El pasado 5 de junio inauguramos en Marquesa Gallery la nueva exposición individual del pintor José Luis Ceña: El eco del otro, comisariada por Adonay Bermúdez. Esta propuesta está centrada en la construcción de la identidad a través del símbolo de la máscara que, en palabras del comisario, lejos de ser un elemento de ocultación, funciona como un umbral entre lo que somos y lo que podemos llegar a ser.

Los protagonistas de estas obras son niños, que cubren sus rostros con máscaras de animales, metáforas de la transformación, el juego y la exploración identitaria que caracteriza los primeros años de vida. Ceña nos invita mediante la máscara y la infancia a considerar también las máscaras de la vida adulta, aquellas que no corresponden a la lúdica sino a convenciones, expectativas o imposiciones sociales. La exposición es, al fin y al cabo, una mirada sensible a los procesos de construcción que afectan a cada individuo. Cada lienzo invita al espectador a preguntarse quién es y quién podría llegar a ser.

Con esta exposición reafirmamos nuestro compromiso con propuestas que abordan cuestiones esenciales de nuestras vidas desde lenguajes visuales contemporáneos. No es únicamente un recorrido estético de gran calidad pictórica, sino que es una experiencia de reflexión sobre la construcción del yo, la alteridad y la capacidad transformadora de la imaginación.

La inauguración congregó a coleccionistas, profesionales del sector, amantes del arte contemporáneo y amigos que tuvieron la oportunidad de conocer al artista y tomar contacto con su obra. La muestra podrá visitarse en Marquesa Gallery hasta el 31 de julio de miércoles a viernes de 11:00h a 19:00h y sábados de 11:00h a 14:30h.

¿Qué significa para ti presentar esta exposición en Marquesa Gallery en este momento de tu trayectoria?

Presentar esta exposición en Marquesa Gallery supone un momento especialmente significativo dentro de mi trayectoria. Llega en una etapa de madurez artística en la que siento que mi lenguaje visual está más consolidado, pero también más abierto a nuevas preguntas. Por otro lado vuelvo a Carabanchel, que es el barrio que me adoptó cuando llegué a Madrid a los 15 años: además un Carabanchel convertido en foro cultural increíble en continuo crecimiento.

Para mí no se trata tanto de mostrar resultados como de compartir un proceso de investigación que sigue vivo y que encuentra en este espacio un contexto ideal para conversar con el público.

¿Cómo ha sido el proceso de construir esta exposición en concreto?

Ha sido un proceso largo y muy orgánico. Aunque algunas de las ideas llevaban tiempo acompañándome, la exposición se ha ido construyendo a medida que las obras comenzaban a dialogar entre sí. Más que partir de un concepto concreto y cerrado, he trabajado abierto a lo que cada pieza iba demandando, permitiendo que aparecieran relaciones inesperadas y nuevas líneas de trabajo.

¿Cómo te gustaría que el visitante recorra la exposición: hay una narrativa o es una experiencia más libre?

Existe una estructura interna y ciertos vínculos entre las obras, pero no me interesa imponer una lectura única. Prefiero que el visitante construya su propio recorrido, que descubra conexiones personales y que encuentre espacios para la interpretación. La exposición propone un marco, pero la experiencia final la completa quien la visita.

¿Qué crees que diferencia esta exposición de trabajos anteriores tuyos?

Quizá esta exposición es una de las más personales que he realizado hasta ahora. No porque hable directamente de mí, sino porque reflexiona sobre algo que nos atraviesa a todos: la necesidad de construirnos, de transformarnos y de reconocernos en el otro.

Jose Luis Ceña, Stillness before the dive, 50 x 50 cm. óleo sobre lino, 2026

Si alguien sale de la exposición con una idea o sensación concreta, ¿Cuál te gustaría que fuera?

Me gustaría que saliera con la idea de volver a entrar, de no saber exactamente qué rostro ha estado mirando. Si el espectador sale con alguna certeza menos y algunas preguntas más, probablemente la exposición haya cumplido su función.

¿Qué parte de esta exposición crees que habla más de ti como artista hoy?

La manera en que conviven el acierto y el error. Lo narrativo y lo visual. Me interesa cada vez más ese territorio donde el conocimiento adquirido se encuentra con lo desconocido. Creo que esa tensión está muy presente en esta exposición y refleja bastante bien mi posición actual como artista.

¿Qué te obsesiona ahora mismo a nivel creativo?

Me obsesiona la idea de la identidad como algo cambiante y en permanente construcción. Me interesa pensarla de una manera muy cercana al propio proceso pictórico: ambos son procesos abiertos que se construyen a través de capas, de decisiones, correcciones y transformaciones sucesivas. Igual que una pintura nunca surge de una sola imagen, sino de la acumulación de gestos, aciertos, errores, idas y venidas, nuestra identidad también se configura a partir de experiencias, recuerdos, relatos y de la mirada de los demás. En ese paralelismo encuentro gran parte de mi interés creativo.

Tu obra tiene algo muy reconocible. ¿Cómo has construido ese lenguaje propio?

No pienso que el lenguaje propio sea algo que se busca de manera consciente, sino algo que aparece como
consecuencia de la inquietud, la investigación y la necesidad de profundizar en determinadas cuestiones.

¿Cómo empieza una obra tuya: con una imagen clara o con una intuición más difusa?

Siempre comienza con una idea. Esa idea inicial me lleva a realizar diferentes bocetos preparatorios que, en muchos casos, distan bastante del resultado final. Hay que dejar espacio a la incertidumbre, a que sucedan cosas durante el proceso de creación, a la magia. Si nos limitáramos a reproducir exactamente la imagen inicial, no nos diferenciaríamos demasiado de una impresora. Para mí, lo verdaderamente interesante aparece cuando la obra empieza a llevarte a lugares que no habías previsto.

Jose Luis Ceña, Architecture for a domestic game, 100 x 100 cm. óleo sobre lino, 2026

¿Qué parte del proceso disfrutas más… y cuál te cuesta más?

Disfruto especialmente el momento en que la obra empieza a revelar algo que yo mismo no había previsto: cuando aparece la pintura. Es una especie de diálogo con el propio trabajo. Lo más difícil suele ser saber cuándo una pieza está terminada, cuándo hay que dejar de intervenir y permitir que el tiempo la acabe.

¿Trabajas de forma impulsiva o hay mucha planificación detrás de cada pieza?

Hay una combinación de ambas cosas, cuando tienes dos niños se hace complicado a veces cuadrar la vida personal y la profesional. Esta experiencia me ha enseñado la importancia de la planificación, especialmente en procesos técnicos complejos, pero también necesito dejar espacio para el accidente, la intuición y lo inesperado. Muchas veces las decisiones más interesantes aparecen precisamente en esos momentos inesperados.

¿Qué te interesa más: que alguien entienda tu obra o que la sienta?

Me interesa más que la sienta, sin duda. La comprensión intelectual puede enriquecer la experiencia, pero creo que una obra empieza a funcionar cuando genera una resonancia emocional en quien la observa.

¿Qué crees que hace que alguien conecte con una pieza tuya y otro no?

La conexión con una obra depende tanto de la pieza como de la experiencia personal de quien la observa. Cada persona llega con una historia, una sensibilidad y unas referencias distintas. Precisamente esa diversidad de lecturas es una de las cosas que más me interesan del arte.

¿En qué punto sientes que te deja esta exposición de cara a lo que viene después?

No la siento como un punto final, sino como un paso más dentro de una investigación que continúa abierta. Muchas de las cuestiones que aparecen en esta exposición: la identidad, la transformación, la relación entre lo que mostramos y lo que somos, siguen generándome nuevas preguntas.
De alguna manera, esta exposición me deja en un territorio incierto, y eso es precisamente lo que me interesa. Creo que el trabajo artístico consiste en avanzar hacia aquello que todavía no comprendemos del todo.

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José Luis Ceña

Por Adonay Bermúdez

¡Huid a lo oculto! ¡Y tened vuestra máscara y sutileza para que os confundan con otros! ¡U os teman un poco!1

[…]

Todo lo profundo ama la máscara.2  

Antes de convertirse en un concepto asociado al pensamiento moderno, la máscara fue un instrumento ritual, teatral y simbólico: un umbral entre aquello que somos y aquello que podemos llegar a encarnar. En ella conviven simultáneamente el ocultamiento y la revelación, el miedo y el deseo, la ficción y la verdad. Quizás por eso Friedrich Nietzsche vio en ella una imagen inseparable de la profundidad humana. Para Nietzsche, aquello que verdaderamente importa nunca se presenta de manera transparente; necesita del rodeo, de la insinuación, del artificio. No existe un “yo” puro esperando detrás de las apariencias, porque somos también aquello que representamos, aquello que imaginamos y aquello que los demás perciben de nosotros. La máscara no funciona entonces como una mentira, sino como una forma de revelación. Todo lo profundo —como escribió Nietzsche— ama la máscara porque entiende que hay verdades que solo pueden aparecer bajo la forma del juego, la ficción o el disfraz.

Fotografía de la inauguración

Esta concepción resulta especialmente fértil para aproximarse a la nueva serie pictórica de José Luis Ceña (Málaga, 1982), donde la infancia aparece como un territorio de experimentación identitaria. Los niños retratados por el artista cubren sus rostros con máscaras de animales que, lejos de cancelar la individualidad, expanden sus posibilidades simbólicas. Aquí la máscara no borra la identidad, sino que abre nuevas maneras de habitarla. «Mostrar el rostro no es desde luego mostrar(se).»3 La pintura de Ceña parece asumir, de manera intuitiva, aquella afirmación nietzscheana según la cual lo profundo necesita de la apariencia para poder existir.

La infancia adquiere aquí una dimensión especialmente reveladora. El niño, antes de quedar fijado por las estructuras normativas de la vida adulta, habita todavía un espacio donde identidad y ficción no se encuentran radicalmente separadas, si es que en algún momento llegan a estarlo. Como señaló Jacques Lacan, la realidad humana se articula siempre entre lo imaginario, lo simbólico y lo real4. El juego funciona entonces como una forma de exploración: jugar implica ensayar maneras posibles de existir. En este sentido, las máscaras de animales presentes en la obra no remiten únicamente al imaginario lúdico, sino también a una condición arcaica y ritual de la representación. El rostro animal permite atravesar los límites de lo humano y explorar una subjetividad todavía abierta, mutable y en proceso de formación.

Fotografía de la inauguración

Mientras el hombre y los animales sean considerados como creaciones independientes, es cierto que un obstáculo invencible paralizará los esfuerzos de nuestra curiosidad natural, por llevar tan lejos como sea posible la busca de las causas de la expresión. 5

[…]

Diversos movimientos expresivos en el perro.— Gato.— Caballo.— Rumiantes.— Monos —Expresiones de alegría y de afecto, de sufrimiento, de cólera, de admiración y de terror en estos animales. 6

En la obra de Ceña, lo animal funciona como una extensión sensible de aquello que todavía permanece fuera del lenguaje. Cada figura encarna una intensidad emocional — astucia, vulnerabilidad, fuerza, miedo, ternura o violencia— que no pertenece exclusivamente a lo humano, sino a una zona compartida de la sensibilidad. En este sentido, las máscaras no funcionan como simples disfraces infantiles, sino como elementos que amplían el juego identitario y permiten explorar emociones difíciles de expresar de otro modo. Darwin intuía ya que las emociones atraviesan especies y cuerpos distintos, revelando una continuidad profunda entre lo humano y lo animal. Ceña sitúa precisamente ahí el núcleo de su pintura: en ese territorio ambiguo donde la identidad todavía se encuentra en construcción, expuesta y abierta al cambio. Sus imágenes no representan únicamente niños enmascarados, sino la persistencia de una verdad primitiva: que existe una continuidad silenciosa entre lo humano y lo animal.

Fotografía de la inauguración

La pintura de Ceña intensifica esta reflexión a través de un elemento decisivo: el espacio. Los personajes no aparecen situados en escenarios reconocibles ni en paisajes naturalistas, sino en arquitecturas ambiguas, suspendidas en una temporalidad incierta. Se trata de fondos que parecen construidos desde la memoria de la pintura antigua y, al mismo tiempo, desde la artificialidad consciente del teatro. Hay en ellos algo de la frontalidad simbólica de Giotto y también algo de la escenografía: telones, plataformas, arquitecturas mínimas y perspectivas deliberadamente inestables que convierten cada imagen en una representación. Ceña no busca reproducir el mundo, sino construir el lugar donde la ficción pueda acontecer.

Bosques imposibles, vegetaciones suspendidas, hongos desproporcionados y arquitecturas acartonadas construyen un universo donde lo real queda desplazado hacia el terreno de la fábula y la ensoñación. Y precisamente el trazo de nuestro artista refuerza esa condición ambigua. La imagen parece oscilar constantemente entre la construcción y la disolución: zonas cuidadosamente modeladas conviven con fragmentos abiertos, manchas transparentes y superposiciones que dejan visible el proceso mismo de la pintura. Esa inestabilidad formal impide que la escena se cierre por completo, manteniendo la sensación de algo que todavía está sucediendo o transformándose ante la mirada. 

Así, las máscaras de animales, los cuerpos infantiles y los escenarios ficticios terminan configurando una misma estructura simbólica: la identidad entendida no como una esencia fija, sino como una representación en permanente construcción. Ceña parece recordarnos que toda subjetividad posee algo de teatral, algo de ritual y algo de juego. Y quizás ahí resida la profundidad silenciosa de estas pinturas: en comprender que no existe verdad humana completamente separada de la ficción que la hace visible.

Como en ciertos sueños infantiles que, sin previo aviso, derivan hacia lo inquietante, las escenas de Ceña mantienen al espectador suspendido en una extraña inestabilidad emocional. Nada termina de ofrecer refugio: ni la ternura aparente de los cuerpos, ni el juego, ni la fantasía. Cada composición parece contener una fisura silenciosa, una tensión latente que desorienta la mirada y desplaza constantemente el sentido. Lo familiar deviene extraño; lo cercano, inaccesible. Hay en estas pinturas una lógica onírica donde las proporciones vacilan, los espacios no terminan de asentarse y las figuras parecen atrapadas en un instante anterior a la desaparición o al despertar. Tal vez por eso sus imágenes permanecen adheridas a la memoria: como toda máscara verdadera, no ocultan por completo ni revelan del todo, sino que dejan al espectador frente a la inquietante experiencia de no saber exactamente qué rostro está mirando.

Aunque hombre de dos caras, no era yo, en modo alguno, un hipócrita: mis dos aspectos eran genuinamente sinceros.7

Adonay Bermúdez

Bibliografía:

1. Nietzsche, Friedrich: Más allá del bien y del mal. Alianza Editorial. Madrid, 2012, p 62.
2.Nietzsche, op. cit., p 82.
3. De Diego, Estrella: No soy yo. Ediciones Siruela. Madrid, 2011, p 63.
4.  Le symbolique, l’imaginaire et le réel. Conferencia pronunciada por Jacques Lacan en el Anfiteatro del Hospital Psiquiátrico de Sainte-Anne, París, el 8 de Julio de 1953, en ocasión de la primera reunión científica de la recientemente fundada Société Française de Psychanalyse
5.  Darwin, Charles: La expresión de las emociones en el hombre y en los animales. Francisco Sempere y Cª, Editores. Valencia, 1845, p 18.
6. Darwin, op. cit., p 147.
7. Stevenson, Robert Louis: El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Austral. Madrid, 2008, p 120.

Dirección: Calle Marquesa de Argüeso, 38 – 28019 Carabanchel (Madrid)
Duración: Viernes, 5 de junio de 2026 a viernes, 31 de julio de 2026 – Horario: miércoles-viernes 11:00 – 19:00h sábados: 11:00 – 14:30h
Artista: José Luis Ceña
Título de la Exposición: El eco del otro
Comisario: Adonay Bermúdez