laura Segura Gómez nos invita a conectar con la parte más emotiva de nosotros y acercarnos al origen.

Dirección: Calle Marquesa de Argüeso, 38 – 28019 Carabanchel (Madrid)
Duración: Viernes, 13 de febrero de 2026 a sábado, 28 de marzo de 2026 – Horario: miércoles-viernes 11:00 – 19:00h sábados: 11:00 – 14:30h
Artista: Laura Segura
Título de la Exposición: Musitar
Comisario: Sema D’Acosta

En su trabajo, Laura investiga el concepto de origen y su relación con la naturaleza. Sus obras nacen del proceso: del tiempo, del contacto con los materiales y de una manera de hacer lenta y silenciosa. Más que centrarse solo en el resultado final, le interesa que ese camino quede presente en la pieza, como una huella física y emocional.

A través del color, el tacto y especialmente el olor, su obra nos conecta con una sensación primigenia, con la relación del ser humano con la tierra y con una naturaleza poderosa que remite a otros tiempos. Sus proyectos generan una experiencia envolvente, casi espiritual, en la que arte y entorno se encuentran de forma sencilla y esencial.

Musitar es una invitación a escuchar lo natural, a detenerse y a dejarse llevar por una experiencia sensorial que va más allá de lo visual.

Una obra monumental cargada de simbolismo y espiritualidad

Una trenza de hierba sagrada es mucho más que una instalación escultórica. Con una impresionante altura de 12 metros y una longitud desplegada de 18 metros, la pieza fue creada en 2022 para el Festival Calles en Flor en Cáñete de las Torres. El material protagonista es el sisal natural, fibra extraída del agave sisalana y trenzada artesanalmente por la propia artista.

Esta obra monumental conecta tradiciones ancestrales de América y Europa, proponiendo un diálogo intercultural que se sostiene en la sencillez y la fuerza del gesto artesanal. El trenzado, técnica cargada de connotaciones místicas y rituales, simboliza unión, fortaleza y protección. También evoca narrativas culturales y mitológicas, como la historia de Rapunzel de los Hermanos Grimm, estableciendo puentes entre pasado y presente.

Blanca de la Torre, comisaria de la exposición Hebras y Urdimbres, aportó un texto curatorial que profundiza en las lecturas de la obra, destacando su capacidad de generar un espacio de contemplación donde el espectador se siente envuelto por lo natural y lo sagrado.

Laura Segura: una práctica artística enraizada en la naturaleza

Laura Segura desarrolla su línea de investigación en torno al concepto de origen, subrayando la profunda relación del ser humano con el entorno natural. Su trabajo es un himno a lo natural, donde el proceso artesanal adquiere tanto valor como la obra terminada. En sus creaciones utiliza materiales como algodón, cera de abeja y pigmentos naturales, dotando a cada pieza de una presencia física que transmite espiritualidad y una sensorialidad casi táctil.

Puedes descubrir más sobre su trayectoria y otras obras en Marquesa Gallery, donde la artista forma parte del conjunto de creadores que defienden un arte comprometido con lo esencial y lo sensorial.

El IVAM: un referente en el arte contemporáneo

El IVAM ha consolidado su colección con obras que abordan cuestiones urgentes de nuestro tiempo, y la adquisición de Una trenza de hierba sagrada subraya su interés por el arte que dialoga con la naturaleza y la memoria cultural. Fundado en 1986, el museo se ha convertido en un espacio imprescindible para la investigación y difusión del arte moderno y contemporáneo.

La incorporación de la obra de Segura posiciona su investigación en un contexto museístico de gran visibilidad, permitiendo que públicos más amplios puedan experimentar la fuerza poética de su trabajo.

Un hito para Marquesa Gallery y la proyección de nuevos talentos

En Marquesa Gallery celebramos esta gran noticia como una reafirmación de nuestra labor de acompañamiento a artistas que exploran nuevos lenguajes y materiales. La adquisición por parte del IVAM no solo reconoce la solidez del trabajo de Laura Segura, sino también su relevancia en el contexto artístico contemporáneo.

Este tipo de hitos son recordatorios de la importancia de apoyar a artistas cuyo compromiso con la materia, el tiempo y la naturaleza enriquece el panorama cultural.

Una invitación a descubrir el trabajo de Laura Segura

Para quienes deseen conocer más sobre su obra y la de otros artistas con un enfoque igualmente comprometido y sensorial, invitamos a visitar nuestro showroom y nuestras exposiciones en curso. La adquisición de Una trenza de hierba sagrada por el IVAM es una prueba de cómo el arte puede ser un puente entre culturas, tiempos y sensibilidades, recordándonos que la belleza reside también en los gestos más primigenios: tejer, trenzar, unir.

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

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El concepto como puente hacia nuevas realidades

En el corazón del arte conceptual está la primacía de la idea. En sus primeras manifestaciones, artistas como Joseph Kosuth y Sol LeWitt utilizaron palabras, diagramas y objetos cotidianos para trasladar al espectador más allá de lo visual. En la actualidad, sin embargo, los nuevos discursos no solo reformulan el qué se comunica, sino el cómo. La narrativa conceptual contemporánea ha encontrado un poderoso aliado en la tecnología, donde herramientas como la inteligencia artificial, el videoarte interactivo y las realidades extendidas permiten que las ideas trasciendan los formatos tradicionales.

Por ejemplo, el uso de la inteligencia artificial para generar obras que cuestionan el papel del creador humano nos enfrenta a preguntas fundamentales: ¿quién es realmente el autor de una obra? ¿Qué sucede cuando el proceso creativo se comparte con una máquina? Estas nuevas formas de conceptualización no solo amplían el medio, sino que también invitan al público a reconsiderar su relación con el arte y el mundo que lo rodea.

Instalación Sol LeWitt

El discurso político y social como motor conceptual

El arte conceptual siempre ha tenido una fuerte carga política. Sin embargo, los discursos actuales se enfocan en problemáticas globales como el cambio climático, la justicia social y la identidad. Artistas como Laura Segura exploran los límites del discurso conceptual desde una perspectiva contemporánea, donde el impacto visual se fusiona con profundas reflexiones sobre el entorno.

El compromiso con estos temas es a menudo participativo, llevando al espectador a un rol activo dentro de la narrativa. Instalaciones que invitan al público a interactuar, cuestionar o incluso alterar el resultado final son cada vez más comunes. Este enfoque descentraliza al artista y coloca al observador en el centro, creando un arte colectivo y dinámico donde el significado se co-crea.

Laura Segura, Cándida Lana, Fibra de algas y porcelana, 2023

Redefiniendo la materialidad del arte conceptual

Aunque la materialidad no es la esencia del arte conceptual, los nuevos discursos tienden a reexaminar su relación con los objetos. En un mundo donde la sostenibilidad es una preocupación central, muchos artistas están trabajando con materiales reciclados, elementos efímeros e incluso datos digitales para cuestionar la permanencia y la relevancia del objeto en el arte.

Por ejemplo, piezas que desaparecen o se transforman con el tiempo enfatizan la temporalidad y la fragilidad, invitando a reflexionar sobre la impermanencia no solo del arte, sino de nuestra propia existencia. Estas obras conectan el concepto con el mundo físico, generando un impacto emocional que va más allá de lo intelectual.

El arte conceptual en la era de la hiperconexión

La era digital no solo ha influido en los medios utilizados por los artistas conceptuales, sino también en la forma en que se distribuyen y consumen sus obras. Plataformas como Instagram, TikTok y espacios virtuales como el metaverso han abierto nuevas posibilidades para que los discursos conceptuales lleguen a audiencias globales de manera inmediata. Sin embargo, este acceso masivo también plantea un reto: ¿cómo preservar la profundidad conceptual en un entorno saturado de contenido visual?

Muchos artistas han respondido a este desafío utilizando estas plataformas para subvertir las expectativas del espectador. Un simple post en redes sociales puede contener múltiples capas de significado, ocultas tras la inmediatez de un scroll. Así, el arte conceptual se adapta y florece en un ecosistema donde la atención es el recurso más valioso.

Nuevas preguntas, nuevos desafíos

En última instancia, los nuevos discursos en el arte conceptual no se tratan solo de explorar nuevas herramientas o temáticas, sino de replantear las preguntas fundamentales que impulsan al arte: ¿Qué significa crear? ¿Cuál es el papel del espectador? ¿Hasta dónde pueden expandirse los límites de lo que llamamos arte?

El arte conceptual contemporáneo no busca respuestas definitivas, sino que celebra la incertidumbre. En un mundo cada vez más fragmentado y complejo, su capacidad para generar debate, inspirar reflexión y conectar con lo más profundo de la condición humana sigue siendo su mayor fortaleza.

El futuro del arte conceptual

Mirando hacia adelante, parece claro que el arte conceptual continuará evolucionando en respuesta a los cambios sociales, tecnológicos y culturales. Los artistas seguirán desafiando lo establecido, creando nuevas formas de pensar y experimentar el arte. Más allá de las galerías y museos, el arte conceptual se convierte en un lenguaje universal que trasciende barreras, conectando ideas y personas a través del tiempo y el espacio.

Hoy, como en sus inicios, el arte conceptual no solo nos muestra el mundo tal como es, sino como podría ser. Y en esa posibilidad, radica su poder transformador.

Laura Segura, Anudar, Estructura metálica de invernadero, sisal y cáñamo, 2022