El pasado 18 de febrero de 2026, el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) inauguró en Valencia la exposición A media lumbre, una propuesta colectiva que reúne a numerosos artistas contemporáneos en torno a una idea muy clara: revisar el valor de lo manual, lo material y los saberes tradicionales desde una mirada actual.

En un momento en el que gran parte del arte se mueve hacia lo digital o lo inmediato, esta exposición plantea justo lo contrario. Aquí el foco está en el tiempo, en el proceso y en la relación directa con los materiales.

Y dentro de este contexto, la presencia de Laura Segura, artista de Marquesa Gallery, adquiere un papel especialmente relevante.

Una exposición de arte contemporáneo que mira hacia lo esencial

A media lumbre no es una exposición al uso. No está construida desde grandes discursos teóricos ni desde lo espectacular, sino desde algo más cercano: la experiencia, el hacer y la conexión con la materia.

Las obras que forman parte del recorrido del IVAM comparten un interés común por materiales como fibras naturales, cerámica, textiles o elementos orgánicos, y por procesos que implican tiempo, repetición y conocimiento acumulado.

Pero no se trata de una mirada nostálgica.
Lo interesante es que estos lenguajes tradicionales se sitúan en el presente, dialogando con preocupaciones actuales: la sostenibilidad, la identidad, el territorio o la transmisión de conocimiento.

La exposición propone así una reflexión amplia: qué valor tienen hoy los oficios, los gestos manuales y las formas de hacer que durante años han quedado en un segundo plano.

Un recorrido coral con múltiples enfoques

Uno de los puntos fuertes de A media lumbre es su carácter colectivo. La exposición reúne a 27 artistas con prácticas muy distintas, lo que genera un recorrido rico y abierto.

Algunas obras se centran en el textil como lenguaje artístico. Otras en la cerámica o en estructuras construidas a partir de materiales naturales. También hay piezas que incorporan dimensión espacial o que se relacionan directamente con el entorno.

Lo interesante es que, aunque cada artista trabaja desde su propio enfoque, existe una coherencia de fondo: todas las propuestas comparten una relación directa con el hacer, con el cuerpo y con el tiempo.

El resultado no es una exposición cerrada, sino un conjunto de voces que dialogan sin necesidad de imponerse unas sobre otras.

Laura Segura y Una trenza de hierba sagrada: una obra clave en la exposición

Dentro de este contexto, la obra de Laura Segura, Una trenza de hierba sagrada (2022), destaca por su capacidad de sintetizar muchas de las ideas presentes en la exposición.

La pieza, realizada con sisal natural trenzado, parte de un gesto sencillo pero cargado de significado: trenzar.

Ese gesto conecta directamente con prácticas ancestrales vinculadas al trabajo manual, pero también con algo más simbólico. La trenza aparece como forma de unión, de continuidad y de transmisión.

No es una obra que busque imponerse visualmente.
Funciona desde la cercanía y desde la relación con el espectador.

Además, el uso del sisal (una fibra vegetal vinculada a contextos específicos) introduce una dimensión ligada al territorio y a los recursos naturales. El material no es neutro: forma parte del discurso.

En este sentido, la obra se sitúa en un punto muy interesante: entre lo físico y lo simbólico, entre lo cotidiano y lo ritual.

Coherencia con su práctica artística

La participación de Laura Segura en A media lumbre no es casual. Su trabajo lleva tiempo centrado en la relación entre el ser humano, la naturaleza y los procesos manuales.

En sus obras, el proceso no es algo oculto, sino visible.
Se percibe en la repetición, en la construcción paciente, en la forma en la que los materiales se transforman.

Una trenza de hierba sagrada encaja perfectamente en esta línea.
Es una pieza que no se entiende solo desde lo visual, sino desde la experiencia, el tiempo y el contacto con la materia.

Y precisamente por eso funciona tan bien dentro de la exposición.

Más allá de la estética: una reflexión necesaria

Uno de los aspectos más interesantes de A media lumbre es que no se queda en lo formal.

La exposición plantea preguntas de fondo:
¿Qué lugar ocupan hoy los saberes tradicionales?
¿Qué hemos perdido en la transición hacia lo industrial y lo digital?
¿Cómo se pueden recuperar estas prácticas desde el arte contemporáneo?

No ofrece respuestas cerradas, pero sí abre un espacio de reflexión.

Y lo hace desde las obras, no desde el discurso.

Una exposición que merece una visita tranquila

A media lumbre es una de esas exposiciones que funcionan mejor cuando se recorren sin prisa.

No busca el impacto inmediato.
No necesita grandes efectos.

Su fuerza está en otra parte: en los materiales, en los procesos y en la relación que se establece con el espectador.

En ese contexto, la obra de Laura Segura se posiciona como uno de los puntos más sólidos del recorrido, no por destacar sobre el resto, sino por integrarse con coherencia en el discurso general de la exposición.

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

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El pasado viernes 13 de febrero inauguramos en Marquesa Gallery Musitar, la primera exposición individual de Laura Segura en la galería, comisariada por Sema D’Acosta. Y desde el primer momento se notó que no era una inauguración cualquiera.

Fue una tarde con muy buena asistencia, pero con algo diferente en el ambiente. Más que el típico recorrido rápido por sala, la mayoría de las personas se detenían. Observaban con calma. Comentaban en voz baja. Había curiosidad, pero también cierta sensación de recogimiento que no es tan habitual en una inauguración.

Una exposición de arte contemporáneo en Madrid que se percibe más allá de lo visual

Uno de los aspectos que más llamó la atención fue la relación directa que se genera con las obras. No son piezas que se entiendan de un vistazo ni que busquen impactar de forma inmediata.

Laura trabaja con materiales como lana, madera, cera, jabón o fibras naturales, y eso cambia completamente la experiencia. Hay una dimensión sensorial muy presente, incluso cuando no se toca la obra. El olor, la textura o la forma en la que están construidas hacen que el espectador se acerque de otra manera.

Durante la inauguración, muchas personas compartían sensaciones similares: recuerdos, asociaciones con lo natural, con lo doméstico o con ciertos gestos tradicionales. Sin necesidad de explicaciones complejas, la obra conecta.

El proceso como parte esencial de la obra

Otro tema recurrente en las conversaciones de la tarde fue el tiempo.

Las piezas de Musitar no están pensadas desde la inmediatez. Hay un trabajo lento detrás, muy manual, donde el proceso es tan importante como el resultado. Y eso se percibe claramente al verlas en directo.

No hay artificio ni exceso. Todo está bastante depurado, pero al mismo tiempo cargado de horas de trabajo, de repetición y de atención al detalle. Ese equilibrio es lo que hace que las obras funcionen tan bien en sala.

El trabajo curatorial de Sema D’Acosta se nota en cómo está planteada la exposición. No es solo una suma de piezas, sino un recorrido con sentido.

Hay una coherencia clara entre las obras, tanto a nivel material como conceptual. Se generan conexiones entre ellas sin necesidad de explicarlas, y el visitante va entendiendo poco a poco el universo de la artista.

Además, el montaje refuerza esa idea de experiencia: piezas suspendidas, otras más cercanas al suelo, algunas que invitan a rodearlas… Todo contribuye a que la visita sea dinámica, pero sin perder esa sensación de calma.

Muy buena acogida en la inauguración

La inauguración reunió a perfiles muy distintos: coleccionistas habituales, artistas, profesionales del sector y también personas que visitaban la galería por primera vez.

Y lo interesante fue ver cómo todos encontraban un punto de entrada a la exposición.

No es una muestra cerrada ni difícil en el mal sentido. Al contrario, es accesible desde lo sensorial, desde lo que cada uno reconoce o interpreta. Eso hace que funcione muy bien con públicos diferentes.

Muchos visitantes se quedaron más tiempo de lo habitual, volviendo sobre algunas piezas o comentando detalles que no habían visto en un primer momento.

Una exposición para ver con tiempo en Madrid

Si algo quedó claro durante la inauguración es que Musitar es una exposición que merece una visita tranquila.

No es tanto una muestra para “entender” como para experimentar. Para fijarse en los materiales, en los pequeños gestos y en cómo están hechas las piezas.

En un contexto donde muchas exposiciones de arte contemporáneo en Madrid buscan lo inmediato, el trabajo de Laura Segura va en otra dirección: más pausada, más conectada con lo manual y con una forma de hacer que tiene mucho que ver con el origen y con lo natural.

Taller de arte con Laura Segura en Marquesa Gallery

Dentro del programa de la exposición, el jueves 5 de marzo a las 19:00h tendrá lugar un taller de arte con Laura Segura en la galería.

Será un espacio de creación guiado por la artista, pensado para explorar la sensibilidad artística desde su propio lenguaje y proceso de trabajo. Una oportunidad poco habitual para acercarse a su forma de entender el arte desde dentro.

El taller tiene además un componente solidario: la recaudación se destinará íntegramente a la Fundación Acogida, apoyando su Casa Maternal, un proyecto que ofrece acompañamiento, formación y apoyo a madres en situación de vulnerabilidad.

Acceso: aforo limitado bajo reserva
Entrada: aportación voluntaria (100% destinada a la Fundación Acogida)

La exposición Musitar, de Laura Segura, comisariada por Sema D’Acosta, puede visitarse en Marquesa Gallery (Calle Marquesa de Argüeso, 38, Madrid) hasta el 28 de marzo de 2026.

Horario:
Miércoles a viernes de 11:00 a 19:00
Sábados de 11:00 a 14:30

Rocio Martínez Martínez

Rocio Martínez es cofundadora y directora de Marquesa Gallery. Historiadora del arte y experta en mercado artístico con más de 6 años de experiencia, ha trabajado estrechamente asesorando en la adquisición de obras de arte, tanto con galerías como con coleccionistas privados.

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El concepto como puente hacia nuevas realidades

En el corazón del arte conceptual está la primacía de la idea. En sus primeras manifestaciones, artistas como Joseph Kosuth y Sol LeWitt utilizaron palabras, diagramas y objetos cotidianos para trasladar al espectador más allá de lo visual. En la actualidad, sin embargo, los nuevos discursos no solo reformulan el qué se comunica, sino el cómo. La narrativa conceptual contemporánea ha encontrado un poderoso aliado en la tecnología, donde herramientas como la inteligencia artificial, el videoarte interactivo y las realidades extendidas permiten que las ideas trasciendan los formatos tradicionales.

Por ejemplo, el uso de la inteligencia artificial para generar obras que cuestionan el papel del creador humano nos enfrenta a preguntas fundamentales: ¿quién es realmente el autor de una obra? ¿Qué sucede cuando el proceso creativo se comparte con una máquina? Estas nuevas formas de conceptualización no solo amplían el medio, sino que también invitan al público a reconsiderar su relación con el arte y el mundo que lo rodea.

Instalación Sol LeWitt

El discurso político y social como motor conceptual

El arte conceptual siempre ha tenido una fuerte carga política. Sin embargo, los discursos actuales se enfocan en problemáticas globales como el cambio climático, la justicia social y la identidad. Artistas como Laura Segura exploran los límites del discurso conceptual desde una perspectiva contemporánea, donde el impacto visual se fusiona con profundas reflexiones sobre el entorno.

El compromiso con estos temas es a menudo participativo, llevando al espectador a un rol activo dentro de la narrativa. Instalaciones que invitan al público a interactuar, cuestionar o incluso alterar el resultado final son cada vez más comunes. Este enfoque descentraliza al artista y coloca al observador en el centro, creando un arte colectivo y dinámico donde el significado se co-crea.

Laura Segura, Cándida Lana, Fibra de algas y porcelana, 2023

Redefiniendo la materialidad del arte conceptual

Aunque la materialidad no es la esencia del arte conceptual, los nuevos discursos tienden a reexaminar su relación con los objetos. En un mundo donde la sostenibilidad es una preocupación central, muchos artistas están trabajando con materiales reciclados, elementos efímeros e incluso datos digitales para cuestionar la permanencia y la relevancia del objeto en el arte.

Por ejemplo, piezas que desaparecen o se transforman con el tiempo enfatizan la temporalidad y la fragilidad, invitando a reflexionar sobre la impermanencia no solo del arte, sino de nuestra propia existencia. Estas obras conectan el concepto con el mundo físico, generando un impacto emocional que va más allá de lo intelectual.

El arte conceptual en la era de la hiperconexión

La era digital no solo ha influido en los medios utilizados por los artistas conceptuales, sino también en la forma en que se distribuyen y consumen sus obras. Plataformas como Instagram, TikTok y espacios virtuales como el metaverso han abierto nuevas posibilidades para que los discursos conceptuales lleguen a audiencias globales de manera inmediata. Sin embargo, este acceso masivo también plantea un reto: ¿cómo preservar la profundidad conceptual en un entorno saturado de contenido visual?

Muchos artistas han respondido a este desafío utilizando estas plataformas para subvertir las expectativas del espectador. Un simple post en redes sociales puede contener múltiples capas de significado, ocultas tras la inmediatez de un scroll. Así, el arte conceptual se adapta y florece en un ecosistema donde la atención es el recurso más valioso.

Nuevas preguntas, nuevos desafíos

En última instancia, los nuevos discursos en el arte conceptual no se tratan solo de explorar nuevas herramientas o temáticas, sino de replantear las preguntas fundamentales que impulsan al arte: ¿Qué significa crear? ¿Cuál es el papel del espectador? ¿Hasta dónde pueden expandirse los límites de lo que llamamos arte?

El arte conceptual contemporáneo no busca respuestas definitivas, sino que celebra la incertidumbre. En un mundo cada vez más fragmentado y complejo, su capacidad para generar debate, inspirar reflexión y conectar con lo más profundo de la condición humana sigue siendo su mayor fortaleza.

El futuro del arte conceptual

Mirando hacia adelante, parece claro que el arte conceptual continuará evolucionando en respuesta a los cambios sociales, tecnológicos y culturales. Los artistas seguirán desafiando lo establecido, creando nuevas formas de pensar y experimentar el arte. Más allá de las galerías y museos, el arte conceptual se convierte en un lenguaje universal que trasciende barreras, conectando ideas y personas a través del tiempo y el espacio.

Hoy, como en sus inicios, el arte conceptual no solo nos muestra el mundo tal como es, sino como podría ser. Y en esa posibilidad, radica su poder transformador.

Laura Segura, Anudar, Estructura metálica de invernadero, sisal y cáñamo, 2022